SINOPSIS DEL ARTE está muriendo...

Mi Nuevo Blog, ya podéis entrar.

2009-02-21T18:38:00.007+01:00

Aquí está la dirección de mi nuevo blog, es simplemente un blog más personal.

http://rodriguezdesousa.blogspot.com/

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tarot

Nuevo Título del Nuevo Blog

2008-12-30T18:32:00.000+01:00

MEDICAMENTO: ARMAR LA GORDA

2008-12-15T14:04:00.003+01:00

Pues ya está aquí mi medicamento. Mercedes y Ramón me dieron el impulso para que la colgara, la he dejado tal como estaba, con dos palabras cambiadas. Me lo pasé realmente bien con este ejercicio del taller. Saludos a todos, espero que os llegue la diversión a las venas tanto como a mí.

Armar la gorda

Composición: armar, la, gorda. Armar: preparar el arma para disparar, proveer de las mismas, disponer algo. La: artículo determinado femenino. Gorda: persona o cosa (femenina) de abundantes carnes, abultada.

Contenido del envase: discutir, caer en una situación embarazosa, acción fuera de toda lógica (sobre todo para el oído), fuera de los límites que sobrepasa la educación ciudadana.

Indicaciones (Cuándo se debe utilizar)

Es muy recomendable cuando usted desee reivindicar sus derechos oprimidos, cuando su pareja le ponga los cuernos o cuando alguien se le cuele delante en la cola del supermercado. Utilícelo como medio para desfogar su rabia asesina contra esa persona.

Contraindicaciones (En qué casos no es recomendable su uso)

No es recomendable en presencia de su jefe, ni su suegra. Tampoco es recomendable cuando usted quiera dar buena impresión a alguien. No armarse la gorda a uno mismo pues resultaría inútil y le provocaría un profundo dolor de cabeza.

Precauciones (Consideraciones a tener en cuenta)

Primero, recuerde que antes de amar la gorda debe estar seguro de poseer un estado optimo de su garganta, para certificarlo, grite dos veces con bastante fuerza, de este modo podrá saber si está en condiciones favorables para armarla. Antes de amar la gorda, debe precaverse de que sus personas o victimas no son sordas, pues entonces ese acto quedará reducido a niveles de mínima efectividad. Deberá entonces, desarrollar otro métodos para armar la gorda. Si usted es mudo, lo tendrá difícil pero no imposible. Si solamente es sordo, y puede gritar todo lo posible sin oír, ni escuchar, es usted entonces el individuo perfecto para armar la gorda.

Antes de armarla, asegúrese que ha leído bien. No es “amarla”, pues entonces usted debería amar la gorda; cosa que nosotros no respondemos de los posibles efectos secundarios, sean matrimonio, hijos y divorcio: la compañía que fabrica este producto “armar la gorda” no se hace responsable de sus gastos. Bien, si usted es la gorda estas últimas instrucciones le importarán un comino.

Si usted toma al pie de la palabra nuestro producto, puede ser que le cueste encontrar una gorda para armarla adecuadamente. Atención: una gorda armada no puede dar tan buenos resultados. Para comprar munición y armas deberá poseer la licencia de armas en toda regla. Repetimos, si no encuentra una gorda, nosotros se la proporcionamos. Si usted la encuentra por su cuenta (muy extraño no hacerlo) asegúrese que la gorda es una buena persona, decente y razonable para armarla. Tenga en cuenta, que una diabólica gorda armada, armando la gorda, podría ser muy perjudicial para su salud y para todos aquellos que estén alrededor.

Nota: la empresa no corre con los gastos de las armas y la munición.

Interacciones (Compatibilidad o rechazo al simultanear con otros productos)

Puede usted amar la gorda mientras no esté matando el tiempo. Tampoco puede conjugarse con “a buen entendedor, pocas palabras bastan” porque sino estará llevándose la contraria como el salmón al río.

Posología (Modo y frecuencia de empleo)

Para armar la gorda debe usted aplicar todo su ingenio de furia en dos medios: el orador y la expresión física. Gritar con la campanilla al aire, mintiendo y a ser posible llevando un tambor. Todo ello seguido de movimientos nada elegantes de manos y piernas.

En cuyo caso se prefiera por la segunda opción (la literal), deberá colocar el cinturón de munición a la gorda, y una escopeta en una mano, una pistola escondida en la bota, y un arco acompañado de un carcaj. Es entonces cuando ya estará armada.

No se aconseja armar la gorda más de una vez por mes.

FIN

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tarot

LA TREGUA DE MARIO BENEDETTI

2008-12-12T16:31:00.003+01:00

LA TREGUA

MARIO BENEDETTI

SINOPSIS

Publicada en 1960, LA TREGUA es la obra de Mario Benedetti que ha alcanzado mayor éxito de público. La cotidianidad gris y rutinaria, marcada por la frustración y la ausencia de perspectivas de la clase media urbana, impregna las páginas de esta novela, que, adoptando la forma de un diario personal, relata un breve periodo de la vida de un empleado viudo, próximo a la jubilación, cuya existencia se divide entre la oficina, la casa, el café y una precaria vida familiar dominada por una difícil relación con unos hijos ya adultos. Una inesperada relación amorosa, que parece ofrecer al protagonista un horizonte de liberación y felicidad personal, queda trágicamente interrumpida y será tan sólo un inciso ?una tregua? en su lucha cotidiana contra el tedio, la soledad y el paso implacable del tiempo.

Desde la primera vez que me acerqué a esta obra, sentí una conexión especial con ella. A veces he llegado a pensar que fue escrita para tipos como yo. Y con esa convicción la releí una segunda vez. Un día escuché decir que si una obra perduraba en nuestra memoria, esa obra era irreversiblemente buena, o irreversiblemente mala. Después de leer a muchos autores, de haber pasado el tiempo, todavía sigo recordando las líneas de Mario como casi si fuera ayer. Quizás no sea una obra maestra, pero sí de esas que merecen la pena leer, o al menos, eso me pareció a mí. Porque cada uno, con sus gustos, es dueño de si mismo y de nadie más.

“Yo tendría que sentirme orgulloso de haber quedado viudo con tres hijos y haber salido adelante. Pero no me siento orgulloso, sino cansado. El orgullo es para cuando se tienen veinte o treinta años. Salir adelante con mis hijos era una obligación, el único escape para que la sociedad no se encarara conmigo y me dedicara la mirada inexorable que se reserva a los padres desalmados. No cabía otra solución y salí adelante. Pero todo fue siempre demasiado obligatorio como para que pudiera sentirme feliz.”

Indagando un poco sobre la novela, he descubierto que se filmaron dos películas basadas en ella, eso al menos es una buena señal. (O mala, según qué obras y criterios). Las películas las intentaré ver con la mayor brevedad posible para comentar si hacen honor al libro, o en cambio, lo degradan hasta la mediocridad.

En fin, recomiendo esta lectura de un grande las letras hispanas que no sólo brilló dentro de la poesía, sino también supo hacerlo en la pequeña gota de literatura que sació mi sed en un día pretérito de este mundo.

“Ya pasó todo?", pregunté. "Sí, pasó todo." Era mentira, pero ambos compredimos que hacía bien en mentir"

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Recomiendo leer este ensayo para el que quiera conocer más:

ENSAYO SOBRE LA TREGUA, GRAN ARTÍCULO

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(PINCHA EN LA IMAGEN PARA LEER LA NOVELA EN PDF)

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Puclicidad:

tarot

Impresiones de VIVIR PARA CONTARLA, Gabriel García Márquez

2008-12-03T21:58:00.001+01:00

Vivir para contarla es compendio y recreación de un tiempo clave en la vida de su autor, los años de la infancia y juventud, aquellos en los que se fundaría todo el imaginario que, con el tiempo, dará lugar a algunos de los relatos y novelas claves en la literatura en lengua española del siglo veinte.
Vivir para contarla es la novela de una vida y, a lo largo de sus páginas el lector de García Márquez descubrirá ecos de personajes e historias que han poblado sus inolvidables novelas como Cien años de soledad o El amor en los tiempos del cólera, convirtíendose de este modo en una guía de lectura para toda su obra, un compañero de viaje imprescindible para iluminar pasajes y personajes inolvidables, que tras la lectura de estas páginas adquieren una nueva perspectiva.

(RESEÑA RECOGIDA DEL LIBRO)

........................................................................................PEQUEÑAS IMPRESIONES

Esta novela es un tocho de piedra, recomendado sólo para los lectores más voraces de Márquez o los aprendices a escritor cuya obra les resultará tan valiosa que se convertirá en un libro de consulta obligado para todos ellos. Porque este libro es una muestra del camino que Gabo debió recorrer para llegar a ser lo que hoy es: un buen escritor, meta que le acarreó problemas y disfrutes inimaginables.

La irrealidad de un país sumergido todavía en el pasado y posterior periodo de violencia brutal, interrumpido por una etapa liberal de gran progreso, la vemos a través de los ojos de un anciano que revive sus memorias. Es decir, no sólo son realidades contadas a través de un punto de vista particular, sino más bien el retoque que da la bendición de los recuerdos y la maldad del olvido.

"Entonces recorría los cafés taciturnos de los barrios viejos en busca de alguien que me hiciera la caridad de conversar conmigo sobre los poemas que acaba de leer. A veces lo encontraba --siempre un hombre--- y nos quedábamos hasta pasada la medianoche en algún cuchitril de mala muerte, rematando las colillas de los cigarrillos que nosotros mismos nos habíamos fumado y hablando de poesía mientras en el resto del mundo la humanidad hacía el amor."

En esta rememoración se palpa las historias verídicas que proporcionaron a Gabo el principio de sus grandes obras literarias. Por eso, para los que admiréis a Márquez, recomiendo esta lectura después de haber leído un número aceptable de sus obras. Imprescindibles son la Hojarasca, Historia de un Naufragio, El amor en los Tiempos del Cólera, Crónica de una Muerte Anunciada y la magistral Cien Años de Soledad. Pero también reitero que esta obra tiene un valor incalculable para el que quiera aprender a escribir y se inicie en los senderos de la literatura cuya acción no es fácil, ni mucho menos.
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Me atreví a preguntarle cuál era la razón de fondo, y su respuesta fue de una simplicidad escalofriante:

-- Porque dejar de fumar sería para ti como matar a un ser querido.

Fue una deflagración de clarividencia. Nunca supe por qué, ni quise saberlo, pero exprimí en el cenicero el cigarrillo que acaba de encender, y no volví a fumar uno más, sin ansiedad ni remordimientos, en el resto de mi vida.

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Crítica sesuda de RICARDO FAJARDO

Crítica muy completa de María José López Pourailly

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PRIMER CAPÍTULO DEL LIBRO EN PDF

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Fotografía: La Torre Eiffel / La Tour Eiffel

2008-12-01T00:49:00.001+01:00

Me encantó esta fotografía mía de la Torre Eiffel, la perspectiva sería parecida a la que se puede ver desde el Sena y en un día de atardecer melocotonero.

Javier Cerezo Díaz gana el PRIMER CERTAMEN DEFINITORIO DE "Criatura Bonica"

2008-11-29T21:46:00.001+01:00

CERTAMEN Y ARTÍCULO NO APTO PARA GENTE NO IMAGINATIVA

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GANADOR DEL PRIMER CERTAMEN DEFINITORIO DE “CRIATURA BONICA”:

JAVIER CEREZO DÍAZ.

Este certamen fue una broma extendida hasta el infinito y más allá. Inocente al principio, la locura de algunos lo encumbró a lo que se ha convertido hoy en día: “En el mejor de todos los certámenes del mundo”

By “criterio propio”

Para los que no lo sepan, este certamen consistía en definir y poner nombre a esta criatura dibujada por Juan Manuel Rodríguez de Sousa:

Todos aquellos que aportaron su granito de arena definiendo esta criatura extraña y conmovedora a un tiempo se llevaron un Calendario 2009 tamaño tarjeta de crédito por el solo hecho de participar. Son los siguientes:

Almudena Bueno, Javier Cerezo, Silvia Mel, Mónica Semedo , Jorge Alegacha, Elvira García e Iris Barrio.

(Así son los calendarios)

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El lugar escogido por todos fue la mítica e inigualable Tetería Albanta, conocida en todos los confines del mundo por sus ricos batidos y sus tes enamorados a la luz de sus velas. Un rincón de sabores sobrenatural.

La noche de la gala transcurrió sigilosa entre risas, después presentamos a los tres finalistas con sus respectivos premios.

FINALISTAS:

Iris Barrio siempre se caracterizó por una vestimenta la mar de elegante y por su excesiva puntualidad. (Llegó media hora antes)

Javier Cerezo, con su entusiasmo, nos contagió a todos de un humor gestado de fina ironía.

Silvia Mel no pudo acudir a la cita por encontrarse malísima de la muerte a causa de un empache producido por el kilo de lacasitos que se zampó en un multicines. En representación suya se encontraba Melodie.

(De izquierda a derecha: Javier Cerezo, Iris Barrio, la mano de Melodie representante de Silvia Mel)

Cómo se puede apreciar en la foto, la alegría de los finalistas fue tremenda al recibir sus premios especiales, que eran marca páginas. El aperitivo con velas llegó mientras se ultimaban los preparativos para el final de la gala.

La hora de la final estaba cerca, aquí podéis leer sus respectivas definiciones:

Silvia

Debo decir que este pequeño lagarto juancho llamado Pierre. Tiene la capacidad de observar con rayos x, y cambia de color según la situación, sus pestañas son tan largas que formarían un huracán en medio de un desierto en menos de lo que canta un gallo. Además de poseer una terrible habilidad: sacarnos a todos de quicio porque es muy feo

Silvia 2 (esta es la concursante que participó con dos definiciones)

El nombre de este bicho es EPINEO, es un lagarto juancho, cuando le haces que se cabree echa lava por la boca. Después, para cazar insectos, estira la lengua hasta el infinito y mas allá, y cuando esta de buenas o quiere conquistarte por que ha hecho algo malo te mueve las pestañas muy rápido de arriba abajo y no tienes mas remedio que perdonarlo.

…

Iris Barrio Martín

Yo sigo pensando que es un gato estilo abstracto-contemporáneo (y uno siamés además)... Y bueno sí, uno que ha procreado con un Dragón de Komodo (no me preguntéis cómo, porque ese documental del National Geographic me lo perdí) Y ya está, 'voilà' este es el resultado. Ese híbrido tan mono que ha reproducido Juanma! ^_^

Javi

No hay duda de que se trata de una Dragona del Desierto mejicano, como se puede observar en esos rasgos tan característicos. Se le conoce como Dragunus deserticus, y es una especie ya extinguida. Todo esto es sabido por los Chamanes de la zona.
Está claro que se llama Lengua Arrupta, debido a las características de la misma.

¡Y llegó la hora de declarar al Ganador absoluto!

El Jurado se compone de una amiga extraordinaria que en todo momento estuvo presente en la gala, se sintió su espíritu vagar por la tetería. Se trata de mi amiga Mercedes Martín que, según sus propias palabras, lo tuvo realmente difícil para decidir el ganador del certamen.

La encargada de dar a conocer el nombre fue la inestimable, la inconfundible, la increíble…¡Almudena Bueno Jaime!

(En un futuro se incluirá el vídeo)

Cómo todos sabemos, el ganador del concurso fue Javier Cerezo que consiguió arrasar con su definición chamanística. El premio consiste en más de un millón de euros y un paquete de un calendario 2009 (por participar), marca páginas (por quedar finalista) y una postal por ganar el certamen.

La alegría fue desbordando a todo el equipo del certamen. En la siguiente foto vemos a la Psicóloga Oficial de certamen que hizo una intensa labor de apoyo a todos los participantes. En medio está nuestra presentadora de alto caché y a la derecha está el ganador trasmitiendo esa emoción irrefrenable que todo ser humano siente al haber ganado un premio de semejante importancia

En honor al ganador se le concedió una curiosa entrevista dónde nos cuenta muchos detalles sobre el certamen y su vida.

Sinopsisdelarte:

El secreto para ganar este importante certamen ¿cuál es? ¿Ingenio, Conocimiento o Soborno?

Javier Cerezo:

Pues... si he de ser sincero, una mezcla de las dos primeras, ingenio, y conocimiento. El soborno estaba fuera de mi alcance en este certamen.

Sinopsisdelarte:

¿Pudo estar la clave en tu viaje a México? Según tenemos entendido, conociste a un Chamán muy particular.

Javier Cerezo:

Bueno, bueno (entre risas), por todos es sabido mi afán por conocer las distintas culturas que hay por el mundo. Y bueno, tengo algunos conocidos que me aportaron muchos conocimientos sobre la Dragonus deserticus.

Sinopsisdelarte:

De acuerdo, entonces suponemos que este premio será compartido por algunas de las personas que te ayudaron a alzarte con el premio.

Javier:

¿Estás loco? ahora soy rico y famoso gracias a este certamen y a ese cuantioso premio. Es hora de perderme, cambiar mi identidad y seguir viajando por el mundo.

Si me disculpa, he de coger un vuelo, no me gustaría perderlo. Sino... tendría problemas con la justicia. Gracias.

