miércoles, 30 de julio de 2008

YO SERVÍ AL REY DE INGLATERRA

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Sinopsis oficial de la película

Jan Dite es bajito, pero muy ambicioso. Hablando en plata, el joven camarero provinciano quiere convertirse en millonario. Y sabe exactamente cómo conseguirlo: escuchándolo todo, observándolo todo, y utilizando todo lo que ha escuchado y observado. Con esa convicción y un deseo irrefrenable de complacer a todo el mundo, pronto abandona su primer empleo, en un pub, por un burdel de lujo y, finalmente, por un elegante restaurante Art Nouveau de Praga.
Pero ahora ha llegado el final de la década de 1930, y las cosas están cambiando: Hitler ha ocupado Sudetenland y está dividiendo Checoslovaquia. Jan se enamora de Lisa, una alemana de los Sudetes orgullosa de su sangre aria. Se casan y, cuando Lisa regresa del frente, lo hace con una fortuna en sellos singulares que los judíos "dejaron atrás"... Tras su muerte, nada heroica, Jan vende los sellos y se convierte en millonario. Sin embargo, sólo puede disfrutar de su fortuna durante tres años: el nuevo régimen comunista lo encarcela durante 15 años.
A su salida de la cárcel, Jan es enviado a vivir a una decrépita ciudad fronteriza que fue abandonada por los alemanes. Allí dispone de tiempo para pensar sobre los acontecimientos que conformaron su vida, y para reflexionar sobre lo que podría haber pasado si él hubiera desempeñado un papel distinto en dichos acontecimientos...

Sinopsis recogida de LA BUTACA

TRAILER Y PEQUEÑO REPORTAJE

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Crítica de Juan Manuel Rodríguez de Sousa para Sinopsis del Arte

Nunca sabré porqué razón decidí ver esta película. Yo suelo hacer un sondeo entre toda la basura y más o menos mezclo intuición y crítica. Aquí sólo dispuse del primer elemento y quizás también de una pizca de aburrimiento: las vacaciones dan para mucho. En fin, supuso un gran descubrimiento que quiero compartir con todos vosotros. Cómo no he encontrado ninguna crítica en las diez primeras entradas de Google (cosa imperdonable) me veo en la obligación de escribir una crítica lo más decentemente posible.

Para empezar, la historia está narrada desde un punto de vista original. Y estos puntos de vistas originales se subdividen en todos los ámbitos “formales” del mundo del celuloide. Rescatable son los brillantes momentos cómicos que recuerdan a las películas de Charles Chaplin; hacer una crítica contrastada con El GRAN DICTADOR sería una delicia para cualquier cineasta.

 

Original el enfocar la historia desde la ambición por hacerse rico que es a la vez una excusa para mostrarnos la vida de un personaje y la historia que lo rodea. Original también en la toma de algunas escenas que dan un toque mágico, a la vez que embellece la película por si misma. Original en todos los sentidos, pero tan bien dirigida, tan elegantemente compuesta que la película transcurrirá deliciosa, grácil y bella sin resultar atropellada en ningún momento.

El trabajo del director es imprescindible para la película. Se nota y se palpa en todas las escenas que quizás, otro más descuidado, o directamente –porqué no decirlo— mediocre, no hubiera obtenido nada interesante de esta peculiar historia. Podemos decir, sin lugar a dudas, que Jirí Menzel merece el mejor aplauso.

Entrevista a Jirí Menzel

A quién deberíamos aplaudir también sería al escritor checo Bohumil Hrabal. Fue este quién escribió la novela “Yo que he servido al Rey de Inglaterra” y por lo tanto, máxime artífice de toda esta historia. Sin embargo, Jirí Menzel no sólo ha aprovechado esta obra, sino que ha conseguido no disminuirla; tal como suele pasar en la mayoría de las películas basadas en una obra literaria. Por eso, aún debiendo a Bohumil Hrabal la creación originaria, seguimos aplaudiendo a Jirí Menzel como director.

Jirí Menzel en la Wikipedia

Después de aplaudir al director, lo podríamos hacer con los dos actores que encarnan al protagonista: uno de joven, el otro ya mayor. Oldrich Kaiser, que podemos disfrutar de él en “UN MUNDO AZUL OSCURO” y que es una figura muy respetada en el mundo del teatro, da comienzo al filme con un aire intimista, una mirada que desgaja el alma y ennoblece; su intepretación raya la perfección.

Igual de bien podríamos hablar de Jan Dite “joven”, que es interpretado por Ivan Barnev y realiza el mejor papel con diferencia. Se desenvuelve igual de bien en la comedia y en la tragedia, aunque en donde brilla más sea en los momentos cómicos. Barnev se convierte así en el brazo ejecutor de toda una obra: sin su magnífica interpretación, el gran trabajo de Jirí Menzel se hubiera ido al garete y hubiera restado un producto de menos valor artístico.

Los demás actores, no llegan siquiera a la categoría de “secundarios” Aún así podríamos felicitarles, porque en realidad todos están a la altura. Sería inútil decidir a quién de ellos darle el primer premio, y prefiero que vayan ustedes al cine y decidan por si mismos.

Como no deseo extenderme mucho, daré una conclusión multiplicada por cuatro y que explican lo que no debemos perdernos de esta película: el pueblo checo antes, durante y después de la II Guerra Mundial; los momentos cómicos protagonizados, casi todos, por Ivan Barnev; la magia de las escenas sexuales y las que se muestra monedas, billetes y sellos volando en el aire; y por último, la historia de nuestro protagonista, su evolución como ser humano y aceptación humilde hasta el final de la película. Vaya a verla, disfrútela y, si no queda satisfecho, no le devolvemos el dinero.

Nota: 9’1

Yo serví al rey de inglatera

PÁGINA OFICIAL EN INGLÉS

Fícha artística:

Dirección: Jiří Menzel.
País:
República Checa y Eslovaquia.
Año: 2006.
Duración: 120 min.
Género: Comedia dramática.
Interpretación: Ivan Barnev (Jan Dítě, joven), Oldřich Kaiser (Jan Dítě, viejo), Julia Jentsch (Lisa), Martin Huba (Skřivánek), Marián Labuda (Walden), Milan Lasica (profesor), Josef Abrhám (Brandejs), Jiří Lábus (director del hotel), Jaromír Dulava (Karel).
Guión: Jiří Menzel; basado en la novela de Bohumil Hrabal.
Producción: Rudolf Biermann.
Música: Aleš Březina.
Fotografía:
Jaromír Šofr.
Montaje: Jiří Brožek.
Diseño de producción: Milan Býček.
Vestuario: Milan Čorba.
Estreno República Checa: 11 Enero 2007.
Estreno en España: 18 Julio 2008.

jueves, 24 de julio de 2008

Hey Jude de The Beatles

 

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Hey Jude Original

Ahora nos vamos a los años sesenta. A la época dorada de los Beatles donde recordaremos uno de los hitos musicales que no ha cesado de sonar durante medio siglo. Se trata de la canción Hey Jude, que indudablemente, es una canción del grupo de The Beatles que se lanzó como sencillo el 30 de agosto. Hey Jude fue escrita por Paul McCartney.  Es larga, unos siete minutos: no obstante, eso no repercutió negativamente para que tuviera un gran éxito.  El título de la canción era inicialmente Hey Jules pero Paul McCartney la cambió a Jude porque sonaba mejor.

Aguantó dos semanas en número uno en las listas británicas, y nueve semanas como número uno en las listas de Estados Unidos.

Aquí dejo un vídeo para que podáis disfrutarla y un enlace primero para descargaros un archivo en PDf con la letra de la canción y su traducción correspondiente al español.  Descargar Pdf.

 

Aquí os dejo dos vídeos: el primero es una actuación, medianamente reciente, donde intervienen grandes músicos -y supongo amigos- de Paul McCarthey: Elton John, Sting & Eric Clapton. En el siguiente vídeo salen tan jovencitos...

 

PÁGINA DE LOS BEATLES EN ESPAÑOL

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Artículo de Juan Manuel Rodríguez de Sousa para Sinopsis del Arte.

martes, 22 de julio de 2008

Ain't No Sunshine de Bill Withers

Ain’t no sunshine es una canción de Bill Withers salida de su primer albúm « Just As I Am » La canción fue publicada como single en el septiembre de 1971 llegando a la sexta y tercera plaza de los canales R&B y POP U.S respectivamente. En el 2003 fue incluída en la lista de las quinentas mejores canciones de todos los tiempos, lista elaborada por la famosa revista Rolling Stone. Ain’t No Sunschine ha sido y es una de las canciones más escuchadas de la historia de la música occidental. Espero que os guste, aquí dejo la letra en inglés y la traducción.