Sinopsisdelarte:

Bueno, unas palabras para los finalistas y participantes que no ganaron

Javier Cerezo:

Otra vez será, o quizá esté yo ahí para impedirlo (risas maliciosas)

Sinopsisdelarte:

Y nos gustaría que despidieras con un saludo a los lectores de esta importante web, patrocinadora del concurso.

Javier Cerezo:

Que gracias a ellos he perdido ese importante vuelo, y que ahora tendré que ver la entrevista dentro de una apestosa celda con algún asesino en serie, o puede que con un ex alcalde, o quizá un bailador de flamenco. Muchas gracias.

Sinopsisdelarte:

A ti.

La gala terminó entre las luces fugaces de aquel rincón de sabores sobrenatural.

RELATO-TEXTO: PRÓXIMA PARADA (MARTE)

2008-11-28T02:32:00.001+01:00

Hola, aquí abajo os dejo un texto rarísimo que escribí ya hace mucho tiempo y que volví a corregir unos meses atrás. Es un texto-relato tan extraño que no sé si es digno de ser publicado en el blog o merecedor de un Premio Nobel. (Creo que más lo primero que lo segundo, ¿no?) En fin, espero comentarios para indagar más en este tipo de escritura.

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Marte

Vive el recuerdo de un viaje. Cierra los párpados, abre tus ojos. Mira el cielo y abajo en tus pies siente el sendero que te llevará a Marte. Marte, vida eterna. Fuera de aquí. Medita en la iglesia, come a ras de un barranco, respira siempre. Busca, no descanses, escudriña entre la oscuridad, muerde el miedo. Atraviesa el pasado, los años que perdiste por aquel momento. Sólo un momento. ¿Mereció la pena? Yo creo que sí. Coge las llaves y tíralas por la ventana. Caen en la piscina de azul plastificado. Piensas si fue un error. No vale la pena comerse el coco. Agarras la cartera y la devoras entre establecimientos de marcas brillantes. Contemplas las arrugas en el reflejo de un escaparate. Estabas soñando. Despiertas. Abrazas los barrotes de hierro. El óxido alcanza tus huesos y no sabes qué soñar para aguantar un día más en esta jaula. Perros. Leer un rostro, atisbar un poema, imaginar la ducha fría y colectiva: las mujeres desnudándose, los hombres sudorosos, las cremas gelatinosas y el vapor viciado achicharrándote la cara. Este mundo es sólo imaginar y decidir si matar al niño que hay dentro de ti. La gente pasa, pasa silenciosa entre la gente. Camina, camina sendero a Marte. Marte es el cielo. La celda atrapa la paliza que te dieron aquel día. La celda lo oculta. ¿No lo recuerdas? Mordiste el miedo, escudriñaste la oscuridad y nada de aquello sirvió. La celda sigue ahí y aquel hombre de caramelo. El niño en tu vientre. No sabes qué hacer. Una clínica dental. El cordón umbilical cortado antes de tiempo. Agachas la mirada. Sigues la sombra de tu mano, dejas la de tu hijo en un vertedero. Gritos. Llantos. La gente tambalea el metro. Las llaves del coche flotando en un mar azul muerto y sin peces. Agarras la barra. Has tomado tu decisión entre sudores disimulados. Antitranspirantes. La gente es aire. Llegas a casa, sola. Las luces te ciegan y te detienen por la noche. Estas encerrada en un suceso. Violación. Encerada de por vida. Inocente pero el niño ya está muerto y tu impaciencia esperará, eternamente, la próxima parada.

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Relato escrito por Juan Manuel Rodríguez de Sousa.

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Imagen recogida de Galaxias y Platenas.

Un relato de mi amiga Silvia: PARA...

2008-11-26T00:24:00.001+01:00

Hola a todos los seguidores del blog. En esta entrada daremos la bienvenida a Silvia. Para que la conozcáis un poco mejor aquí os dejo una foto suya y su presentación.

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Silvia Mel Ferrer
Entre sus aficiones se encuentra la música, el teatro, cantar, cine ante todo, la moda, escribir de vez en cuando y la fotografía, casi todo relacionado con el mundo del arte.

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AQUÍ ESTÁ EL RELATO EN PDF PARA QUE SEA MÁS FÁCIL LEERLO.

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Para…

Soñaba con poderle contar todo aquello que se me pasaba por la cabeza, pero algo me decía que no era buena idea.

Era por el año 1960, si lo recuerdo como si fuera ayer, todos los días ella iba a ver a Parrish jugar al béisbol, el típico chico de ojos claros, rubio, alto y una figura a la cual todos envidiaban.

Jugaba desde pequeño y había ido adquiriendo cierta fama entre todos y todas, por los pasillos entre clase y clase no había nadie que no hablara de él, excepto ella. Tímida, no se atrevía a dar un paso sin que él lo hubiera dado antes, lo miraba por el rabillo del ojo dulcemente, mientras él se miraba los músculos con descaro en el espejo que habían instalado recientemente en la entrada del instituto.

Coincidían en clase de álgebra con la señorita Claire, nariz puntiaguda, ojos afilados, pelo rubio y rizado, muy delgada y con cierto olor a tabaco. Fumaba mucho por culpa del estrés que le hacíamos sufrir y después lo pagábamos en clase porque nadie se atrevía a llamarla para preguntarle por el dichoso tufo que desprendía su rebeca y se entretenía en ponernos como cien problemas en una hora.

Pues aún teniendo en que pensar, ella sólo se fijaba en los frunces de la frente de Parrish al intentar resolver un problema o en cómo se tocaba el pelo una y otra vez a causa del nerviosismo que le producía no saber responder a los problemas con cierta solvencia. La señorita Claire le llamaba la atención a menudo pero ella seguía admirándolo una y otra vez.

Toda su vida rondaba en el sentido de las agujas del reloj cuando marcaban las cinco, se despedía de la profesora de francés y salía por la puerta de clase como si se la llevaran los demonios. Sí, he aquí otra vez Parrish que, curiosamente, jugaba al béisbol a una manzana de la casa de ella, por cierto ella se llamaba Emma.

Ella debía correr porque el entrenamiento empezaba a las cinco y cuarto, y si se entretenía lo más mínimo ya no le daba tiempo a ver como Parrish se atusaba el pelo mientras corría, o como le guiñaba el ojo cuando llegaba a la parte de la grada donde ella se situaba.

Lo veo todo tan claro, aun con la respiración acelerada y los mofletes sonrojados a causa de la carrera, estaba guapa. Nada más llegar se colocaba en el punto estratégico marcado durante meses, se aguantaba la falda hasta encontrar el sitio adecuado, se abanicaba con el cuadernillo de francés y se colocaba bien la gomilla del pelo. Todo debía estar a punto a la hora acordada, todo debía estar perfecto.

A las seis y media todo acababa, su sueño se desvanecía hasta el día siguiente a las cinco y cuarto, así que volvía a cogerse la falda para bajar de la grada y a correr otra vez, ahora era por que a las siete menos cuarto le tocaba clase de piano. Toda una virtuosa, corría hasta la calle Miracle, donde el Sr. Amien la esperaba con una puntualidad inglesa tomando un té de canela y cereza. Mirada penetrante, ojos oscuros, pelo canoso y bastante alto.

Desde la ventana de la casa del Sr. Amien se la ve tocar melodías desbocadas de virtuosismo y belleza. Bethoveen se rendiría a sus pies si la viera en estos momentos apasionada, endiosada, altiva y hermosamente melódica. Sus ojos desprendían un brillo resplandeciente, sus mejillas se volvían a encender de la emoción, parecía no existir nadie más en esos momentos en aquel pequeño salón inglés.

Vaya, las ocho menos cuarto y todo acaba, se apaga la melodía, el Sr. Amien se despide de Emma con gran entusiasmo por los progresos logrados en la semana, la acompaña hasta la puerta y le da la nueva partitura a estudiar. A ella se le hacen dos muecas en la cara al sonreír y finalmente se despide del Sr. Amien agitando la nueva partitura.

Ahora tranquilidad, todo está en calma, el día casi acabó y llegó la hora de irse a casa. Justo cuando llega, su hermano Brian está en el jardín jugando con el perro, ella se entusiasma al ver la diversión que eso entraña y se dispone a jugar con ellos dos. Se quita los zapatos, le gusta sentir el tacto del césped en sus pies, la frescura de la brisa, una brisa leve que acaricia su pelo de vez en cuando. Le tira una pequeña pelota de color amarillo a Bor, mientras ella no para de correr de un lado hacia otro del jardín, agitando su coleta, haciendo balancear la falda, riendo, hasta que escucha la voz de Cath, su madre, ojos grandes, delgada, nariz chata y una gran tendencia a exagerarlo todo.

Es la hora de cenar, entonces ella mira hacia la ventana del pasillo de su casa que es la única que da al jardín, sonríe a Cath, recoge la pelota y le pasa un brazo por encima a Brian, llevándoselo con ella hacia el interior de la casa.

A las seis de la mañana se levanta para desayunar e ir a buscar de camino al instituto a su amiga Elsa, morena, de ojos aceitunados y bajita. Van hablando sobre el entrenamiento de Parrish del día anterior, Elsa no se pierde nunca detalle y le pide, como cada día, que le describa con pelos y señales cada paso.

Cuando llegan al instituto se reúnen con las demás chicas, que le comentan lo de la fiesta del viernes. Es una fiesta que celebrábamos para el inicio del verano, ¡uf! Dichosa fiesta, todo el mundo en el instituto esta agitado por la noticia pero ella, con toda naturalidad, no le da apenas importancia a la noticia, pues ya tiene el traje desde hace semanas; lo compró en Clarens and Clark. Si me acuerdo de ese día, ella estaba emocionada ya que después de ir a ver a Parrish, iba a comprárselo. Iba con su madre y allí en un escaparate de la calle Terrier estaba el traje perfecto, era malva, le salían destellos de todas partes, tenía unas tirantas finísimas que a ella le encantaron y el color era perfecto.

No tuvo más que entrar a la tienda y probárselo para darse cuenta de que ése era su vestido, estaba preciosa y al probárselo se hizo un semi recogido para vérselo mejor. No sé, pero en ese momento, se me cortó la respiración, estaba espectacular, brillante, hermosa, elegante; igual que cuando tocaba el piano.

Vuelven a estar en los pasillos del instituto cuando todo el mundo susurra o le dice al compañero, que tiene al lado, quien les acompañará en la fiesta o con quien quieren ir. Ella calla, solo quiere que le ocurra algo espectacular, que salga todo perfecto y tal como ella lo había planeado. Pero de momento, va con las chicas, aunque espera que algo fantástico le suceda.

Está emocionada, casi en una nube. El momento, que había estado esperando durante meses, estaba a sólo unas horas de sus manos. Todo el mundo rumoreaba que ese año Parrish iría con una persona normal, ya sabéis una chica no popular, morena y con unos ojos espectaculares que llenarían por completo la fiesta y dejaría en un segundo plano a las guirnaldas y adornos de la fiesta.

Aquel día en el instituto se le hizo eterno, en su cara se podía notar la desesperación por que tocara el timbre de la clase de álgebra y la señorita Claire dejara de poner absurdos problemas en la pizarra. Al fin, las cinco, pero esa tarde no significaba lo mismo ya que todo el mundo estaba pendiente de la fiesta, y de Parrish, que avisaría a la persona con la que iría justo media hora antes de que la fiesta comenzara. Era una forma de torturar a las chicas y otra forma de demostrar que él llevaba el poder más allá de la pista de béisbol.

Por cierto, la fiesta se celebraría en casa de los Maquenzi, un apellido un poco raro pero existente. ¡Ah los Maquenzi!, haría apenas dos años que habían adquirido en el pueblo la gran casa de campo, por herencia del abuelo de Aria, sí Aria, la hija de los Maquenzi. ¡Dios! Cómo me gusta repetir el apellido ¡es genial¡

Aria, la nueva pija, cuando le daban los ataques de mujer recién salida de arar en el campo sudorosa y quejica, no había quien la aguantara; y cuando se ponía en posición de chica pija, tampoco se le podía aguantar; pero claro, tenía una gran casa la cual la hacía la más popular de la zona y un físico espectacular de diosa del Olimpo. Nadie la aguantaba pero todo el mundo era participe de sus sonadas fiestas. A veces se llegó a comentar que en algunas de éstas había hombres mayores, universitarios que se quedaban hasta altas horas de la madrugada en su habitación y aprovechaban para salir cuando los padres bajaban a dar el visto bueno a la preparación del desayuno. En fin, toda una bala perdida para nuestra sociedad, una bajeza que jamás aceptarían los padres de nadie.

Mi teoría sobre Aria: los padres eran tan estrictos que la dejaban realizar fiestas sólo si al día siguiente era capaz de levantarse a las cinco de la mañana y estar, al menos, hasta la hora de irse al instituto repasando sus deberes con sus diferentes profesores particulares. He aquí la teoría de la salida de hombres mayores y no a tan temprana hora de la mañana. Nadie los veía entrar porque entraban por la puerta de atrás y casi siempre venían andando, por lo que nunca dejaban los coches en el porche, con lo cual las vecinas solo veían las grandes fiestas que montaba, y al día siguiente verían a los padres de Aria desayunar tranquilamente por lo que ni siquiera le hacían caso a las salidas de los profesores.

Pero ella, este día, lo preparaba con especial atención, colgaba ella misma las guirnaldas, preparaba ponche, hacia los canapés y luego decía que había alquilado el catering.

Volvamos al momento nervioso de Emma. A las cinco fue directamente a la mercería Timble, era una pequeña mercería que llevaba años cerca de su casa, la dueña la conocía desde que era pequeña cuando su madre iba a comprar las telas con las que le hacía aquellos vestiditos de cuadros tan bonitos que llevaba en la guardería, desde entonces era guapa.

Fue a por un lazo de color malva que le hacía juego con el vestido, se lo colocaría en el pelo de manera que le hiciese un recogido perfecto que dejara ver su hermosa espalda y una flor para darle más vida a aquel vestido. Después salió dando casi saltos al haber encontrado justo lo que ella buscaba, y llegó a su casa para prepararse pues la fiesta comenzaría a las siete y todavía tenía una esperanza.

Seis y media, lista, nerviosa miraba por la ventana de su habitación, el sol todavía la iluminaba y podía verla, miraba constantemente hacia la calle, su vestido hacia destellos color malva, su pelo recogido con aquel lazo dejaba ver su cara, preciosa, deslumbrante y un pequeño fular acariciaba con suavidad sus hombros, sus pendientes de brillantes, su flor, todo para mí era un fiesta del buen gusto.

De pronto lo inesperado sucede, dios mío ¡Parrish no!, se adentraba en la calle, profundizando, atenuando su paso cada vez más hacia la puerta de la casa de Emma, ella por supuesto confundida pero alegre, una vez más su cara se encendía tocando una melodía en do mayor dentro de su cabeza.

El vaho en la ventana se hacía cada vez más visible, respiraba con una frecuencia acelerada y al fin, él toca el timbre.

¡No!, si pasara esto la estropearía, dejaría en desequilibrio la belleza que desprendía por cada poro de su cuerpo, mataría el color de la flor que llevaba en el vestido y entonces los destellos se convertirían en meras guirnaldas de fiesta. Él no se merecía admirarla, tenerla al lado, susurrarle al oído, soltar su aliento debajo de su cuello hasta que el éxtasis de su mirada rompiera en un brillo cegador, no, no se lo merecía.

Él era un despampanante frío, ella una luciérnaga en medio de una noche de verano; él era superficial, ella profundizaba en aquellas melódicas sinfonías de Bethoveen; él se miraba el físico en un espejo, ella miraba la profundidad de su mirada; él soñaba con fama, ella con él.

Me dolía profundamente en el alma, todo se apoderaba de mí, hasta un calor sofocante por la impotencia de mi persona, él no sabía nada de ella. No sabía que, por las tardes cuando salía del instituto y llegaba a su casa, al llegar al césped se quitaba los zapatos porque le gustaba sentir la sensación del frescor en sus pies, no sabía que se ponía a jugar con su perro y con su hermano minutos antes de que su madre la llamara para cenar. Él no sabía que prefería muchas veces comer un helado de fresa y vainilla con sus amigas en Buquees antes que un trozo de tarta, él no sabía que cuando llegaba por las mañanas al instituto y se paraba en las taquillas hasta esperar que llegara desprendía un dulce olor a lavanda que llenaba cada rincón de aquel horrible pasillo, que a veces cuando tocaba el piano era capaz de meterse tanto en la melodía que se le encendían las mejillas, que cuando estaba en clase de la señorita Claires y lo miraba no podía dejar de agitar el lápiz de un sitio a otro sin parar debido al nerviosismo que le producía el tenerlo cerca: que su flor favorita era el tulipán, su color el rojo y su comida favorita la pizza; que la sonrojaban cuando resaltaban algo de su físico, que su corazón era tan grande que tenía sitio para todos y para todo.

Parrish no se merecía tocar el timbre de su casa, pero lo hizo y eso lo cambió todo. Ella salió acelerada, abrió la puerta con la timidez que la caracterizaba, sus padres la miraron con cariño, con aquel cariño paternal que le hizo sentirse más segura. Cogió su bolso y la mano de Parrish y la puerta se cerró. Podía escuchar los pasos de sus tacones, despacio se alejaban de allí, despacio, ya nada podría hacerla más feliz porque su mano rozaban los dedos de él, nada ni una palabra, sólo silencio, un silencio amable y nada incómodo.

Durante el camino de ida hacia la fiesta, que estaba a tres manzanas de su casa, y para romper el hielo, él en un alarde de simpatía, empezó a hacerle chistes sobre la clase de personas que estarían en la fiesta y sobre las tonterías que se decían cuando uno estaba borracho, ¡Dios!, ¿cómo sus dulces oídos podían escuchar semejantes tonterías, cómo podía arriesgarse hacia la nada y conformarse sólo tener cerca a una persona tan…?

Ella no podía dejar de mirarle, era un sueño que nunca se hubiera imaginado, ¿qué dirían sus amigas cuando la vieran del brazo del Dios Parrish?, ¿qué diría Aria ante tal aberración al ver que no va con ella?

Al fin en la fiesta, ¡la dichosa fiesta!, cuando entró por aquella puerta yo sabía que sería mi perdición, mi desengaño, mi dolor próximo. Todo transcurría con normalidad, todos bailaban y se divertían, todos bebían, hablaban, unos se besaban y otros lo intentaban, ella en el baño hablando con sus amigas, las que aún no podían creerse lo ocurrido…

Llega el momento que todos esperaban y que otros odiarían desde ese día, Parrish y Emma ejecutan el último baile de la noche, el colofón final; el espectáculo acaba de comenzar para ella.

Se miran, ella titubea, no puede articular palabra, ni siquiera le importa ser por ahora la más admirada de la fiesta, ni lo que conllevará después porque las piernas le tiemblan demasiado y debe concentrarse en ello para no fallar en ningún paso. El centro del enorme salón se llena de su presencia y un agradable olor a lavanda. Lo que hubiera dado por estar en el centro del mundo con ella, todo, lo habría dado todo, hasta mi vida.

La música es preciosa, es preciosa porque desprende la esencia de ella, que sin darse cuenta, le dejan de temblar las piernas, imaginando que en esa sala están solos, como dos amantes furtivos en medio de un baile de máscaras. No pude aguantar y la tristeza se adueñaba cada vez más de mi, ahora ni siquiera podía odiarlo porque ella lo amaba, ahora tan siquiera podía tenerle rencor porque ella se perdía en su mirada, ahora no me dejaba aferrarme a la idea de que no era él quien debía estar con ella en ese momento, porque ella lo había elegido así.

Tan solo me quedaba mirarla como había hecho hasta ahora, en silencio, desde algún rincón, como un punto muerto en su vida, oscuro, hasta donde no llega su visión.

Cinco minutos después de empezar su fantasía, termina mi sueño. Cuánto injusto era esto, cuánto dolía, cuánto empañaba mis ojos, cuánto oscurecía mi alma. <<Ya terminó>> me decía a mí mismo, aquí en este lugar tan frío, en este preciso momento en el que mi corazón se paraba y sólo estaba yo para consolarlo; menudo consuelo. Lo único que pude hacer es seguir mirando cada resquicio de aquel centro en el que se encontraba y, cuando ya consideré que había mirado lo suficiente, me di la vuelta, me choqué con el hombro de Parrish --me pareció mantequilla—y me tiraron sin querer un vaso de ponche en el traje que me había comprado hacia unas horas. Yo también era en esos momentos una mancha, qué más me daba, qué más me daba si no podía ya soñarla, si no podía tenerla en ese baile, mirándola, teniendo el privilegio de mantener la mirada con ella durante unos segundos, oliendo su pelo, rozando mi mejilla levemente por la suya.

Ahora, es hora de nada, comencé a moverme con el ritmo de la música y a beber ponche, hablé con mucha gente en la fiesta, ya no la miré más, no quería estar dentro de ella, no quería recordarla, así que la locura se apoderó de mi ser y por una vez en mucho tiempo me divertí, me quité la chaqueta y la música era lo único que me podía calmar así que la escuché, la escuché tanto que ahora solo podía centrarme en ella.

Llega el final de mi divertida fiesta, las doce, toque de queda para todos, yo había ido en coche así que me dispuse a salir de la casa, ya no había casi nadie, todo el mundo estaba en el porche arrancando los motores de sus coches, continuando con sus vidas, simplemente marchándose.

Cuánta poesía había en todo esto, cuánto desamor, cuánta melodía, cuánta belleza, cuánto de mí había dejado en el salón de aquella casa, ¡Cuánto!

Sólo me dio tiempo a tropezarme por última vez con la única persona que no habría esperado jamás, ya la había dejado atrás cuando el perdón invade su boca y yo solamente puedo decirle adiós. Me tropecé con ella al salir de la fiesta y… ¡solo pude decirle adiós!, qué vacío, qué muerto, y ella solo giró su cabeza hacia Parrish cogiéndole la mano para, a continuación, meterse en un coche.

Recuerdo que arranqué el coche, sin ánimo de continuar nada, sólo de irme como habían hecho los demás, irme. A medio camino tuvimos que coger un desvío ya que habían cortado la carretera de manera que todos los que estábamos en la fiesta tuvimos que coger por el camino del bosque: una larga carretera hasta el pueblo rodeada en ambos lados por cipreses. Recuerdo que abrí la ventanilla para oler a madera húmeda, no veía casi nada por la niebla, veía coches haciendo el loco a causa de la bebida, y cuando continuaba mi camino vislumbré un coche a un lado de aquel barranco, había dado una vuelta, estaba completamente al revés.

Estaba confundido y aturdido. Recuerdo que salí del coche y me sitúe en el borde del barranco, el coche estaba totalmente girado de forma que prácticamente no podía ver ni la matrícula, ahí empezaron a temblarme las piernas. No hacía más que gritar a los ocupantes del coche, pero nada, nadie me contestaba; así que decidí bajar.

Fue rápido, bajé sin pensarlo más, me tiré al suelo, todavía recuerdo el frío tacto del musgo cuando apoye mi cara en el suelo en el intento de ver cuántas personas había en el coche y si estaban bien. Mi corazón palpitaba deprisa y casi no podía ver bien. En el asiento de atrás alguien decía algo muy bajito, cuando giré la cabeza, cuando la giré, fui hielo. Era ella, su lazo caía en la parte trasera tocando el techo del coche que estaba al revés, la sangre cubría sus ojos, tenía una brecha enorme que no paraba de sangrar en su cabeza, con las manos temblorosas logré cogerla y sacarla de aquel coche infernal.

En ese momento no me preocupaba nadie más, ella estaba en peligro y por primera vez veía mi cara. En ese instante hubiese querido verla de la mano de Parrish incluso entrando en una iglesia para casarse, hubiese querido verla en una casa, en una de las mejores calles residenciales, esas que tienen las casas en línea, rodeada de césped y jugando con sus hijos, hubiese querido verla colocando flores en distintos sitios de su casa mientras Parrish leía el periódico, hubiese querido verla despedirse de él dándole un leve beso en los labios, hasta eso, antes que verla tendida en el suelo cubierta de sangre, fría, inmóvil.

Cuando conseguí tenerla entre mis brazos ella estaba casi inerte, no hacía más que decir que le dolía la cabeza, vi su gravedad, vi la gravedad del asunto y comprendí que no le quedaba mucho tiempo. Por su boca salían palabras sin sentido, tampoco dejaba de decir que tenía frío así que la cubrí con aquella asquerosa y nueva chaqueta manchada de ponche, acaricié su pelo una y otra vez, la apreté contra mi pecho para que sintiera mi presencia, quería que se quedara, lo quería con todas mis fuerzas, la miré a los ojos pero ella los cerraba cada vez con más frecuencia y durante más tiempo, su herida era mortal, el peso del coche había aplastado el sitio de atrás, clavándose un trozo de cristal de la ventanilla en la cabeza, un trozo bastante grande. Se rompió un trozo al tratar de sacarla, pero el otro permanecía en su cabeza haciendo que sangrara de una manera casi animal.

Me sujetó la mano con la poca fuerza que le quedaba, me sujetó, quería odiarla, de hecho la odiaba, ¿por qué? Solo podía preguntarme porque había sido ahí la primera vez de nuestro encuentro, porqué nunca me atreví a llamar a su timbre, porqué nunca tuve el suficiente tiempo como para amarla y porqué ahora siendo feliz se iba. Unos segundos después ella moría para el mundo, dejó de sujetarme la mano, estaba helada, casi tanto como su acompañante a diario, la miré por última vez porque mis ojos tuvieron que cerrarse ante tal injusticia. Lloré, lo hice hasta casi morir con ella, grité, lo hice para que ella me escuchara desde donde estuviera y supiera que estaba enfadado con ella y con el mundo.

Su alma se fue, aún me cuesta creer que esa noche fuera su mejor noche, aún me cuesta creer que no pudiera decirle que me moría por tenerla entre mis brazos, que me hubiera gustado hablar con ella una noche y no dejarlo hasta el amanecer, que me hubiera gustado invitarla a una pizza o haberle regalado un ramo de flores. Me costaba aceptar que nunca la vería en la parte trasera de su casa jugar con su hermano y su perro descalza, que nunca más los pasillos del instituto olerían a ella y que sería todo más horrible aún, que las cinco ya no significaría nada para ella ni para mí y que me hubiera gustado ir de su mano hasta Buqueers y comprarle un helado de vainilla y fresas, que me hubiese gustado besarla en el parque de la calle Wells mientras llevaba su jersey rojo de punto que le había hecho su madre.

Manchado de su sangre aún caliente, manchado de vida por ella, rodeado de muerte, tuve que sacar fuerzas para ayudar a los demás y pedir ayuda. Parrish sobrevivió, solo se hizo unas magulladuras y se quedó inconsciente durante un rato. El que iba conduciendo corrió peor suerte, pues el cristal delantero estalló cuando salió despedido contra uno de los cipreses que había en el bosque. La ayuda tardó poco en llegar, traté de tranquilizar a Parrish que se encontraba en estado de shock, mientras miraba de reojo la figura inerte de Emma, mi querida Emma.

Días después en su entierro, me acerqué a sus padres, no podían dejar de agradecerme la ayuda prestada. Cath estaba destrozada, sus ojos ensangrentados hacían resaltar los días más amargos de su vida. Su padre solamente miraba al vacío, su niña, la joven a la cual daba consejos y llevaba al instituto cada día, la niña de su vida, su dulce y melódica niña ya no hablaría más con él, ya no la vería correr escaleras abajo cada vez que volvía de viaje, emocionada al ver que su padre al fin había llegado. Su hermano Brian, no era capaz de articular palabra, no lo entendía muy bien pero se sentía afectado al ver a sus padres en esas condiciones.

Estaba allí todo el mundo, todos y cada uno de los que habían formado parte en su vida. Parrish, con un brazo escayolado a causa del impacto, estaba allí, de pie, inmóvil sin saber qué decir pero afectado de verdad, lo noté en sus ojos, ya no era el mismo, se había quedado con un trocito del corazón de Emma; sin duda alguna, el mejor de ellos.

Yo seguía enfadado, sólo quería posar en su cama de sueño eterno un ramo de tulipanes malvas. Un papel arrugado, un papel usado, amarillo por el paso del tiempo, humedecido, escrito una tarde de ya hacía tiempo, lo tiré con ella para siempre. Quise dejarle constancia en aquellos momentos de lo especial que era para mi vida aunque durmiera, estoy seguro de que su alma permanecería conmigo para siempre:

Te miro, sobre todo cuando estás entretenida, sólo entonces puedo hacer que no me importa. En este preciso momento, cuando mi alma perturbada de ti, casi hipnótica, me abandona, se adentra en el color de tus ojos, va paseando tu perfil y, como una esencia, recorre los caminos de tu cuerpo. Hundida en ti descubre secretos aún escondidos para el mundo.

Nadie podrá ver todo lo que yo veo, por que tan solo mi alma guarda el secreto. Luego en la oscuridad de ti, cuando amanece el miedo por tu falta, me gusta recordarte sentada mirando al vacío, mientras que una y otra vez te amo con el mayor de mis silencios, desde la mayor cercanía, pero siempre entre enmudecida delicia que se deleita de los más gustosos sabores; es la vida que elegí por no ser más que tu sombra.

Me di la vuelta, miré hacia arriba entre los árboles, justo cuando el sol daba en su sitio y lancé un beso de amor infinitamente sincero, desde lo más profundo de mí hacia el aire que ella había estado respirando unos días antes. Por cierto, mi nombre es Álex.

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RELATO EN PDF

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Para... by Silvia Mel Ferrer is licensed under a Creative Commons Reconocimiento-No comercial-Compartir bajo la misma licencia 3.0 España License.

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Poema: ES ELLA

2008-11-24T14:14:00.001+01:00

Es ella

exquisito embadurnamiento

esparciéndome encantos

entre esta entristecida existencia.

Ella es efluvio

en hermético envase

estropeado.

Ella es eterna

en el efímero edén,

elaborado entre estos edredones ensuciados.

Es el estar ensimismado

espiándola

entre esquinas.

Es Erato

entonando esos estribillos

extraviados

en esas épocas

equívocas.

Es escribirle elegías

encomendándole

existir en ella.

Es ella.

Empero,

ella es Heroína

evaporada,

exánime.

Entonces,

extinguiré esta epístola

entre explosiones

eléctricas.

Empero,

ella es Heroína

evaporada,

exánime.

Entonces,

exterminaré el éxito,

el estrago,

el existir,

encaminando,

expiándome

en éxodos eutanásicos.

Es ella.

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Poema escrito por Juan Manuel Rodríguez de Sousa.

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La imagen procede del siguiente blog El espejo de Sarah

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Es ella by Juan Manuel Rodríguez de Sousa is licensed under a Creative Commons Reconocimiento-No comercial-Compartir bajo la misma licencia 3.0 España License.

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La Torre de Hércules y el minicuento: El último manzano de las Hespérides.

2008-11-18T19:25:00.001+01:00

De este faro escribí hace tiempo un minicuento, por ello, para que entendaís todo lo que le rodea a esta creación os pongo un poquito de información resumida de la wikipedia.

Torre de Hércules

La Torre de Hércules es un faro con una altura total de 68 metros. Tiene el privilegio de ser el único faro romano y el más antiguo en funcionamiento del mundo.

La torre perdió, posiblemente, su uso marítimo durante la Edad Media al convertirse en fortificación. La fachada actual es el fruto de la remodelación neoclásica efectuada en el S. XVIII.

Era, antes de comenzar la reforma neoclásica, un cuerpo prismático con base cuadrada; en el exterior presentaba un muro de piedra con dos puertas en la parte baja y ventanas asimétricas que la recorrían hasta el piso superior, y una mordiente helicoidal que llegaba hasta la parte superior. En su interior conservaba la vieja estructura romana, pero con escaleras de madera que pertenecían a la restauración de edificio, armonizándola en su decoración con marcos superiores de puertas y ventanas.

La mitología dice que «hubo un gigante llamado Gerión, rey de Brigantium, que obligaba a sus súdbitos a entregarle la mitad de sus bienes, incluyendo sus hijos. Un día los súbditos decidieron pedir ayuda a Hércules que retó a Gerión en una gran pelea. Hércules derrotó a Gerión, lo enterró y levantó un túmulo que coronó con una gran antorcha. Cerca de este túmulo fundó una ciudad y, como la primera persona que llegó fue una mujer llamada Coruña, Hércules puso a la ciudad este nombre>>

Ahora que sabéis algo más sobre esta Torre, os expondré mi versión mitológica, personal y resumida en unas pocas palabras, obligado a decir mucho con tan poco quizás sea un minicuento áspero, pero al menos, supongo que os resultará mágico.

Para lo que no recordéis que ocurrió con el Jardín de las Hespérides os lo explico: En este jardín los árboles daban frutos dorados que proporcionaba la inmortalidad, el jardín era propiedad de Gea hasta que Hera se casó con Zeus y esta se lo regaló como regalo de bodas. Para que nadie robara las manzanas, estaban las hespérides y el temido dragón de cien cabezas, Ladón, que lo vigilaban. El caso es que Hércules consiguió robar las manzanas y de ahí viene esta historia y versión de la Torre de Hércules.

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Por cierto, yo soy de los que apoyan al Arte que no necesita entenderse tras una explicación previa o posterior, aunque esta vez invertí mis principios creativos.

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El minicuento no podía superar las cincuenta palabras, incluyendo las del título. Ahí va:

El último manzano de las Hespérides

Ayer, me escondí con las manzanas en el norte. Gea me advirtió: Heracles, se acabarán. La solución: plantar una semilla. Nació un árbol y anoche me dije: ¿Y si Hera lo descubre? Su ira estallaría. Hoy, lo cercaré bajo un manto de piedra.

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Pincha en la Imagen para obtener más información sobre la Candidatura de la Torre de Hércules como Patrimonio de la Humanidad.

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Hans Christian Andersen, EL SOLDADITO DE PLOMO

2008-11-13T17:22:00.001+01:00

Buenos días, buenas tardes o buenas noches, según a quién convenga. Hoy me he acordado de uno de mis escritores favoritos, y por arte de magia y google me he topado con un vídeo que me ha emocionado de lo bien realizado que está, nada, que me ha gustado tanto que lo pongo aquí para que todos podáis verlo también.

Más abajo, incluyo uno de sus cuentos más famosos: EL SOLDADITO DE PLOMO para aquellos que deseen entrar en este mundo mágico que construyó Andersen con su pluma. El vídeo es de TITIRIMUNDI. Un saludo a todos y a disfrutar.