LETRA DE LA CANCIÓN ORIGINAL Y TRADUCIDA

Dos vídeos de la canción:

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domingo, 20 de julio de 2008

SEXO EN NUEVA YORK: LA PELÍCULA.

 

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LA PELÍCULA

Un intento más que efectivo de llevar a la gran pantalla una de las series más polémicas e innovadoras, que ha marcado un antes y un después en la forma de entender la televisión.

La historia se centra en el cuarteto protagonista, varios años después del final de la serie, en la que podemos ver a Carrie tomando la gran decisión de aceptar el compromiso de por vida.

El film tiene como objetivo principal servir de entretenimiento a todo tipo de espectadores, sin dejar a un lado a los millones de fans que han seguido la serie durante sus seis temporadas, a los que no dejarán indiferentes. Es cierto que la película, al tratarse de una gran producción, ha perdido parte de la esencia y frescura de la serie original en el intento de abarcar a un mayor público, incluyendo a todas aquellas personas que no la siguieron por televisión. Aún teniendo en cuenta todo esto y el cine de comedia actual, la película supera con creces su cometido sin grandes pretensiones, con un ritmo ágil, una b.s.o pegadiza y, con más moda que sexo, nos hace pasar unos momentos más que divertidos a pesar de su excesiva duración.

Crítica por Danny Blanes

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                      "Sexo en Nueva York" en LA BUTACA

sábado, 19 de julio de 2008

Poema para Sharbat.

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Muchos recordarán esa mirada, producto del sufrimiento. Sharbat, diecinueve años después, sigue poseyéndola, quizás más triste y renegada que unos años atrás. En fin, hace algún tiempo que leí una entrevista donde su marido mencionaba las sucesivas calamidades por las que había pasado y está pasando su país: Afganistán. En la última pregunta, después de reflexionar y entender que las promesas dadas por los políticos, religiosos u otras organizaciones caían siempre en saco roto, sacó a relucir la resignación y la fe: los hechos se habían desarrollado según la Voluntad de Dios. De ahí, proviene este pequeño poema dedicado a Sharbat, a su familia y a su pueblo.

 

Dedicado a Sharbat,

aunque ella nunca lo sepa.

Sharbat

La voluntad de Dios

es el ojo,

es la respuesta,

la paz

y el silencio de la muerte.

.

.

La voluntad del Hombre

sería la mirada,

sería la pregunta

y la callada palabra

cuando se oye la verdad.

.

.

La voluntad del Hoy

no existe.

 

 

Sharbat Gula en la Wikipedia

Poema de Juan Manuel Rodríguez de Sousa para Sinopsis del Arte.

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miércoles, 16 de julio de 2008

SERIE: SEXO EN NUEVA YORK

Sexo en Nueva York

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Desirée Castellano Olivera para Sinopsis del Arte

Si os soy sincera, las primeras veces que oí hablar de esta serie pensé que era de contenido pornográfico. Encima la emitían por televisión a altas horas de la madrugada, así que todo indicaba que aquello no era para niñas inocentes como yo.

Años después, me enteré de que era una serie normal donde tocaban el tema… pero no tanto como yo pensaba. Así que me bajé la primera temporada.

El comienzo no me gustó absolutamente nada, pero el verano es tan largo y da para tanto que decidí darle una oportunidad y seguí viéndola.

A grandes rasgos, me toca comentar que la serie trata de cuatro treinteañeras que se reúnen para hablar de sus vidas y, sobre todo, de sus escarceos amorosos. Todo ello en los sitios más cools y glamourosos de La Gran Manzana. Pero… es mucho más que eso.

Los espectadores, a lo largo de sus seis temporadas, hemos disfrutado de momentos de todo tipo: de amistad (¿qué mujer no se siente identificada ante esas reuniones?), de apoyo y ayuda, tristes, alegres… y bueno… sexuales (Supongo que gracias a ellas muchas mujeres han abierto sus mentes a muchas prácticas que “estaban algo mal vistas”).

Quizás un requisito para adentrarse en la historia y engancharse a ella (como me pasó a mí) es conocer a las protagonistas. Así que os voy a acelerar el proceso:

Carrie Bradshaw

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Es una escritora de una columna sobre sexo en el periódico. Obsesionada con los zapatos y envidia de muchas por su fantástico vestuario (sí, yo también levanto la mano). Es la más “normal” de las cuatro respecto a sus relaciones con los hombres. Sin embargo, está llena de dudas e inseguridad. Supongo que como todas.

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Samantha Jones

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Relaciones públicas. Una mujer de armas tomar y sin pelos en la lengua. Tiene numerosas aventuras con miles de hombres, pero es incapaz de llevar una relación formal con ninguno. El matrimonio no es una opción y los hijos… no están dentro de su vocabulario.

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Charlotte York

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Trabaja en un museo. Es, con diferencia, la más recatada de todas. Religiosa y muy perfeccionista, sueña desde pequeña como será su traje de novia. También es la más sensible y llorona. Parece haber nacido para cuidar miles de bebés en su carísima casa neoyorquina.

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Miranda Hobbes

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Y por último, la pelirroja. Trabaja en un bufete de abogados. A veces no derrocha simpatía y lo que tiene que decir lo dice, no se calla ni lo más mínimo. Para ella, nada de cursilerías ni finales felices. Está hecha para ponerles a todas los pies en el suelo.

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En fin...

Además de ver las calles, parques, restaurantes y tiendas más fashion de la ciudad y desear vivir como ellas (con las conquistas, las casas, la ropa y los cosmopolitan incluidos), disfrutarás de un montón de anécdotas. Chicos que lamen toda tu cara en vez de besarte, que terminan una relación mediante un post-it, que les gustan ser azotados en el trasero o que la tienen tan pequeña como para hacerte llorar; sólo es un ejemplo de todo lo que te puedes encontrar.

Video del Micropene, XD

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Desirée Castellano Olivera para Sinopsis del Arte

sábado, 12 de julio de 2008

LAS TRES EDADES.- Gustave Klimt- Impresiones de Juan Manuel Rodríguez de Sousa

Impresiones de Juan Manuel Rodríguez de Sousa

Archivo en PDf

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La vida es el elemento principal de esta obra. La vida y la muerte. Pero más bien podríamos decir que es la representación de un ciclo ineludible: el paso de la juventud a la vejez, el paso del tiempo. La evidencia hace que nos identifiquemos, y que veamos para unos el futuro y para otros el pasado. El niño, sería la primera edad. La juventud sería la plenitud. La vejez, la última etapa.

La juventud

Una figura llena de color, de vida, que en medio de la inmensidad neutra, sostiene entre sus brazos a un niño y también sostiene la esencia de la juventud: el estado de somnolencia que quizás nos da la impresión de la inocencia, la calma, la compostura, la seguridad en si misma, la apariencia feliz. El cuerpo estilizado, las mejillas, los labios y el pezón rosado nos proveen de apariencia física. Y todo ello, nos transporta a una sensación propicia para querer ser así y desear aquel sueño.

La vejez y la muerte

La otra figura, de perfil, ya nos está dando el aire difícil y angosto, el contraste con la vitalidad anterior. Las mamas ya no se sostienen, se pierde la fertilidad y pierde al bebé. La postura encorvada, la barriga hinchada, en definitiva: la vejez en su más puro estilo físico. Pero también, nos proporciona elementos que nos informan de aspectos psicológicos, el más importante de ellos: la mano que tapa su cara. ¿No desea ver su imagen en un espejo? ¿No desea ver la realidad? ¿Mostrar la vejez al mundo? O ¿solamente estará intentando desviar el dictamen de la muerte? La muerte siempre esta ahí, pero cuando el ser humano llega a la vejez, se da cuenta que se la sombra cada día anda más cerca.