EL SOLDADITO DE PLOMO

Érase una vez un niño que tenía muchísimos juguetes. Los guardaba todos en su habitación y, durante el día, pasaba horas y horas felices jugando con ellos. Uno de sus juegos preferidos era el de hacer la guerra con sus soldaditos de plomo. Los ponía enfrente unos de otros, y daba comienzo a la batalla.

Cuando se los regalaron, se dio cuenta de que a uno de ellos le faltaba una pierna a causa de un defecto de fábrica. No obstante, mientras jugaba, colocaba siempre al soldado mutilado en primera línea, delante de todos, incitándolo a ser el más valiente.

Pero el niño no sabía que sus juguetes durante la noche cobraban vida y hablaban entre ellos, y a veces, al colocar ordenadamente a los soldados, metía por descuido el soldadito mutilado entre los otros juguetes. Y así fue como un día el soldadito pudo conocer a una gentil bailarina, también de plomo. Entre los dos se estableció una corriente de simpatía y, poco a poco, casi sin darse cuenta, el soldadito se enamoró de ella.

Las noches se sucedían de prisa, una tras otra, y el soldadito enamorado no encontraba nunca el momento oportuno para declararle su amor. Cuando el niño lo dejaba en medio de los otros soldados durante una batalla, anhelaba que la bailarina se diera cuenta de su valentía. Por la noche, cuando ella le preguntaba si había pasado miedo, él le respondía con vehemencia que no. Pero las miradas insistentes y los suspiros del soldadito no pasaron inadvertidos por el travieso que estaba encerrado en una caja de sorpresas. Cada vez que, por arte de magia, la caja se abría a medianoche, un dedo admonitorio señalaba al pobre soldadito. Finalmente, una noche, el travieso estalló.

-¡Eh, tú, deja de mirar a la bailarina! -el pobre soldadito se ruborizó, pero la bailarina, muy gentil, lo consoló:

-No le hagas caso, es un envidioso. Yo estoy muy contenta de hablar contigo.

Y lo dijo ruborizándose. ¡Pobres estatuillas de plomo, tan tímidas, que no se atrevían a confesarse su mutuo amor! Pero un día fueron separados, cuando el niño colocó al soldadito en el borde de una ventana.

-¡Quédate aquí y vigila que no entre ningún enemigo, porque aunque seas cojo bien puedes hacer de centinela!

El niño colocó luego a los demás soldaditos encima de una mesa para jugar. Pasaban los días y el soldadito de plomo no era relevado de su puesto de guardia. Una tarde estalló de improviso una tormenta, y un fuerte viento sacudió la ventana, golpeando la figurita de plomo que se precipitó en el vacío. Al caer desde el alféizar con la cabeza hacia abajo, la bayoneta del fusil se clavó en el suelo. El viento y la lluvia persistían. ¡Una borrasca de verdad! El agua, que caía a cántaros, pronto formó amplios charcos y pequeños riachuelos que se escapaban por las alcantarillas. Una nube de muchachos aguardaba a que la lluvia amainara, cobijados en la puerta de una escuela cercana. Cuando la lluvia cesó, se lanzaron corriendo en dirección a sus casas, evitando meter los pies en los charcos más grandes. Dos muchachos se refugiaron de las últimas gotas que se escurrían de los tejados, caminando muy pegados a las paredes de los edificios. Fue así como vieron al soldadito de plomo clavado en tierra, chorreando agua.

-¡Qué lástima que tenga una sola pierna! Si no, me lo hubiera llevado a casa -dijo uno.

-Cojámoslo igualmente, para algo servirá -dijo el otro, y se lo metió en un bolsillo. Al otro lado de la calle descendía un riachuelo, el cual transportaba una barquita de papel que llegó hasta allí no se sabe cómo.

-¡Pongámoslo encima y parecerá marinero! -dijo el pequeño que lo había recogido.

Así fue como el soldadito de plomo se convirtió en un navegante. El agua vertiginosa del riachuelo era engullida por la alcantarilla que se tragó también a la barquita. En el canal subterráneo el nivel de las aguas turbias era alto. Enormes ratas, cuyos dientes rechinaban, vieron cómo pasaba por delante de ellas el insólito marinero encima de la barquita zozobrante.

¡Pero hacía falta más que unas míseras ratas para asustarlo, a él que había arrasado tantos y tantos peligros en sus batallas! La alcantarilla desembocaba en el río, y hasta él llegó la barquita que al final zozobró sin remedio empujada por remolinos turbulentos. Después del naufragio, el soldadito de plomo creyó que su fin estaba próximo al hundirse en las profundidades del agua. Miles de pensamientos cruzaron entonces por su mente, pero sobre todo había uno que lo angustiaba más que ningún otro: era el de no volver a ver jamás a su bailarina...

De pronto, una boca inmensa se lo tragó para cambiar su destino. El soldadito se encontró en el oscuro estómago de una enorme Ave, que se abalanzó vorazmente sobre él atraído por los brillantes colores de su uniforme. Sin embargo, el Ave no tuvo tiempo de indigestarse con tan pesada comida, ya que quedó prendido al poco rato en la red que un pescador había tendido en el río. Poco después acabó agonizando en una cesta de la compra junto con otros pájaros tan desafortunados como él. Resulta que la cocinera de la casa en la cual había estado el soldadito, se acercó al mercado para comprar pescado.

-Este ejemplar parece apropiado para los invitados de esta noche -dijo la mujer contemplando el pescado expuesto encima de un mostrador. El Ave acabó en la cocina y, cuando la cocinera la abrió para limpiarlo, se encontró sorprendida con el soldadito en sus manos.

-¡Pero si es uno de los soldaditos de...! -gritó, y fue en busca del niño para contarle dónde y cómo había encontrado a su soldadito de plomo al que le faltaba una pierna.

-¡Sí, es el mío! -exclamó jubiloso el niño al reconocer al soldadito mutilado que había perdido.

-¡Quién sabe cómo llegó hasta la barriga de esta Ave! ¡Pobrecito, cuantas aventuras habrá pasado desde que cayó de la ventana!

Y lo colocó en la repisa de la chimenea donde su hermanita había colocado a la bailarina. Un milagro había reunido de nuevo a los dos enamorados. Felices de estar otra vez juntos, durante la noche se contaban lo que había sucedido desde su separación. Pero el destino les reservaba otra malévola sorpresa: un vendaval levantó la cortina de la ventana y, golpeando a la bailarina, la hizo caer en el fuego . El soldadito de plomo, asustado, vio como su compañera caía. Sabía que el fuego estaba encendido porque notaba su calor. Desesperado, se sentía impotente para salvarla. ¡Qué gran enemigo es el fuego que puede fundir a unas estatuillas de plomo como nosotros! Balanceándose con su única pierna, trató de mover el pedestal que lo sostenía. Tras ímprobos esfuerzos, por fin también cayó al fuego. Unidos esta vez por la desgracia, volvieron a estar cerca el uno del otro, tan cerca que el plomo de sus pequeñas peanas, lamido por las llamas, empezó a fundirse. El plomo de la peana de uno se mezcló con el del otro, y el metal adquirió sorprendentemente la forma de corazón. A punto estaban sus cuerpecitos de fundirse, cuando acertó a pasar por allí el niño. Al ver a las dos estatuillas entre las llamas, las empujó con el pie lejos del fuego. Desde entonces, el soldadito y la bailarina estuvieron siempre juntos, tal y como el destino los había unido: sobre una sola peana en forma de corazón.

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La primera imagen la he sacado de un blog curioso. Dejo aquí la dirección: MINIATURAS EN PAPEL

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TODO POR EL ARTE (III) Las tres preguntas

2008-11-10T14:07:00.001+01:00

Aquí dejo la primera y segunda parte del artículo para los perdidos.

1)Primera parte del artículo:

2)Segunda parte del artículo:

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LAS TRES PREGUNTAS

¿tiene el escritor el deber o el derecho de escribir lo que le apetezca?

Sí, tiene el derecho y el deber de escribir lo que quiera y cómo le apetezca. Quizás suene egoísta, duro y cínico al mismo tiempo. Pero la escritura es un ejemplo de la vida y del arte, no podemos atropellarla con el mundo real, impedir que evolucione.

Aquí ya entra la moralidad del escritor, su ingenio, su capacidad creativa, su honradez no tanto como persona, sino como artista. Por ejemplo, una historia que repercuta seriamente en alguien debe ser tratada de una manera especial, el literato asume el compromiso de al menos intentar ocultar la identidad. Como hemos dicho antes puede resultar imposible, pero al menos lo ha intentado. Ahora, ¿cuándo sería condenable el acto de desnudar la intimidad?

Solamente resultaría inmoral cuando una historia no trata de ocultar a esos personajes, sino que además ayudan a su identificación con la sola intención de alcanzar un número mayor de ventas, o cuando es producto de una capacidad creadora nula. En estos casos, importa la intención con la que está hecha la obra, si es un regalo al mundo de un artista, o es pura mercancía en venta y con morbo público. También atañe al principio creador de un artista, que es una especie de necesidad, y al mismo tiempo de diversión, es un empuje existencialista que los ayuda a caminar a través de todo un mundo imaginario. Claro está que una persona que haya descubierto “descaradamente” a sus personajes no estará tan interesada en expresar y pasear por este sendero como en llenar los bolsillos de simples billetes, o sentirse reconocido por el gran público para sentir aquello que llaman “fama”.

Quizás, al final distingamos tres fases y tres preguntas que puedan ayudar a discernir sobre este tema y que además puedan ser ordenadas cronológicamente respecto al proceso creativo: ¿Es honrado el principio creador del artista? ¿Es importante, significativo para el autor aquello de lo que va hablar o es una sencilla historia morbosa? ¿Son páginas que merezcan ser leídas por su calidad artística?

Y las tres preguntas se quedan ahí, para aquellos que jugamos con la ficción, para los que se adentran en ella. Escritores, lectores somos, aunque muchas veces seremos estafados, descubiertos, no descansaremos en nuestra obstinación de distinguir el grano de la paja, porque no hay que confundir libertad creadora con libertinaje. Ya me lo dijeron cuando estudiaba en el colegio, cuando miraba a as musarañas poéticas en el instituto o cuando me aburría y fascinaba al mismo tiempo en las clases de la facultad.

FIN.

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Artículo de Juan Manuel Rodríguez de Sousa

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Aquí dejo la primera y segunda parte del artículo para los perdidos.

Primera parte del artículo:

Segunda parte del artículo:

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Manifiesto por el cuento

2008-11-08T15:01:00.002+01:00

MANIFIESTO POR EL CUENTO(carta abierta a todas las publicaciones periódicas)

¿Qué motivó que el cuento como nuevo género literario hubiese tenido dos espectaculares apariciones primero en el siglo XIX y después en el XX?Curiosamente la respuesta es la misma: la publicación de los mismos en revistas y diarios.Los cuentos modernos, nacen primero en los periódicos y luego se convierten en libros que los recopilan.Poe, Chejov, London escribían sus cuentos para periódicos. Carver, Cheever, Fante, Bukowski, y toda la generación del realismo sucio americano de mediados del siglo XX, adelantaban sus publicaciones con cuentos en periódicos. La nueva generación americana del desarraigo publica en fanzines y diarios locales, algunos incluso nacionales con gran tirada, antes siquiera de presentar su primer libro de cuentos.¿Qué coño ocurre en España con el cuento?¿Ningún periódico es capaz de liberar una columna para acoger un cuento moderno?Se trata de dar oportunidades a gente desconocida, pero fielmente cuentistas, no de ofrecer una columna a escritores consagrados que publican como cuento el recorte de un amago de novela.El cuento es un género narrativo mayor, quizá el más complejo en su elaboración a pesar de su aparente sencillez, que requiere una excelente técnica de relojero para lograr que en el lector surja el efecto deseado.El cuento es corto por definición, y muy intenso, y el buen cuento marca un antes y un después en la mente del lector que ha sentido como un terremoto bajo sus pies.El cuento explota en la cabeza, anida en el alma y enseña a ver la vida desde otra perspectiva.El cuento aguanta sin respirar tres estaciones de cercanías y varias de metro, el lector viaja, sí, pero no en el vagón.El cuento es el género literario más acorde con el mundo presuroso y alocado actual. Y lo es por dos motivos: 1. Su minimalismo intrínseco; y 2. En su interior guarda una bomba intelectual.Demos una oportunidad al cuento.Cada año más cuentistas se suman al movimiento. Mucho tienen que ver en ello las escuelas de creación literaria y talleres que se han multiplicado por cien en los últimos tiempos.El cuento como paso de la nada a la novela ya no es un simple ejercicio de preparación. Muchos de los cuentistas modernos son conscientes de que han encontrado en el relato corto su distancia.El cuento, el buen cuento, es un reto.Los cuentistas son a su vez devoradores de cuentos, fagocitan y degluten relatos con la esperanza de descubrir una nueva forma de tallar ese “diamante” en bruto que es la idea previa a la composición.Demos una oportunidad al cuento.

Esteban Gutiérrez Gómez. Cuentista.

http://ellaberintodenoe.blogspot.com/

TODO POR EL ARTE (II) DEBERES Y DERECHOS

2008-11-07T12:52:00.001+01:00

Aquí llega la segunda parte de estas reflexiones, os dejo el enlace de la primera para los que habéis llegado tarde.

PRIMERA PARTE DEL ARTÍCULO

TODO POR EL ARTE (II) DEBERES Y DERECHOS

Pero, ¿y cuándo es imposible concebirlo?

Existen diversas causas para que un escritor no pueda esconder, separar la persona del personaje, el lugar del mundo imaginario, y que cualquier intento de ocultar alguien o algo caiga en la inutilidad. Narrar una historia de gran renombre lo haría muy difícil, estas obras suelen ser sometidas a numerosos estudios que descubren, por muy hábil que sea el escritor, la identidad de los personajes. La propia incapacidad de un escritor es un factor a tener también en cuenta, así como la intencionalidad económica. Por último, el móvil estaría en el simple deseo de herir sentimentalmente.

Sin embargo, sería improductivo detenernos en el cómo o el porqué se ha saqueado la intimidad de una persona, ya que al fin y al cabo el resultado es siempre el mismo: la identidad queda descubierta. La pregunta sería entonces la siguiente: ¿Tenemos los escritores el derecho de contar historias de los demás?

Aquí viene la borrasca de ideas que nos surgieron durante este final de verano, filosofando en plena entrada de una crisis financiera mundial, las respuestas se reproducen, múltiples, y con matices, como dos gemelos que cambian de parecer según la vestimenta de lleven cada momento.

Es el “depende” de cada situación, y por esta regla de tres, crecerán tantas soluciones como relatos escritos (y los que quedan por escribir) y esa sea quizás la única respuesta ante el dilema, cada situación es diferente. No es lo mismo escribir una historia acerca de un amigo que solamente alcance identificar su círculo de amistades, que escribir, por ejemplo, una historia de un personaje público que logre repercutir (negativa o positivamente) en un círculo social mucho más amplio. Son tantas las posibilidades, tantas las miradas, y tantas las palabras que nunca sabremos la verdad absoluta de lo escrito, lo sucedido y de lo dicho: ¿Es, entonces moral apropiarse de una historia ajena?

Una compañera puso un ejemplo claro: ¿porque un pintor puede sentarse en una banqueta delante de un jardín y pintar el más mínimo detalle sin el miedo de ser acusado de oportunista y falto de ideas? Claro que también ha habido —y hay— represión en esta profesión, pero nunca ha llegado a ser tan acusada como en el caso de los escritores.

A fin de cuentas, volvemos casi siempre a la misma cuestión: ¿tiene el escritor el deber o el derecho de escribir lo que le apetezca?

Continuación: TODO POR EL ARTE (III) LAS TRES PREGUNTAS

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Artículo de Juan Manuel Rodríguez de Sousa

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Una canción de BLUR: Tender

2008-11-06T14:47:00.001+01:00

Para relajar en el ambiente, pondré a vuestra disposición una de mis canciones favoritas de este grupo británico que descubrí gracias a una amiga. Sería ella la que tendría que estar escribiendo este artículo, porque seguro que con lo que sabe sobre el grupo y lo que entiende sobre música en general podría hacer un análisis más profundo de esta canción. En fin, yo me limito a colocar la versión del disco (arriba), un vídeo clip (abajo), letra y portada del disco (EN MEDIO) Esta canción nació junto con el disco que veis en la foto, titulado extrañamente: 13.

LETRA

Tender is the night
Lying by your side
Tender is the touch
Of someone that you love too much
Tender is the day
The demons go away
Lord I need to find
Someone who can heal my mind
Come on, Come on, Come on
Get through it
Come on, Come on, Come on
Love's the greatest thing
Come on, Come on, Come on
Get through it
Come on, Come on, Come on
Love's the greatest thing
That we have
I'm waiting for that feeling
I'm waiting for that feeling
Waiting for that feeling to come
Oh my baby
Oh my baby
Oh why
Oh my
Oh my baby
Oh my baby
Oh why
Oh my
Tender is the ghost
The ghost I love the most
Hiding from the sun
Waiting for the night to come
Tender is my heart
For screwing up my life
Lord I need to find
Someone who can heal my mind
Come on, Come on, Come on
Get through it
Come on, Come on, Come on
Love's the greatest thing
Come on, Come on, Come on
Get through it
Come on, Come on, Come on
Love's the greatest thing
That we have
I'm waiting for that feeling
I'm waiting for that feeling
Waiting for that feeling to come
Oh my baby
Oh my baby
Oh why
Oh my
Oh my baby
Oh my baby
Oh why
Oh my

Oh my baby
Oh my baby
Oh why
Oh my
Oh my baby
Oh my baby
Oh why
Oh my
Come on, Come on, Come on
Get through it
Come on, Come on, Come on
Love's the greatest thing
Come on, Come on, Come on
Get through it
Come on, Come on, Come on
Love's the greatest thing
That we have
I'm waiting for that feeling
I'm waiting for that feeling
Waiting for that feeling to come
Oh my baby
Oh my baby
Oh why
Oh my
Oh my baby
Oh my baby
Oh why
Oh my
Tender is the light
Lying by your side
Tender is the touch
Of someone that you love too much
Tender is my heart you know
For screwing up my life
Oh Lord I need to find
Someone who can heal my mind

Come on, Come on, Come on
Get through it
Come on, Come on, Come on
Love's the greatest thing
Come on, Come on, Come on,
Get through it
Come on, Come on, Come on
Love's the greatest thing
That we have
I'm waiting for that feeling
I'm waiting for that feeling
Waiting for that feeling to come
Oh my baby
Oh my baby
Oh why
Oh my
(goes on until end fading away)

Sigue arriba a la derecha

Final

Video Clip:

Todo por el Arte (I): Eclipse

2008-11-05T12:08:00.001+01:00

ECLIPSE

Fue en los últimos días de verano cuando surgió, entre mis amigos escritores, una eterna disyuntiva humana: ¿el fin justifica los medios? Es una pregunta que afectará en distintos ámbitos y dioses humanos. Ares, Eros, en la guerra, en el amor, en la política, o finalmente, en el arte recaerán nuestros veredictos, sean tomados con la razón o sin ella, son actos humanos encadenados, buscando un fin.

Siempre habrá distintos caminos, tantos como personas que adopten amar, combatir o crear. Si queremos ganar una guerra, ¿podremos adoptar cualquier estrategia? ¿Debemos hacer caso a nuestro deseo de crear arte, aún sacrificando nuestra propia vida? ¿Debemos de continuar ese camino mientras existan otros problemas más graves por solucionar?

Estas preguntas nos alejan de aquel debate que nació a finales de este verano. A pesar de ser cuestiones más interesantes, olvidadas por los filósofos comerciales, no olvidaré la luz de la siesta en la ventana despertándome en la hamaca de mi habitación. No olvidaré esa luz de verano mientras debatíamos y reflexionábamos en la noche de lunas claras. No deseamos discutir sobre nuestra fragilidad sino sobre la ajena, no queríamos hablar de nosotros, sino de aquellos espectadores que están fuera del proceso creativo, pero que forman parte de la obra en cuanto empiezan a leerla. Aquel fue nuestro punto del debate, pues partíamos de un supuesto: lo que le sobrevenga a cada uno de nosotros, es cosa nuestra y de nuestra responsabilidad, cual botella de vodka peligrosamente bella en la noche de una temida despedida.

El meollo radicaba en un problema muy corriente que padecen los escritores (y que no ocurre con tanta frecuencia en otros artistas) aquel problema era y es: ¿Debemos escribir una historia basada en hechos reales que pueda afectar emocionalmente, o incluso socialmente a algunos de las personas involucradas?

No parece que haya una respuesta unánime, ni siquiera una segura por parte de cada uno de nosotros. Casi todos coincidíamos en que el artista debe narrar los hechos lo más cerca de la realidad pero disfrazándola de tal modo que no se consiga identificar a los personajes. Además, su obra no debería perder el interés artístico a causa de aquella metamorfosis. Si el escritor era capaz de realizar semejante proeza, se le declaraba “apto” para publicar su obra.

Existía la obra perfecta si la luna traspasaba al sol dejando un anillo amarillo de realidad, dónde fuese quimérico viajar al centro oscuro de aquel astro con el propósito de descubrir los detalles escabrosos. Un eclipse es bello e inocente.

Pero, ¿y cuándo es imposible concebirlo?

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Este artículo será divido en tres secciones, la segunda parte se publicará en este mismo blog.

Aquí está la segunda parte:

TODO POR EL ARTE (II) Deberes y Derechos

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Escrito y editado por Juan Manuel Rodríguez de Sousa

Pintor del mes: Salvador Dalí

2008-11-02T14:37:00.002+01:00

LA PERSISTENCIA DE LA MEMORIA.

Sería difícil describir las impresiones que me acarrean las obras de Dalí, no sabría como explicarlo, pero es un autor que me atrae de un forma un tanto rara, un tanto con desgana, como un abismo dónde no quiero caer, y al final acabo cayendo.

Sería fácil colocar un buen artículo sobre él, describir su vida, descubrir su obra, sus épocas que cualquier buen licenciado en Historia de Arte sabría mostrar.

Sería no menos difícil encontrar a alguien que sepa realmente lo que hizo Dalí con su obra y vida. Hay autores que parecen cavar un foso entre el entendimiento y su obra, no hay razonamiento que valga para adentrarnos en él. Sólo podremos mirar el castillo desde fuera y entrar con la imaginación, porque el foso siempre seguirá existiendo.

Sería más fácil, entonces, mostrar la obra de este artista, dejar que cada cuál penetre en el castillo cómo le apetezca y terminar con frases originales de Dalí, al más puro y clásico estilo periodístico:

“Sin una audiencia, sin la presencia de espectadores, estas joyas no alcanzarían la función para la cual fueron creadas. El espectador, por tanto, es el artista final. Su vista, corazón, mente—con una mayor o menor capacidad para entender la intención del creador—da vida a las joyas”

Un vídeo interesante que abre perspectivas:

"Hoy, el gusto por el defecto es tal que sólo parecen geniales las imperfecciones y sobre todo la fealdad. Cuando una Venus se parece a un sapo, los seudoestetas contemporáneos exclaman: ¡Es fuerte, es humano!"

Vídeo de más cuadros de Dalí con la buena música de los Doors (Imprescindible pasar a tamaño de pantalla completa y subir el volumen para disfrutar a tope)

"De ninguna manera volveré a México. No soporto estar en un país más surrealista que mis pinturas"

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Artículo de Juan Manuel Rodríguez de Sousa, con frases de Dalí recogidas de la Wikipedia.

Editado por el mismo autor y con videos de Youtube.

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tarot

CERTAMEN DE DEFINICIONES PARA MI CRIATURA

2008-11-01T20:16:00.002+01:00

Ya está decidido en qué va a constar los premios de este peculiar certamen. Primero digo en que consta el certamen:

Buscar una definición lo más acertada, imaginativa, original, fantástica a esta Criatura Bonica, además, deberán ponerle nombre propio. Se valorará ambos factores.

Cada participante podrá mandar cuantas definiciones crea oportunas, de esta forma tendrá más posibilidades de ganar.

TODOS AQUELLOS QUE APORTEN ALGUNA DEFINICIÓN SERÁN RECOMPENSADOS CON UN CALENDARIO 2009 DE BILLETERA CON LA FOTO DE MI CRIATURA, EN LA FOTO IRÁN INCLUIDA LA DEFINICIÓN GANADORA (TODO UN HONOR PARA EL GANADOR) Y LA FIRMA DEL AUTOR (TODO UN HONOR PARA LOS QUE TENGAN ESTE CALENDARIO)

EL FIN DE PLAZO PARA MANDAR LAS DEFINICIONES ACABA el MARTES 24, A LAS 23.59 HORAS.

LA ENTREGA DE PREMIOS SE REALIZARÁ DURANTE LOS DÍAS 28, 29, 30.

Todas las definiciones serán publicadas en mi Tuenti y en SINOPSIS DEL ARTE

El ganador se llevará tres calendarios, una postal, una entrevista y foto personalizada con el autor que se publicará En Tuenti y en SINOPSIS DEL ARTE.

Si el JURADO lo estima oportuno se podrán declarar finalistas de honor que obtendrán mención especial y un premio sorpresa, (aparte del calendario que recibirá por el hecho de participar)

PD: que no os quepa duda de que esto va en serio.

UN FUNERAL DE MUERTE

2008-09-28T18:18:00.001+02:00

FICHA TÉCNICA

Dirección: Frank Oz.
Países: Reino Unido y USA.
Año: 2007.
Duración: 90 min.
Género: Comedia dramática.
Interpretación: Ewen Bremmer (Justin), Peter Dinklage (Peter), Matthew MacFadyen (Daniel), Kris Marshall (Troy), Alan Tudyk (Simon), Rupert Graves (Robert), Andy Nyman (Howard), Daisy Donovan (Martha), Jane Asher (Sandra), Peter Vaughan (Alfie), Peter Egan (Victor), Thomas Wheatley (reverendo).
Guión: Dean Craig.
Producción: Share Stallings, Diana Phillips, Laurence Malkin y Sidney Kimmel.
Música: Murray Gold.
Fotografía: Oliver Curtis.
Montaje: Beverley Mills.
Diseño de producción: Michael Howells.

Vestuario: Natalie Ward.
Estreno en España: 11 Octubre 2007.

Sinopsis

Una disfuncional familia inglesa prepara el funeral del patriarca. Una serie de acontecimientos en candena harán de esta ceremonia un funeral de muerte.

Crítica de Juan Manuel Rodríguez de Sousa

Quiero ser breve, porque escribir y exponer una critica larga siempre tiene el inconveniente de aburrir a más del noventa por ciento de mis lectores, que no son muchos por cierto, pero algo es algo y sería arriesgado auyentarlos de forma irremediable.

Es una película atípica, de esas creaciones que resaltan por la idea original. Es un artificio perfecto. El funeral siempre puede ser una tarea difícil de enfrentar, y ¡que se lo digan a los personajes de este evento del humor! Podría estar diciendo cosas buenas todo el día sobre esta obra: la puesta en escena, la idea, cómo se adapta a la realidad cinematográfica, los actores (con muchos altibajos) y el agradecimiento de estar ante una película que ha sabido satisfacer las expectativas.

En fin, siempre todo esto gracias a la labor del director Frank OZ (aunque ha sido una especie de promesa perpetua que no ha llegado a dar nada de especial interés en los últimos años) sí que ha sabido esta vez --de forma un tanto modesta-- alcanzar un cine de más o menos buen nivel.

Los fallos, son más fáciles:

Y es que sería fácil encontrar una película que satisface las expectativas, pero que podría haber estado muchísimo mejor, y sobre todo, habiendo quitado algunas cosas que sobraban y poniendo otras que faltaban. Para empezar podemos contar que las tomas de escena eran más conservadoras de lo normal, es decir, la originalidad en la historia no se corresponde con su puesta en escena, tampoco con el guión mismo, y tampoco con las interpretaciones. Todo es correcto, y este tipo de historia de humor un tanto “negro” quizás habría agradecido una óptica más fresca, dinámica, traviesa. Macarra.

Los actores tampoco ayudan mucho, porque aunque bien, hay algunas lacras importantes, sobre todo en la novia y hermano del protagonista. Destacar el papel de Alan Tudyk como Simon, divertido y sensacional en sus momentos, demostrando incluso que se mantiene en forma… Resulta muy gracioso el papel de tio Alfie, un viejo cascarrabias que da una tarde especialmente insoportable al pobre Andy Nyman que es un hipocondríaco convulsivo y a Ewen Bremmer (Justin) como ligón.

Mala interpretación de Peter Dinklage (Peter) que además subyace en los tópicos más vulgares del mundo gay. (No es culpa suya). Y por lo demás… altibajos, sin que ninguno logre llevarse el pastel excepto el muerto en su ataúd.

Los momentos cómicos pueden causar risa como indiferencia.

Personalmente me lo he pasado bien, más que entretenida para una tarde lluviosa, a mí me gustó pero creo que a mucha gente no le va a pasar lo mismo. Tengo ese raro presentimiento. Quizás esta película sea como un funeral, no todo el mundo llora tanto como desearía.

Edición, Sinopsis y Crítica de Juan Manuel Rodríguez de Sousa para Sinopsis del Arte.

La películas en otras páginas:

LA BUTACA

FILMAffinity

PÁGINA MUY CURRADA DE LA PELÍCULA

CRÍTICA DE TRISTRAM SHANDY

2008-08-13T02:16:00.001+02:00

CRÍTICA DE TRISTRAM SHANDY POR JUAN MANUEL RODRÍGUEZ DE SOUSA

SINOPSIS

Adaptación libre de la novela clásica del siglo XVIII "Vida y opiniones del caballero Tristram Shandy" de Laurence Sterne, la caótica historia se inicia con el protagonista de la novela contando su vida. Las historias de niñez de Tristram son constantemente interrumpidas por su familia y su servicio doméstico, y sobre todo, por la voz narrativa del protagonista, desnudando con más énfasis la personalidad del protagonista que cualquier autobiografía convencional.

En el momento dramático del nacimiento de Tristram, el ayudante de dirección grita "¡Corten!", señalando el final de la sesión de rodaje, y es entonces cuando vemos a Steve Coogan, a los otros actores y a los técnicos durante una caótica tarde en el plató, siendo cuando la vida de los propios actores se entrecruzan con la de sus personajes. Se ven los problemas del director, del guionista, de los demás actores secundarios, en fin, se puede entrever la obra entre los bastidores cinematográficos.

TRÁILER EN ESPAÑOL

CRÍTICA

Hoy estoy aquí para hablar de una película muy extraña. Tristran Shandy es un conjunto de situaciones graciosas, estridentes y ridículas. Es algo esperpéntico, sazonado con algo de nostalgia y sexo que la hacen un poco menos aburrida de lo que es. Y que conste, que no estoy diciendo que sea una película aburrida por la escasez de momentos “cómicos” sino, todo lo contrario, por el exceso de estos “momentos” que asfixian al espectador y no le dejan seguir las débiles tramas que se esgrimen en la película.

Sin duda, se nota que las dificultades para trasladar la obra literaria a la cinematográfica llegaron a ser reales. Mas esto no puede servir de excusa a la hora de abarcar un proyecto de cine, teniendo en cuenta que una adaptación es siempre difícil, es imperdonable que, incluso copiando la “idea” por falta de imaginación, se les venga encima y le echen las culpas al escritor que escribió la obra cuando los huevos los incubaban las gallinas.

Sin embargo, yo no creo que se les haya venido la obra encima, sino que creo que se no han dejado fluir la originalidad de forma correcta. Se palpa un miedo a parecer demasiado hiriente, sórdida y confusa, y precisamente, es en estos intentos (pocos) cuando el conjunto se desmorona. Por eso no creo que Michael Winterbottom ,el director, y Martín Ardí, el guionista, merezcan un aplauso atronador, aunque no cabe duda de que el producto final sería muy distinto (no sé si mejor o peor) si otro director se hubiera atrevido con el proyecto. Su mayor logro, resumiendo, ha consistido en darle un cierto orden al caos.

Por contra, yo pienso que el mayor mérito recae en los actores. Destacar al protagonista, Steve Coogan, que hace una interpretación bastante correcta, sin llegar a mucho más, y que cumple con el cometido. Destacar también, y sobre todo, al cooprotagonista, Rob Brydon, quien ha estado genial, muchísimo mejor que su compañero: donde aparece Rob, es Rob el protagonista, el amo de la escena y el señor de un estilo propio que gusta y nos divierte. Los demás actores, correctos aunque muy lejos de Coogan y Brydon.

Una película que parece no estar al nivel logrado en la anterior producción de Michel Winterbottom: 24 HOUR PARTY PEOPLE donde también se escogió a Coogan como actor; parecen que ambos hacen buena pareja y que Steve es un buen ejecutor de las ideas de Winterbottom.

Y resumiendo, es un filme que resulta aburrido al principio, trepidante en algunos momentos, decadente… Una película que enamora, decepciona y vuelve a enamorar, con demasiados altibajos para considerarse como “clásica” o al gusto del consumidor de hoy en día. Arriesgada, fresca, traviesa y ridícula. Recomendada para una tarde con amigos, para todos aquellos ligados al mundo del cine pues más que disfrutar, esta obra resultará interesante, y por supuesto, no dejará indiferente a nadie.

FICHA:TRISTRAM SHANDY: A COCK AND BULL STORY

Dirección: Michael Winterbottom.
País: Reino Unido.
Año: 2005.
Duración: 94 min.
Género: Comedia.
Interpretación: Steve Coogan (Walter Shandy/Tristram Shandy/él mismo), Rob Brydon (tío Toby/él mismo), Dylan Moran (Dr. Slop), Raymond Waring (cabo Trym), Gillian Anderson (viuda Wadman/ella misma), Keeley Hawes (Elizabeth Shandy/ella misma), Naomie Harris (Jennie), Kelly Macdonald (Jenny), Jeremy Northam (Mark), James Fleet (Simon), Ian Hart (Joe), Stephen Fry (padre Yorick).
Guión: Martin Hardy; adaptación libre de la novela "Vida y opiniones del caballero Tristram Shandy" de Laurence Sterne.
Producción: Andrew Eaton.
Música: Michael Nyman.
Fotografía: Marcel Zyskind.
Montaje: Peter Christelis.
Diseño de producción: John Paul Kelly.
Vestuario: Charlotte Walter.
Estreno en Reino Unido: 20 Enero 2006.
Estreno en España: 23 Marzo 2007.