El sueño

Pero Klimt ahonda en lo profundo del carácter de ambas figuras de un modo simbólico. Cómo vemos, la figura joven está durmiendo, está reposada, es joven, tiene una vida por delante, donde las metas están todavía por recorrer, por soñar. Además, la juventud le proporciona la confianza para realizarlas. Sin embargo, la figura de la anciana, está consumida por la oscuridad, el implacable paso del tiempo no le deja otra alternativa que la realidad, y la realidad es la tristeza y la desilusión de la belleza perdida y de los sueños.

Al final, Klimt nos muestra la juventud encarnada por el sueño; la vejez, por la imposibilidad de soñar.

mujer con niño chico

Aquí podreís descargar el archivo en PDf para visualizarlo mejor.

Archivo en PDf

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Artículo escrito por Juan Manuel Rodríguez de Sousa

Este es un pequeño comentario que le pedí a una compañera entendida en el mundillo de los pinceles. Aquí dejo su comentario para los que deseen una descripción un poco más "tecnica" que la mía:

"Es una alegoría perfecta a las tres fases de la vida. La ternura que impregna la figura femenina con el niño no tiene precio, las dos tienen una expresión dificilmente superable por los mejores retratistas realistas del momento. En cuanto a la figura de perfil, ésta queda como en penumbra y nos transmite una gran sensación de tristeza, con la cara tapada por los cabellos, la figura desgarbada y ligeramente separada de las otras dos, se advierte un color menos alegre y más terroso que contrasta con la alegria que despiertan las otras dos figuras. Los motivos circulares que coloca alrededor de las figuras principales son típicos del modernismo y le dan una dimensión decorativa al cuadro más allá de su significado"

Pequeña, concisa y acertada descripción de Carmen Andujar. Podréis conocer parte de su obra en el blog: http://carmenandujarzorrilla.blogspot.com/

jueves, 3 de julio de 2008

EDGAR DEGAS

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Pocos artistas muestran las contradicciones de su tiempo de la misma manera que Degas; participó en las exposiciones impresionistas y criticó los principios básicos de este movimiento; se inspiró en los maestros del pasado y sus escenas rebosan modernidad; defendía la línea sobre el color y se destapará como uno de los mejores coloristas del momento en algunas obras. Odiaba los honores oficiales y quería triunfar en el Salón. Estas curiosas paradojas las encontramos en la trayectoria artística de uno de los grandes genios del siglo XIX. Hilaire Germaine Edgar Degas nace en París el 19 de julio de 1834. Su familia paterna era de origen franco-italiano y se dedicaba a la Banca, mientras que la de su madre estaba vinculada con el negocio del algodón en Nueva Orleans. Edgar será el primogénito de una familia que se verá aumentada con tres nuevos retoños, dos niñas y un niño. La relación con su madre debió ser muy estrecha, afectándole enormemente su pérdida en 1847, cuando el joven tenía trece años. Dos años antes había sido matriculado en el Lycée Louis-le-Grand, en régimen de internado hasta su graduación, siete años después. Su padre, Auguste, deseaba que Edgar cursara estudios de Derecho, a pesar de haber demostrado su talento como dibujante en sus años en el Lycée. Durante un corto periodo de tiempo accedió a los deseos paternos, matriculándose en Derecho, pero pronto se cansó, abandonó el hogar familiar y se instaló en un estudio. Vistos los deseos del joven, su padre decidió financiar el aprendizaje artístico de Edgar, reconociendo su error inicial. Bien es cierto que Auguste Degas era un espíritu refinado, gran amante de la buena música y de las pinturas del Quattrocento, lo que hizo más comprensible la atracción por la pintura de su hijo. En 1853 se matricula en el taller de Louis Lamothe, pintor de temas históricos y discípulo de Ingres. Durante dos años copió bajo la atenta mirada de su maestro un buen número de obras en el Louvre, preparándose para el concurso de la Escuela de Bellas Artes, donde obtener la pensión que le llevaría a Italia, como soñaban todos los jóvenes pintores en aquellos momentos. Gracias a Degas, Edgar Valpinçon - propietario del Baño turco de Ingres - accedió a presentarlo a la Exposición Universal celebrada en París en 1855. Ese mismo año Edgar ingresaba en la Escuela de Bellas Artes, abandonándola meses después para realizar un viaje por su cuenta a Italia. Allí permanecerá por un periodo de tres años, dedicándose a copiar las pinturas de los grandes maestros del Renacimiento y las esculturas clásicas que poco a poco afloraban a la superficie gracias a las excavaciones arqueológicas. Los frescos de Rafael y Miguel Ángel en la Capilla Sixtina serán las principales atracciones para el joven pintor. En Roma se rodeará de los artistas franceses que estudiaban becados por el Estado. Su relación será muy intensa con Gustave Moreau, pintor que también tenía sus propios recursos para vivir en la Ciudad Eterna. Junto a Moreau sentirá enorme atracción por Giotto, Mantegna o Botticelli, así como por los maestros venecianos - Tiziano, Veronés y Tintoretto - . El predominio del color en la Escuela veneciana le llevará a interesarse por Delacroix, el maestro del Romanticismo francés. También en Italia se inclinará por el arte del grabado, encontrando un inestimable punto de referencia en Rembrandt y los pintores holandeses del Barroco.