ARTÍCULO ESCRITO POR JUAN MANUEL RODRÍGUEZ DE SOUSA. PARTE DE LA CRÍTICA REDACTADA INTREGRAMENTE POR ÉL. PARA SINOPSIS Y FICHA HE UTILIZADO MATERIAL DE LA BUTACA

Carta de un Adiós por Juan Manuel Rodríguez de Sousa

2008-08-08T21:17:00.001+02:00

(Aquí se puede leer el cuento en Pdf)

CARTA DE UN ADIÓS

Hola, mi Amor, te escribo esta carta para contarte mil cosas y ninguna que tú no supieras. Ayer mismo, partiste hacia un lejano lugar, me dejaste solo, vacío, sin saber qué hacer, sin saber qué decir.

Querida, ¿te acuerdas de la tarde en la que nos conocimos? Yo estaba tumbado en mi cama, echando una larga siesta y, entonces, noté algo que me palpaba fuerte y decidido. Llenaste el vacío que había en mí. Y eras tú.

Desperté, no daba crédito, ¡cómo osaste! Te untabas en mi piel con todo tu ímpetu, y yo, tan desacostumbrado a los menajes del amor, te odié, te maldije con toda mi alma. Aún así, tú no me dejabas tranquilo, seguías allí, acosándome, distrayendo mis sentidos, atiborrando mi cuerpo. Durante dos días creciste poco a poco. Llegaste a convertirte en una gran bestia dispuesta a sufrir por amor. Simplemente, te enamoraste de mí y, en ese preciso instante, comenzó todo. Intenté expulsarte de mi vida, de mi cuerpo, pero no había manera; te aferrabas como la mejor amante que tuve en mi vida. Y la peor.

Pasaron dos días y te quedaste preñada. ¡Menuda Zorra! Era la excusa perfecta para continuar con tus abusos, para seguir hurgando en mi cuerpo hasta el fondo. Fui al médico, para desearte el fin, para que me dijeran: puedes deshacerte de ella.

Pero no, me dijeron lo que tú más deseabas, lo que tú habías maquinado en tu maléfico plan: con un hijo de por medio no debían desvalijarte, echarte de casa, salir de mi vida. No.

Así que tejí mis propios enredos, una tupida tela de araña para eliminar tus expectativas. Deseaba vengarme, mientras tú dedicabas los días a elegir el nombre adecuado para aquel hijo del demonio. Le llamaste Otitis ¡Cómo no!

Cada vez te odiaba más, cada vez dolías más y Otitis no ayudaba en nada, es más, lo empeoraba. Me propinaba patadas y a veces, hasta me dejaba casi inconciente. Ojalá hubiera sido así durante todas las noches; pero no. La niña lloriqueaba y molestaba todo lo posible durante el sueño, no sabiendo aún lo que significaba la obediencia de un padre y una madre. ¿Pero alguien sabe quién es el padre? Ni yo lo sé.

Sólo me quedaba el sabor amargo y dulce de la venganza. Poco a poco, sin que te dieras cuenta, comencé a envenenar la malvada hija de tu vientre. En secreto, Otitis se desvanecía y no tardó en morir. Me sentía mal, muy mal por matar a una hija: es duro quitar la vida a alguien a quién se la diste. Tú nunca supiste de aquel filicidio que cometí, si te lo digo ahora, si lo confieso, es sólo por ti, porque quiero que me odies, que no me ames, que no sufras en la soledad.

Después de la muerte de Otitis, te quedaste llorando y yo, quizás, arrepentido. Ya no te sentía tanto como el primer día, tu amor se fue apagando, serenando. Estabas triste, muy triste, no tanto por la muerte de tu hija sino porque supiste que en ese momento, justo a partir de ahora, tus días de amante entrometida estarían contados.

Nos acercamos al lugar de nuestra última despedida, era el fin de nuestra relación. Todas aquellas personas te parecían serios abogados especializados en divorcios matrimoniales, ansiosos por conseguir un caso sustancialmente beneficioso. A mí me recordaba a un lugar triste, un hospital donde se huele la enfermedad, el miedo y la muerte. Llegamos a la sala de espera y me senté. Al cabo de un rato, un pensamiento se detuvo, de manera inesperada en mi mente. De pronto empecé a dudar, miré el largo pasillo de salida y ese algo me gritó fuertemente: ¡Sal de allí!

La puerta que daba entrada al despacho me pareció horrible, terriblemente horrible y entonces me di cuenta de todo; poseía tantas ganas de acabar contigo que nunca pensé en si podría llegar a quererte, incluso amarte. Embutido en una larga paranoia, en la obsesión continua de alejarte de mi vida, no me percaté de que siempre estuviste conmigo; tú nunca me abandonaste. Me acompañaste todos los días, y ahora sé y sabré con certeza, que nunca me hubieras dejado solo; aunque mi cuerpo hubiera viajado a los infinitos confines del mundo, tú permanecerías allí, a mi vera. Pero ya era tarde, alguien llamó:

--Rodríguez de Sousa --dijo la doctora. Sin embargo, para ti, aquella mujer no representaba más que al abogado del diablo.

--Sí, soy yo --dije a la vez que me levantaba.

Una mujer me esperaba en el umbral de la puerta, tú empezaste a chirriar con todo tu ímpetu y yo me puse nervioso. Ya no estaba tan seguro de querer hacerlo, pero mientras mi corazón empujaba para prorrumpir corriendo por el largo pasillo de salida, las piernas de mi cuerpo caminaban hacia aquella enfermera con bata blanca y gran jeringa de agua en la palma de la mano.

Tiritando del susto, de una despedida largamente deseada por mí, y que ahora se tornaba espantosa, tan espantosa como lo fue para ti. ¡Tú siempre me amaste!

La doctora accionó la enorme jeringa haciéndote partir de un solo golpe; avergonzada y caída en un barreño de agua, casi muerta y deshecha, nos dijimos adiós. Adiós Tapón de Cera, Adiós. Nunca te olvidaré.

DERECHOS DE AUTOR:

http://www.safecreative.org/work-view.shtml?cid=198611&id=26940

Carta de un Adiós by Juan Manuel Rodríguez d is licensed under a Creative Commons Reconocimiento-No comercial-Sin obras derivadas 2.5 España License.

Juan Manuel Rodríguez de Sousa.

EL BUSCÓN

2008-08-05T18:45:00.004+02:00

Me veo dudoso en recomendar esta obra de Quevedo. Con ello no estoy poniendo en duda la calidad de tal obra, porque sería ridículo ahondar en el tema. Es un clásico y punto. Pero es un clásico peculiar, porque aquí se encuentra la picaresca llevada al extremo. Es una forma casi esperpéntica (aquí Valle-Inclán tendría algo que decir) de literatura: la descripción de los personajes es una verdadera caricatura, los momentos nada escatológicos, o los sucesos más increíbles y miserables se entrecruzan unos con otros sin parar ni un segundo en toda la historia. Ello provocará más de una carcajada en lector que durante la lectura tendrán la diversión asegurada.

Por ejemplo, un fuerte es la descripción caricaturesca:

Entramos, primero domingo después de Cuaresma, en poder de la hambre viva, porque tal laceria no admite encarecimiento. Él era un clérigo cerbatana, largo sólo en el talle, una cabeza pequeña, los ojos avecindados en el cogote, que parecía que miraba por cuévanos, tan hundidos y oscuros que era buen sitio el suyo para tiendas de mercaderes; la nariz, de cuerpo de santo, comido el pico, entre Roma y Francia, porque se le había comido de unas búas de resfriado, que aun no fueron de vicio porque cuestan dinero; las barbas descoloridas de miedo de la boca vecina, que de pura hambre parecía que amenazaba a comérselas; los dientes, le faltaban no sé cuántos, y pienso que por holgazanes y vagamundos se los habían desterrado; el gaznate largo como de avestruz, con una nuez tan salida que parecía se iba a buscar de comer forzada de la necesidad; los brazos secos; las manos como un manojo de sarmientos cada una. Mirado de medio abajo parecía tenedor o compás, con dos piernas largas y flacas. Su andar muy espacioso; si se descomponía algo, le sonaban los huesos como tablillas de San Lázaro. La habla hética, la barba grande, que nunca se la cortaba por no gastar, y él decía que era tanto el asco que le daba ver la mano del barbero por su cara, que antes se dejaría matar que tal permitiese. Cortábale los cabellos un muchacho de nosotros. Traía un bonete los días de sol ratonado con mil gateras y guarniciones de grasa; era de cosa que fue paño, con los fondos en caspa. La sotana, según decían algunos, era milagrosa, porque no se sabía de qué color era. Unos, viéndola tan sin pelo, la tenían por de cuero de rana; otros decían que era ilusión; desde cerca parecía negra y desde lejos entre azul. Llevábala sin ceñidor; no traía cuello ni puños. Parecía, con esto y los cabellos largos y la sotana y el bonetón, teatino lanudo. Cada zapato podía ser tumba de un filisteo. Pues ¿su aposento? Aun arañas no había en él. Conjuraba los ratones de miedo que no le royesen algunos mendrugos que guardaba. La cama tenía en el suelo, y dormía siempre de un lado por no gastar las sábanas. Al fin, él era archipobre y protomiseria

Sin embargo, estos clásicos tienen el inconveniente del castellano antiguo, y yo he notado que El Buscón es una obra con un vocabulario vulgar que obliga ir a la consulta de un diccionario. Yo recomiendo ediciones donde se expliquen las palabras raras, ediciones que cualquier persona podrá encontrar fácilmente. Es recomendable porque amenizan la lectura al ahorrarse uno el buscar entre las páginas de un diccionario.

En fin, aún con la necesaria consulta al diccionario, recomiendo esta obra porque cumple de sobra con sus objetivos de entretenimiento y de mostrar la España de esos tiempos. Una delicia, un vino dulce para saborearlo y festejarlo, porque este libro es una fiesta de subnormales, advenedizos, ricachuelos y miserables. Y punto. En fin, os dejo con el hambre que se pasaba en aquella época y lo tan consistente que eran aquellas sopas:

“Bendecía las ollas y al espumar hacía cruces con el cucharón. Yo pienso que las conjuraba por sacarles los espíritus, ya que no tenía carne”

Pueden encontrar la obra digitalizada en la Biblioteca Virtual Cervantes.

Pinche y comience a leer "El Buscón"

Aquí os dejo con tres estudios de la obra; otros, más informados que yo, se han encargado de hacer una labor realmente exquisita:

Obra extensa que profundiza en la obra de “El Buscón”:

Introducción a "El Buscón" Ignacio Arellano

Aquí podrá encontrar unos breves apuntes:

Lillian von der Walde Moheno

Y cómo no, en la famosa wikipedia hay un artículo interesante, conciso, donde se resume los capítulos y donde se dan una serie de enlaces muy acertados.

http://es.wikipedia.org/wiki/El_buscon

sexo
tarot

YO SERVÍ AL REY DE INGLATERRA

2008-07-30T02:15:00.001+02:00

Sinopsis oficial de la película

Jan Dite es bajito, pero muy ambicioso. Hablando en plata, el joven camarero provinciano quiere convertirse en millonario. Y sabe exactamente cómo conseguirlo: escuchándolo todo, observándolo todo, y utilizando todo lo que ha escuchado y observado. Con esa convicción y un deseo irrefrenable de complacer a todo el mundo, pronto abandona su primer empleo, en un pub, por un burdel de lujo y, finalmente, por un elegante restaurante Art Nouveau de Praga.
Pero ahora ha llegado el final de la década de 1930, y las cosas están cambiando: Hitler ha ocupado Sudetenland y está dividiendo Checoslovaquia. Jan se enamora de Lisa, una alemana de los Sudetes orgullosa de su sangre aria. Se casan y, cuando Lisa regresa del frente, lo hace con una fortuna en sellos singulares que los judíos "dejaron atrás"... Tras su muerte, nada heroica, Jan vende los sellos y se convierte en millonario. Sin embargo, sólo puede disfrutar de su fortuna durante tres años: el nuevo régimen comunista lo encarcela durante 15 años.
A su salida de la cárcel, Jan es enviado a vivir a una decrépita ciudad fronteriza que fue abandonada por los alemanes. Allí dispone de tiempo para pensar sobre los acontecimientos que conformaron su vida, y para reflexionar sobre lo que podría haber pasado si él hubiera desempeñado un papel distinto en dichos acontecimientos...

Sinopsis recogida de LA BUTACA

TRAILER Y PEQUEÑO REPORTAJE

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Crítica de Juan Manuel Rodríguez de Sousa para Sinopsis del Arte

Nunca sabré porqué razón decidí ver esta película. Yo suelo hacer un sondeo entre toda la basura y más o menos mezclo intuición y crítica. Aquí sólo dispuse del primer elemento y quizás también de una pizca de aburrimiento: las vacaciones dan para mucho. En fin, supuso un gran descubrimiento que quiero compartir con todos vosotros. Cómo no he encontrado ninguna crítica en las diez primeras entradas de Google (cosa imperdonable) me veo en la obligación de escribir una crítica lo más decentemente posible.

Para empezar, la historia está narrada desde un punto de vista original. Y estos puntos de vistas originales se subdividen en todos los ámbitos “formales” del mundo del celuloide. Rescatable son los brillantes momentos cómicos que recuerdan a las películas de Charles Chaplin; hacer una crítica contrastada con El GRAN DICTADOR sería una delicia para cualquier cineasta.

Original el enfocar la historia desde la ambición por hacerse rico que es a la vez una excusa para mostrarnos la vida de un personaje y la historia que lo rodea. Original también en la toma de algunas escenas que dan un toque mágico, a la vez que embellece la película por si misma. Original en todos los sentidos, pero tan bien dirigida, tan elegantemente compuesta que la película transcurrirá deliciosa, grácil y bella sin resultar atropellada en ningún momento.

El trabajo del director es imprescindible para la película. Se nota y se palpa en todas las escenas que quizás, otro más descuidado, o directamente –porqué no decirlo— mediocre, no hubiera obtenido nada interesante de esta peculiar historia. Podemos decir, sin lugar a dudas, que Jirí Menzel merece el mejor aplauso.

Entrevista a Jirí Menzel

A quién deberíamos aplaudir también sería al escritor checo Bohumil Hrabal. Fue este quién escribió la novela “Yo que he servido al Rey de Inglaterra” y por lo tanto, máxime artífice de toda esta historia. Sin embargo, Jirí Menzel no sólo ha aprovechado esta obra, sino que ha conseguido no disminuirla; tal como suele pasar en la mayoría de las películas basadas en una obra literaria. Por eso, aún debiendo a Bohumil Hrabal la creación originaria, seguimos aplaudiendo a Jirí Menzel como director.

Jirí Menzel en la Wikipedia

Después de aplaudir al director, lo podríamos hacer con los dos actores que encarnan al protagonista: uno de joven, el otro ya mayor. Oldrich Kaiser, que podemos disfrutar de él en “UN MUNDO AZUL OSCURO” y que es una figura muy respetada en el mundo del teatro, da comienzo al filme con un aire intimista, una mirada que desgaja el alma y ennoblece; su intepretación raya la perfección.

Igual de bien podríamos hablar de Jan Dite “joven”, que es interpretado por Ivan Barnev y realiza el mejor papel con diferencia. Se desenvuelve igual de bien en la comedia y en la tragedia, aunque en donde brilla más sea en los momentos cómicos. Barnev se convierte así en el brazo ejecutor de toda una obra: sin su magnífica interpretación, el gran trabajo de Jirí Menzel se hubiera ido al garete y hubiera restado un producto de menos valor artístico.

Los demás actores, no llegan siquiera a la categoría de “secundarios” Aún así podríamos felicitarles, porque en realidad todos están a la altura. Sería inútil decidir a quién de ellos darle el primer premio, y prefiero que vayan ustedes al cine y decidan por si mismos.

Como no deseo extenderme mucho, daré una conclusión multiplicada por cuatro y que explican lo que no debemos perdernos de esta película: el pueblo checo antes, durante y después de la II Guerra Mundial; los momentos cómicos protagonizados, casi todos, por Ivan Barnev; la magia de las escenas sexuales y las que se muestra monedas, billetes y sellos volando en el aire; y por último, la historia de nuestro protagonista, su evolución como ser humano y aceptación humilde hasta el final de la película. Vaya a verla, disfrútela y, si no queda satisfecho, no le devolvemos el dinero.

Nota: 9’1

PÁGINA OFICIAL EN INGLÉS

Fícha artística:

Dirección: Jiří Menzel.
País: República Checa y Eslovaquia.
Año: 2006.
Duración: 120 min.
Género: Comedia dramática.
Interpretación: Ivan Barnev (Jan Dítě, joven), Oldřich Kaiser (Jan Dítě, viejo), Julia Jentsch (Lisa), Martin Huba (Skřivánek), Marián Labuda (Walden), Milan Lasica (profesor), Josef Abrhám (Brandejs), Jiří Lábus (director del hotel), Jaromír Dulava (Karel).
Guión: Jiří Menzel; basado en la novela de Bohumil Hrabal.
Producción: Rudolf Biermann.
Música: Aleš Březina.
Fotografía: Jaromír Šofr.
Montaje: Jiří Brožek.
Diseño de producción: Milan Býček.
Vestuario: Milan Čorba.
Estreno República Checa: 11 Enero 2007.
Estreno en España: 18 Julio 2008.

Hey Jude de The Beatles

2008-07-24T14:08:00.001+02:00

Hey Jude Original

Ahora nos vamos a los años sesenta. A la época dorada de los Beatles donde recordaremos uno de los hitos musicales que no ha cesado de sonar durante medio siglo. Se trata de la canción Hey Jude, que indudablemente, es una canción del grupo de The Beatles que se lanzó como sencillo el 30 de agosto. Hey Jude fue escrita por Paul McCartney. Es larga, unos siete minutos: no obstante, eso no repercutió negativamente para que tuviera un gran éxito. El título de la canción era inicialmente Hey Jules pero Paul McCartney la cambió a Jude porque sonaba mejor.

Aguantó dos semanas en número uno en las listas británicas, y nueve semanas como número uno en las listas de Estados Unidos.

Aquí dejo un vídeo para que podáis disfrutarla y un enlace primero para descargaros un archivo en PDf con la letra de la canción y su traducción correspondiente al español. Descargar Pdf.

Aquí os dejo dos vídeos: el primero es una actuación, medianamente reciente, donde intervienen grandes músicos -y supongo amigos- de Paul McCarthey: Elton John, Sting & Eric Clapton. En el siguiente vídeo salen tan jovencitos...

PÁGINA DE LOS BEATLES EN ESPAÑOL

Artículo de Juan Manuel Rodríguez de Sousa para Sinopsis del Arte.

Ain't No Sunshine de Bill Withers

2008-07-22T21:26:00.003+02:00

Ain’t no sunshine es una canción de Bill Withers salida de su primer albúm « Just As I Am » La canción fue publicada como single en el septiembre de 1971 llegando a la sexta y tercera plaza de los canales R&B y POP U.S respectivamente. En el 2003 fue incluída en la lista de las quinentas mejores canciones de todos los tiempos, lista elaborada por la famosa revista Rolling Stone. Ain’t No Sunschine ha sido y es una de las canciones más escuchadas de la historia de la música occidental. Espero que os guste, aquí dejo la letra en inglés y la traducción.

LETRA DE LA CANCIÓN ORIGINAL Y TRADUCIDA

Dos vídeos de la canción:

PUBLICIDAD:
grupos electrogenos
Paquetes vacacionales
poussette chicco
tarot
Tiendas de muebles

SEXO EN NUEVA YORK: LA PELÍCULA.

2008-07-20T19:12:00.001+02:00

LA PELÍCULA

Un intento más que efectivo de llevar a la gran pantalla una de las series más polémicas e innovadoras, que ha marcado un antes y un después en la forma de entender la televisión.

La historia se centra en el cuarteto protagonista, varios años después del final de la serie, en la que podemos ver a Carrie tomando la gran decisión de aceptar el compromiso de por vida.

El film tiene como objetivo principal servir de entretenimiento a todo tipo de espectadores, sin dejar a un lado a los millones de fans que han seguido la serie durante sus seis temporadas, a los que no dejarán indiferentes. Es cierto que la película, al tratarse de una gran producción, ha perdido parte de la esencia y frescura de la serie original en el intento de abarcar a un mayor público, incluyendo a todas aquellas personas que no la siguieron por televisión. Aún teniendo en cuenta todo esto y el cine de comedia actual, la película supera con creces su cometido sin grandes pretensiones, con un ritmo ágil, una b.s.o pegadiza y, con más moda que sexo, nos hace pasar unos momentos más que divertidos a pesar de su excesiva duración.

Crítica por Danny Blanes

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"Sexo en Nueva York" en LA BUTACA

Poema para Sharbat.

2008-07-19T10:59:00.001+02:00

Muchos recordarán esa mirada, producto del sufrimiento. Sharbat, diecinueve años después, sigue poseyéndola, quizás más triste y renegada que unos años atrás. En fin, hace algún tiempo que leí una entrevista donde su marido mencionaba las sucesivas calamidades por las que había pasado y está pasando su país: Afganistán. En la última pregunta, después de reflexionar y entender que las promesas dadas por los políticos, religiosos u otras organizaciones caían siempre en saco roto, sacó a relucir la resignación y la fe: los hechos se habían desarrollado según la Voluntad de Dios. De ahí, proviene este pequeño poema dedicado a Sharbat, a su familia y a su pueblo.

Dedicado a Sharbat,

aunque ella nunca lo sepa.

Sharbat

La voluntad de Dios

es el ojo,

es la respuesta,

la paz

y el silencio de la muerte.

La voluntad del Hombre

sería la mirada,

sería la pregunta

y la callada palabra

cuando se oye la verdad.

La voluntad del Hoy

no existe.

Sharbat Gula en la Wikipedia

Poema de Juan Manuel Rodríguez de Sousa para Sinopsis del Arte.

SERIE: SEXO EN NUEVA YORK

2008-07-16T01:39:00.001+02:00

Sexo en Nueva York

Desirée Castellano Olivera para Sinopsis del Arte

Si os soy sincera, las primeras veces que oí hablar de esta serie pensé que era de contenido pornográfico. Encima la emitían por televisión a altas horas de la madrugada, así que todo indicaba que aquello no era para niñas inocentes como yo.

Años después, me enteré de que era una serie normal donde tocaban el tema… pero no tanto como yo pensaba. Así que me bajé la primera temporada.

El comienzo no me gustó absolutamente nada, pero el verano es tan largo y da para tanto que decidí darle una oportunidad y seguí viéndola.

A grandes rasgos, me toca comentar que la serie trata de cuatro treinteañeras que se reúnen para hablar de sus vidas y, sobre todo, de sus escarceos amorosos. Todo ello en los sitios más cools y glamourosos de La Gran Manzana. Pero… es mucho más que eso.

Los espectadores, a lo largo de sus seis temporadas, hemos disfrutado de momentos de todo tipo: de amistad (¿qué mujer no se siente identificada ante esas reuniones?), de apoyo y ayuda, tristes, alegres… y bueno… sexuales (Supongo que gracias a ellas muchas mujeres han abierto sus mentes a muchas prácticas que “estaban algo mal vistas”).

Quizás un requisito para adentrarse en la historia y engancharse a ella (como me pasó a mí) es conocer a las protagonistas. Así que os voy a acelerar el proceso:

Carrie Bradshaw

Es una escritora de una columna sobre sexo en el periódico. Obsesionada con los zapatos y envidia de muchas por su fantástico vestuario (sí, yo también levanto la mano). Es la más “normal” de las cuatro respecto a sus relaciones con los hombres. Sin embargo, está llena de dudas e inseguridad. Supongo que como todas.

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Samantha Jones

Relaciones públicas. Una mujer de armas tomar y sin pelos en la lengua. Tiene numerosas aventuras con miles de hombres, pero es incapaz de llevar una relación formal con ninguno. El matrimonio no es una opción y los hijos… no están dentro de su vocabulario.

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Charlotte York

Trabaja en un museo. Es, con diferencia, la más recatada de todas. Religiosa y muy perfeccionista, sueña desde pequeña como será su traje de novia. También es la más sensible y llorona. Parece haber nacido para cuidar miles de bebés en su carísima casa neoyorquina.

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Miranda Hobbes

Y por último, la pelirroja. Trabaja en un bufete de abogados. A veces no derrocha simpatía y lo que tiene que decir lo dice, no se calla ni lo más mínimo. Para ella, nada de cursilerías ni finales felices. Está hecha para ponerles a todas los pies en el suelo.

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En fin...

Además de ver las calles, parques, restaurantes y tiendas más fashion de la ciudad y desear vivir como ellas (con las conquistas, las casas, la ropa y los cosmopolitan incluidos), disfrutarás de un montón de anécdotas. Chicos que lamen toda tu cara en vez de besarte, que terminan una relación mediante un post-it, que les gustan ser azotados en el trasero o que la tienen tan pequeña como para hacerte llorar; sólo es un ejemplo de todo lo que te puedes encontrar.

Video del Micropene, XD

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Desirée Castellano Olivera para Sinopsis del Arte

LAS TRES EDADES.- Gustave Klimt- Impresiones de Juan Manuel Rodríguez de Sousa

2008-07-12T05:10:00.004+02:00

Impresiones de Juan Manuel Rodríguez de Sousa

Archivo en PDf

La vida es el elemento principal de esta obra. La vida y la muerte. Pero más bien podríamos decir que es la representación de un ciclo ineludible: el paso de la juventud a la vejez, el paso del tiempo. La evidencia hace que nos identifiquemos, y que veamos para unos el futuro y para otros el pasado. El niño, sería la primera edad. La juventud sería la plenitud. La vejez, la última etapa.

La juventud

Una figura llena de color, de vida, que en medio de la inmensidad neutra, sostiene entre sus brazos a un niño y también sostiene la esencia de la juventud: el estado de somnolencia que quizás nos da la impresión de la inocencia, la calma, la compostura, la seguridad en si misma, la apariencia feliz. El cuerpo estilizado, las mejillas, los labios y el pezón rosado nos proveen de apariencia física. Y todo ello, nos transporta a una sensación propicia para querer ser así y desear aquel sueño.

La vejez y la muerte

La otra figura, de perfil, ya nos está dando el aire difícil y angosto, el contraste con la vitalidad anterior. Las mamas ya no se sostienen, se pierde la fertilidad y pierde al bebé. La postura encorvada, la barriga hinchada, en definitiva: la vejez en su más puro estilo físico. Pero también, nos proporciona elementos que nos informan de aspectos psicológicos, el más importante de ellos: la mano que tapa su cara. ¿No desea ver su imagen en un espejo? ¿No desea ver la realidad? ¿Mostrar la vejez al mundo? O ¿solamente estará intentando desviar el dictamen de la muerte? La muerte siempre esta ahí, pero cuando el ser humano llega a la vejez, se da cuenta que se la sombra cada día anda más cerca.

El sueño

Pero Klimt ahonda en lo profundo del carácter de ambas figuras de un modo simbólico. Cómo vemos, la figura joven está durmiendo, está reposada, es joven, tiene una vida por delante, donde las metas están todavía por recorrer, por soñar. Además, la juventud le proporciona la confianza para realizarlas. Sin embargo, la figura de la anciana, está consumida por la oscuridad, el implacable paso del tiempo no le deja otra alternativa que la realidad, y la realidad es la tristeza y la desilusión de la belleza perdida y de los sueños.

Al final, Klimt nos muestra la juventud encarnada por el sueño; la vejez, por la imposibilidad de soñar.

Aquí podreís descargar el archivo en PDf para visualizarlo mejor.

Archivo en PDf

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Artículo escrito por Juan Manuel Rodríguez de Sousa

Este es un pequeño comentario que le pedí a una compañera entendida en el mundillo de los pinceles. Aquí dejo su comentario para los que deseen una descripción un poco más "tecnica" que la mía:

"Es una alegoría perfecta a las tres fases de la vida. La ternura que impregna la figura femenina con el niño no tiene precio, las dos tienen una expresión dificilmente superable por los mejores retratistas realistas del momento. En cuanto a la figura de perfil, ésta queda como en penumbra y nos transmite una gran sensación de tristeza, con la cara tapada por los cabellos, la figura desgarbada y ligeramente separada de las otras dos, se advierte un color menos alegre y más terroso que contrasta con la alegria que despiertan las otras dos figuras. Los motivos circulares que coloca alrededor de las figuras principales son típicos del modernismo y le dan una dimensión decorativa al cuadro más allá de su significado"

Pequeña, concisa y acertada descripción de Carmen Andujar. Podréis conocer parte de su obra en el blog: http://carmenandujarzorrilla.blogspot.com/

EDGAR DEGAS

2008-07-03T21:50:00.004+02:00

Pocos artistas muestran las contradicciones de su tiempo de la misma manera que Degas; participó en las exposiciones impresionistas y criticó los principios básicos de este movimiento; se inspiró en los maestros del pasado y sus escenas rebosan modernidad; defendía la línea sobre el color y se destapará como uno de los mejores coloristas del momento en algunas obras. Odiaba los honores oficiales y quería triunfar en el Salón. Estas curiosas paradojas las encontramos en la trayectoria artística de uno de los grandes genios del siglo XIX. Hilaire Germaine Edgar Degas nace en París el 19 de julio de 1834. Su familia paterna era de origen franco-italiano y se dedicaba a la Banca, mientras que la de su madre estaba vinculada con el negocio del algodón en Nueva Orleans. Edgar será el primogénito de una familia que se verá aumentada con tres nuevos retoños, dos niñas y un niño. La relación con su madre debió ser muy estrecha, afectándole enormemente su pérdida en 1847, cuando el joven tenía trece años. Dos años antes había sido matriculado en el Lycée Louis-le-Grand, en régimen de internado hasta su graduación, siete años después. Su padre, Auguste, deseaba que Edgar cursara estudios de Derecho, a pesar de haber demostrado su talento como dibujante en sus años en el Lycée. Durante un corto periodo de tiempo accedió a los deseos paternos, matriculándose en Derecho, pero pronto se cansó, abandonó el hogar familiar y se instaló en un estudio. Vistos los deseos del joven, su padre decidió financiar el aprendizaje artístico de Edgar, reconociendo su error inicial. Bien es cierto que Auguste Degas era un espíritu refinado, gran amante de la buena música y de las pinturas del Quattrocento, lo que hizo más comprensible la atracción por la pintura de su hijo. En 1853 se matricula en el taller de Louis Lamothe, pintor de temas históricos y discípulo de Ingres. Durante dos años copió bajo la atenta mirada de su maestro un buen número de obras en el Louvre, preparándose para el concurso de la Escuela de Bellas Artes, donde obtener la pensión que le llevaría a Italia, como soñaban todos los jóvenes pintores en aquellos momentos. Gracias a Degas, Edgar Valpinçon - propietario del Baño turco de Ingres - accedió a presentarlo a la Exposición Universal celebrada en París en 1855. Ese mismo año Edgar ingresaba en la Escuela de Bellas Artes, abandonándola meses después para realizar un viaje por su cuenta a Italia. Allí permanecerá por un periodo de tres años, dedicándose a copiar las pinturas de los grandes maestros del Renacimiento y las esculturas clásicas que poco a poco afloraban a la superficie gracias a las excavaciones arqueológicas. Los frescos de Rafael y Miguel Ángel en la Capilla Sixtina serán las principales atracciones para el joven pintor. En Roma se rodeará de los artistas franceses que estudiaban becados por el Estado. Su relación será muy intensa con Gustave Moreau, pintor que también tenía sus propios recursos para vivir en la Ciudad Eterna. Junto a Moreau sentirá enorme atracción por Giotto, Mantegna o Botticelli, así como por los maestros venecianos - Tiziano, Veronés y Tintoretto - . El predominio del color en la Escuela veneciana le llevará a interesarse por Delacroix, el maestro del Romanticismo francés. También en Italia se inclinará por el arte del grabado, encontrando un inestimable punto de referencia en Rembrandt y los pintores holandeses del Barroco.

En Florencia inició una de sus primeras obras importantes, la Familia Bellelli, para la que tomó como modelos a su tía Laura y a sus primas. En los meses finales de 1859 Degas regresa a París. Su padre considera que se debe ganar la vida realizando retratos, temática en la que ha demostrado sobradas dotes. Sin embargo, Degas desea obtener el mayor triunfo posible en el panorama artístico parisino y eso pasaba por el Salón de París, iniciando una serie de obras con temática histórica que tenían gran éxito en dicho certamen. En ellas se aprecia una marcada influencia de Delacroix e Ingres junto a Mantegna y Piero della Francesca, intentando innovar ese gastado género. Buena muestra de estas obras es la titulada Jóvenes espartanos. En 1862 realiza su primera escena en la que se refleja la vida moderna. Se trata de Antes de la salida, en la que inicia su temática de hipódromos y carreras de caballos. Ese año se relacionó por primera vez con Manet, a quien encontró en el Louvre. Degas estaba copiando un cuadro de Velázquez para realizar un aguafuerte. Manet pondrá al joven artista en contacto con el Realismo, aunque Edgar se resistiera en un principio a asumir la filosofía del movimiento. También será Manet quien le presente a James M. Whistler, artista interesado especialmente por el color como estimulante del espectador. Quizá este contacto permitiera a Degas conocer en profundidad los grabados japoneses, tan de moda por aquellas fechas entre los artistas modernos. Otra de las interesantes influencias para estos pintores será la fotografía, que se empezaba a desarrollar con éxito en aquellos años. Degas incorporará estas dos novedades en sus obras al interesarse desde el primer momento por cuestiones de perspectiva. Los retratos serán la temática favorita del pintor durante la década de los sesenta - Edmondo y Thérèse Morbilli o James Tissot son buenos ejemplos -.