Familia Bellelli

En Florencia inició una de sus primeras obras importantes, la Familia Bellelli, para la que tomó como modelos a su tía Laura y a sus primas. En los meses finales de 1859 Degas regresa a París. Su padre considera que se debe ganar la vida realizando retratos, temática en la que ha demostrado sobradas dotes. Sin embargo, Degas desea obtener el mayor triunfo posible en el panorama artístico parisino y eso pasaba por el Salón de París, iniciando una serie de obras con temática histórica que tenían gran éxito en dicho certamen. En ellas se aprecia una marcada influencia de Delacroix e Ingres junto a Mantegna y Piero della Francesca, intentando innovar ese gastado género. Buena muestra de estas obras es la titulada Jóvenes espartanos. En 1862 realiza su primera escena en la que se refleja la vida moderna. Se trata de Antes de la salida, en la que inicia su temática de hipódromos y carreras de caballos. Ese año se relacionó por primera vez con Manet, a quien encontró en el Louvre. Degas estaba copiando un cuadro de Velázquez para realizar un aguafuerte. Manet pondrá al joven artista en contacto con el Realismo, aunque Edgar se resistiera en un principio a asumir la filosofía del movimiento. También será Manet quien le presente a James M. Whistler, artista interesado especialmente por el color como estimulante del espectador. Quizá este contacto permitiera a Degas conocer en profundidad los grabados japoneses, tan de moda por aquellas fechas entre los artistas modernos. Otra de las interesantes influencias para estos pintores será la fotografía, que se empezaba a desarrollar con éxito en aquellos años. Degas incorporará estas dos novedades en sus obras al interesarse desde el primer momento por cuestiones de perspectiva. Los retratos serán la temática favorita del pintor durante la década de los sesenta - Edmondo y Thérèse Morbilli o James Tissot son buenos ejemplos -.

En 1868 se integra en la tertulia del Café Guerbois, liderada por Manet, iniciándose una estrecha amistad entre los dos pintores. Allí también se relacionaría con Claude Monet, Alfred Sisley y Paul Cézanne, aunque no sintiera ninguna atracción por su pintura al aire libre. Su rendición incondicional al Realismo se produjo tras leer una novela de los hermanos Goncourt titulada Manette Salomon. Bien es cierto que los temas elegidos por él serán muy selectivos, prefiriendo las escenas de ballet, los cafés, las bañistas o las planchadoras. Igual que los demás pintores de su generación, Degas sufrió las consecuencias de la Guerra Franco-Prusiana de 1870. Formó parte de la Guardia Nacional y participó en la defensa de París ante las tropas prusianas. Después se retiró al campo, alejándose de los sucesos de la Comuna, condenando la brutal represión del movimiento aunque no simpatizara con él. Es en estos momentos cuando se inicia el deterioro de su visión. Al año siguiente marchó a Londres y vendió varios cuadros al marchante Durand-Ruel. Al regresar a París pintará la Clase de danza, mostrándose en plena madurez. Entre 1872 y 1873 Degas viajará a Nueva Orleans, junto a su hermano René, para conocer a los miembros de su familia materna. En tierras norteamericanas realizó algunos retratos y una obra magnífica, Mercado de algodón.

Mercado de Algodón

La idea de crear una exposición independiente al Salón oficial empieza a cuajar entre los artistas en 1873. El propio Degas ya había planteado a sus amigos la organización de un Salón del Realismo. La primera exposición del grupo, llamado despectivamente Impresionista por el crítico Louis Leroy, se celebró en 1874. Participaron Monet, Renoir, Morisot, Cézanne y Sisley, entre otros. Degas también puso su granito de arena, igual que en las restantes siete exposiciones del grupo impresionista. Sólo dejó de participar en una de ellas. El fallecimiento de su padre en 1874 reveló la mala situación económica por la que atravesaba la familia, existiendo un buen número de deudas. Esto provocó que Degas tuviera que vender sus cuadros para poder vivir, algo que hasta entonces no había hecho. Esta crisis financiera se prolongaría hasta 1880. Sus máximas obsesiones en la década de los setenta serían las escenas de ballet y los grabados. Pocos artistas han dado una visión tan completa de las entrañas de la danza como hará Degas. Pasaba largas jornadas contemplando los extenuantes ensayos de las jóvenes - Ensayo del ballet en el escenario - sintiéndose especialmente atraído por ese mundo. Quizá también exista un motivo económico al ser vendidos estos temas más fácilmente por su marchante. Respecto a los grabados, su obsesión fue tal que un amigo dijo que era "una plancha de cobre ennegrecida con tinta de imprimir". Los temas elegidos para los grabados son similares a los de sus óleos y pasteles. Esperando a los clientes muestra su atracción por la temática de la prostitución, anticipándose a su gran continuador, Henri de Toulouse-Lautrec.

La fama de Degas empezó a crecer en la década de los setenta, vendiendo un buen número de cuadros con cierta facilidad. Sin embargo, las tensiones entre los miembros del grupo impresionista y Degas eran cada vez mayores. Gracias a Camille Pissarro las críticas fueron suavizadas y la unión de los integrantes del movimiento parecía asegurada. Pero Degas se fue convirtiendo en un personaje solitario, dejando de exponer con otros artistas e incluso no exhibiendo sus obras al público. A partir de ese momento surge el aspecto legendario en su vida, mostrándole como un hombre amargado, de mal carácter, misógino y arrogante. La depresión le pudo acompañar en algunos momentos, mientras que las enfermedades serán continuas durante mucho tiempo, siendo considerado por algunos contemporáneos como un hipocondríaco, especialmente por su problema visual. Una de las técnicas favoritas del artista será el pastel, perfeccionándolo durante años mediante la superposición de diferentes capas. El colorido sería cada vez más sugerente, resultando obras de especial delicadeza como el Barreño o En la sombrerería.

El BArreño

Algunos de los colores conseguidos por Degas inspirarían a Paul Gauguin y Henri Matisse. Otra faceta destacada de su arte es la escultura, realizando numerosas estatuas de caballos, bailarinas o bañistas desnudas, llegando a ser considerado por Renoir como el mejor escultor moderno, por delante incluso de Rodin. El carácter del artista se hace cada vez más agrio con el paso del tiempo, mostrando de manera abierta sus prejuicios sociales, criticando la democracia y la educación de las clases trabajadoras. Los cambios vividos al iniciarse el siglo XX le convierten en un hombre ultraconservador y tradicionalista. Desde 1900 el artista redujo mucho su producción, renunciando a trabajar a partir de 1912. Emplearía modelos reales, aunque también se valía del amplio repertorio de posturas que había realizado anteriormente, llegando a calcarlas e invertirlas para crear nuevas imágenes. En estos últimos años destaca su faceta de coleccionista, adquiere una importante cantidad de cuadros a los marchantes Vollard y Durand-Ruel, llegando a cambiarlos por sus propias obras. En su colección estaban representados los más diversos maestros: desde Ingres hasta Cézanne, pasando por Delacroix, Gauguin e incluso Van Gogh. De su alumna Mary Cassatt poseía un amplio repertorio, igual que de Berthe Morisot. En 1912 Degas ve cómo su casa es demolida y su ama de llaves le abandona. Este anciano obstinado gusta de pasear y recordar los viejos tiempos. Mary Cassatt le buscó una persona que le cuidara, eligiéndose a su sobrina Jeanne Fèvre. Sus últimos meses los pasó postrado en la cama, falleciendo el 27 de septiembre de 1917 en París.

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Artículo recogido de la revista ARTEHISTORIA.

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