En 1868 se integra en la tertulia del Café Guerbois, liderada por Manet, iniciándose una estrecha amistad entre los dos pintores. Allí también se relacionaría con Claude Monet, Alfred Sisley y Paul Cézanne, aunque no sintiera ninguna atracción por su pintura al aire libre. Su rendición incondicional al Realismo se produjo tras leer una novela de los hermanos Goncourt titulada Manette Salomon. Bien es cierto que los temas elegidos por él serán muy selectivos, prefiriendo las escenas de ballet, los cafés, las bañistas o las planchadoras. Igual que los demás pintores de su generación, Degas sufrió las consecuencias de la Guerra Franco-Prusiana de 1870. Formó parte de la Guardia Nacional y participó en la defensa de París ante las tropas prusianas. Después se retiró al campo, alejándose de los sucesos de la Comuna, condenando la brutal represión del movimiento aunque no simpatizara con él. Es en estos momentos cuando se inicia el deterioro de su visión. Al año siguiente marchó a Londres y vendió varios cuadros al marchante Durand-Ruel. Al regresar a París pintará la Clase de danza, mostrándose en plena madurez. Entre 1872 y 1873 Degas viajará a Nueva Orleans, junto a su hermano René, para conocer a los miembros de su familia materna. En tierras norteamericanas realizó algunos retratos y una obra magnífica, Mercado de algodón.

La idea de crear una exposición independiente al Salón oficial empieza a cuajar entre los artistas en 1873. El propio Degas ya había planteado a sus amigos la organización de un Salón del Realismo. La primera exposición del grupo, llamado despectivamente Impresionista por el crítico Louis Leroy, se celebró en 1874. Participaron Monet, Renoir, Morisot, Cézanne y Sisley, entre otros. Degas también puso su granito de arena, igual que en las restantes siete exposiciones del grupo impresionista. Sólo dejó de participar en una de ellas. El fallecimiento de su padre en 1874 reveló la mala situación económica por la que atravesaba la familia, existiendo un buen número de deudas. Esto provocó que Degas tuviera que vender sus cuadros para poder vivir, algo que hasta entonces no había hecho. Esta crisis financiera se prolongaría hasta 1880. Sus máximas obsesiones en la década de los setenta serían las escenas de ballet y los grabados. Pocos artistas han dado una visión tan completa de las entrañas de la danza como hará Degas. Pasaba largas jornadas contemplando los extenuantes ensayos de las jóvenes - Ensayo del ballet en el escenario - sintiéndose especialmente atraído por ese mundo. Quizá también exista un motivo económico al ser vendidos estos temas más fácilmente por su marchante. Respecto a los grabados, su obsesión fue tal que un amigo dijo que era "una plancha de cobre ennegrecida con tinta de imprimir". Los temas elegidos para los grabados son similares a los de sus óleos y pasteles. Esperando a los clientes muestra su atracción por la temática de la prostitución, anticipándose a su gran continuador, Henri de Toulouse-Lautrec.

La fama de Degas empezó a crecer en la década de los setenta, vendiendo un buen número de cuadros con cierta facilidad. Sin embargo, las tensiones entre los miembros del grupo impresionista y Degas eran cada vez mayores. Gracias a Camille Pissarro las críticas fueron suavizadas y la unión de los integrantes del movimiento parecía asegurada. Pero Degas se fue convirtiendo en un personaje solitario, dejando de exponer con otros artistas e incluso no exhibiendo sus obras al público. A partir de ese momento surge el aspecto legendario en su vida, mostrándole como un hombre amargado, de mal carácter, misógino y arrogante. La depresión le pudo acompañar en algunos momentos, mientras que las enfermedades serán continuas durante mucho tiempo, siendo considerado por algunos contemporáneos como un hipocondríaco, especialmente por su problema visual. Una de las técnicas favoritas del artista será el pastel, perfeccionándolo durante años mediante la superposición de diferentes capas. El colorido sería cada vez más sugerente, resultando obras de especial delicadeza como el Barreño o En la sombrerería.

Algunos de los colores conseguidos por Degas inspirarían a Paul Gauguin y Henri Matisse. Otra faceta destacada de su arte es la escultura, realizando numerosas estatuas de caballos, bailarinas o bañistas desnudas, llegando a ser considerado por Renoir como el mejor escultor moderno, por delante incluso de Rodin. El carácter del artista se hace cada vez más agrio con el paso del tiempo, mostrando de manera abierta sus prejuicios sociales, criticando la democracia y la educación de las clases trabajadoras. Los cambios vividos al iniciarse el siglo XX le convierten en un hombre ultraconservador y tradicionalista. Desde 1900 el artista redujo mucho su producción, renunciando a trabajar a partir de 1912. Emplearía modelos reales, aunque también se valía del amplio repertorio de posturas que había realizado anteriormente, llegando a calcarlas e invertirlas para crear nuevas imágenes. En estos últimos años destaca su faceta de coleccionista, adquiere una importante cantidad de cuadros a los marchantes Vollard y Durand-Ruel, llegando a cambiarlos por sus propias obras. En su colección estaban representados los más diversos maestros: desde Ingres hasta Cézanne, pasando por Delacroix, Gauguin e incluso Van Gogh. De su alumna Mary Cassatt poseía un amplio repertorio, igual que de Berthe Morisot. En 1912 Degas ve cómo su casa es demolida y su ama de llaves le abandona. Este anciano obstinado gusta de pasear y recordar los viejos tiempos. Mary Cassatt le buscó una persona que le cuidara, eligiéndose a su sobrina Jeanne Fèvre. Sus últimos meses los pasó postrado en la cama, falleciendo el 27 de septiembre de 1917 en París.

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Artículo recogido de la revista ARTEHISTORIA.

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Galería de imágenes:

Breves apuntes sobre “Rebeca” de Alfred Hitchcock por Ramón Alcaraz García

2008-06-23T05:11:00.002+02:00

Pulsa aquí para ver todas las portadas de Rebecca

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.De la Novela al Guión.

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Rebeca, la novela de Daphne du Maurier

El mérito de la película Rebeca (novela escrita en 1938 por Daphne du Maurier) se lo debemos tanto a su director, Hitchcock, como a su productor David O. Selznick. Sin Selznick no conoceríamos, tal como son, obras maestras como Lo que el viento se llevó, El tercer hombre, King Kong, Historia de dos ciudades, Ana Karenina o Duelo al sol. A esto hemos de añadir que fue quien contrató a Hitchcock para que diera el salto de Inglaterra a Estados Unidos, y el trato con Selznick influyó en la manera que tuvo el mago del suspense de realizar cine en América, y particularmente en las cuatro películas que hicieron juntos: Rebeca, Recuerda, Encadenados y El proceso Paradine.

Atraído por el éxito de las primeras películas de Alfred (en su etapa inglesa), Selznick le hizo firmar un contrato para una primera película, que en principio iba a tratar sobre el Titanic. El productor andaba ya inmerso en el rodaje de una producción de un altísimo coste, “Lo que el viento se llevó” (1939); otra novela de la que había comprado los derechos. Durante bastante tiempo se alternaron varias ideas, sin saber qué película sería la primera que dirigiría Hitchcock en América.

Daphne

Daphne du Maurier fue una escritora de éxito, y su novela Rebeca ya estaba predestinada a ser un best-seller antes de ser publicada. Hitchcock gozaba ya de fama por las películas rodadas en su país, Inglaterra; y en 1938 llevó al cine una novela anterior de esta escritora, La posada de Jamaica. Hitchcock se sintió interesado por la que iba a ser la nueva novela de Daphne (el director era muy amigo del padre de la escritora, Sir Gerald du Maurier), y quiso comprar de inmediato los derechos de la obra, pero la fama de la autora implicó un precio demasiado alto para sus posibilidades económicas. El director estuvo convencido desde el primer momento del éxito comercial en cine tratada como un thriller neogótico británico. Selznick (que ya quería contratar a Alfred), sí que disponía del dinero, y compró los derechos como un primer paso para estrechar la colaboración con Hitchcock y que pudiera ser la segunda película juntos. Al final, Rebeca fue la elegida, y se desestimó Titanic; según Hitchock, las importantes empresas navieras presionaron en contra del proyecto, ya que temían una respuesta negativa del público y que sintiera rechazo a navegar.

En 1936 se editó una novela de du Maurier anterior a Rebeca. Erich Pommer y Charles Laughton compraron los derechos y Hitchcock realizó La Posada de Jamaica en 1938. Esto condicionó el posterior rodaje de Rebeca, ya que la autora no quedó nada contenta con la adaptación cinematográfica y presionó a Selznick para que en Rebeca se ajustaran a la novela. La escritora confió en el productor porque se había caracterizado también por las fieles adaptaciones de novelas como “Ana Karenina”, “David Copperfield” y, en ese momento, de “Lo que el viento se llevó”.

Reparto

La elección del reparto fue una larga historia de elecciones, pruebas, intentos y descartes. Laurence Olivier fue impuesto por Selznick, que había protagonizado su película “Cumbres Borrascosas” (1939) y por ella había sido nominado al Oscar. Este actor inglés fue para Alfred otro elemento británico añadido. Es importante saber que Vivien Leigh, la esposa de Olivier y protagonista de lo que “El viento se llevó”, fue una de las candidatas al papel de la señora de Winter. De hecho, fueron más de 30 actrices las que fueron rechazadas para el papel.

Joan Fontaine (Segunda señora Winter)

Laurence Oliver ("Maxim" de Winter)

Al final la decisión se tomó en el último momento: Joan Fontaine, y el peso interpretativo de la película recae en gran parte en su personaje, la segunda señora de Winter. Hitchcock dio muchos consejos a la actriz de apenas 21 años, al tiempo que la aislaba del resto del equipo de actores. Alfred aprovechó por un lado que todo el reparto fueran actores y actrices británicos excepto ella y Florence Bates (la americana señora Van Hopper, claro); pero también ocurría que Laurence Olivier estaba en contra de Fontaine, ya que le dieron un papel que estaba destinado a Vivien Leigh, su mujer. Hitchcock puso todo lo nerviosa que pudo a Fontaine en los rodajes, manifestándole los comentarios de Olivier contra ella, por lo que potenció la actuación de indefensión y soledad de la protagonista de la película. Curiosamente, Fontaine había sido llamada a última hora para incorporarse al rodaje, justo en su luna de miel; por lo que, igual que en la película, era una mujer recién casada, tratada con desdén por “su marido” Laurence Olivier y con el resto del equipo acrecentando la soledad de la única americana en Manderley. Con Hitchcock aumentando la presión, su personaje fue muy creíble. Fontaine se sentía realmente sola, insegura y aterrada.

Judith Anderson (Señora Danvers)

Guión

En el cine británico los productores dejaban hacer su trabajo a los directores. En Estados Unidos no era así, los productores intentaban aportar sus ideas creativas y opinaban tanto sobre el guión como sobre el rodaje. Sin embargo, Selznick quería que la película fuera lo más fiel posible a la novela (algo que le había pedido Daphne, molesta por cómo se había llevado al cine su anterior obra, “La posada de Jamaica”). Así quedaba establecido un enfrentamiento de fuerzas contrarias que duró desde el guión hasta el final del rodaje, y que condicionó el resultado final de la película. Por un lado, Hitchcock tenía fama de dar su toque a las novelas que realizaba y las cambiaba sustancialmente; y por otro, Selznick insistía en la fidelidad absoluta en el libro, intentando además que sus propias ideas sí se incluyeran en la película.

Selznick (izquierda) hablando con Hitchcok.

La adaptación fiel de la novela a guión no era tan sencilla, ya que en primer lugar la narración en primera persona suponía un importante problema que se debía resolver, ya que en pantalla resultaba muy pobre. También eso obligaba a dar una mayor amplitud al protagonista masculino, que adquiría una nueva dimensión al cambiar el enfoque de la narración. Hitchcock planificó con especial cuidado los planos que aportaran al lector las características emocionales y psicológicas de la trama, e introdujo nuevos elementos en la historia, con la inclusión de flashback. Desarrolló un primer guión donde además añadía situaciones con los toques de humor característicos del director y detalles que recreaban la vida inglesa. Selznick lo echó todo abajo, diciendo que: “Compramos Rebeca y tenemos intención de filmar Rebeca, no una distorsionada y vulgarizada versión de una obra que ha demostrado ser un éxito”. En realidad, la novela era una mezcla entre una novela rosa y una pobre novela policíaca, y la actitud de Selnick obligó a Hitchcock a destacar la actuación de los intérpretes y los elementos visuales, algo habitual en sus películas. Si un encendedor, un tenedor, un vaso, un sobre o un cepillo de pelo se convertían en símbolos de gran expresividad en sus películas, en Rebeca son de una relevancia extraordinaria. Es innegable que la tensión entre Hitchcock y Selznick ayudó a crear la obra maestra del cine que ahora conocemos.

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El Rodaje

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En la película encontramos muchas escenas características de Hitchcok: detalles de la vida inglesa, un coche a toda velocidad junto a un precipicio, el uso de los planos, el mar, acantilados...

La primera curiosidad que encontramos tanto en la novela como en la película es que jamás aparece el nombre de pila de la segunda señora de Winter. Es un personaje sin nombre, lo que acrecienta el misterio y los problemas de identidad de la protagonista. Hitchcock lo describe muy bien en la escena de la comida después de casados. Beatrice expresa de manera sutil la imposibilidad de nombrar a su cuñada, y la conversación de los presentes no permiten que Beatrice pregunte el nombre de pila. La ausencia de nombre simboliza también el origen de la esposa, que contrasta con nombres de la alta sociedad como George Fortesquiu Maximiliam de Winter.

Durante el rodaje, Hichtcock se refería a ese personaje como Daphne, rebautizándola con el nombre de la autora del libro En las “Conversaciones con Hitchcock”, Truffaut fingió no recordar el nombre del personaje; a lo que Alfred, sonriente, puntualiza: ¡Nunca se dirigen a ella por su nombre!

Otro detalle curioso es que Hichtcock concedió a la mansión las características de un personaje más. La aparencia de Manderley es catedralicia, y los juegos con las sombras, con las puertas, cortinas. Decoración y mobiliario aportan sensación de que la casa está viva. Este detalle contrasta con el personaje de Rebeca, que la verdadera protagonista de la historia y que aunque no aparece físicamente en toda la película, es siempre omnipresente. La sombra de Rebeca se prolonga en otro de los personajes más importantes, la malvada y sombría ama de llaves señora Danvers. Para aumentar el efecto que causa este personaje en el espectador durante toda la película, Hitchcock la viste de tal forma que no la vemos caminar y apenas gesticula; en muchas ocasiones se muestra de repente, lo que le da un aspecto fantasmagórico. Ese fantasma “vivo” de Danvers y el “muerto” de Rebeca se prolongan y confunden, Danvers venera a la fallecida hasta entrar en lo enfermizo. Para Hitchcock, el desprecio de Danvers por la recién llegada (oculto tras la mentira de la cortesía), es un retrato de la actitud de la alta sociedad.

La idea de Hichtcock fue crear un contraste en el inicio, en Montecarlo la protagonista principal se mostraría “brillante, atractiva y divertida”, mientras que en Manderley aparecería nerviosa y cada vez más triste y decaída. Eso era algo que no se reflejaba en la novela, y si era “fiel” a la obra el espectador no sería consciente de la fuerza dramática de las escenas en la casa si no disponía de esas referencias anteriores para contrastar.

En Rebeca todo se mueve alrededor del amor, tanto por la pérdida, la infidelidad, los celos, el engaño, la debilidad, lo enfermizo, lo tenebroso, el miedo, la necesidad... En Manderley la recién llegada es una profanadora, tanto del amor como de su posición en el lugar. Max teme que su nueva esposa sea la que cambie y no cumpla lo único que le pidió cuando se conocieron: “Que nunca crezcas, que siempre permanezcas como en este momento”.

Inicio y estructura de la película

Las imágenes se inician con un movimiento de cámara que nos muestra las ruinas de Manderley y da al espectador una sensación de inquietud. Después, ya en el inicio de la historia, aparece el mar como primer recurso dramático. Maxim es “hipnotizado” por un mar embravecido. Hitchcock utiliza mucho el mar en sus películas, y esta no fue una excepción. El estado del mar es metafórico: muy agitado en el acantilado, calmado cuando ella lo pinta, agitado de nuevo cuando se quiere intensificar la tensión...; el mar como lugar de la tragedia, como lugar secreto o prohibido (el ala oeste de la casa da al mar). Incluso llueve con intensidad justo cuando llegan a Manderley.

Ver la primera escena de la película, (Español)

A Selznick no le gustaban algunas de las escenas e indicó a Hitchcock que realizara cambios, que afectaban sobre todo a los diálogos. El director hizo caso al pie de la letra, pero como no estaba de acuerdo, le quitó relevancia a los diálogos colocando la cámara muy lejos (algo que si nos fijamos es muy frecuente en toda la película); de esta forma el espectador no se fija tanto en lo que dicen y al mismo tiempo intensifica la sensación de desconfianza y soledad de la joven señora de Winter.

En la película encontramos tres partes diferenciadas. La primera transcurre en Montecarlo, con un final cargado de suspense cuando las mujeres se van a marchar y la futura señora de Winter no puede localizar a Maxim; la segunda va desde la llegada de la casa hasta la fiesta de disfraces, donde la ruptura de la protagonista con Danvers es manifiesta al saber que la ha engañado con el vestido. Y la tercera se centra en el balandro encontrado, la confesión de Max a su esposa, la acusación de Favell y el desenlace.

Estatua de Cupido

Aunque Hitchcock se viera “obligado” a respetar con fidelidad la novela, utilizó ingeniosas ocurrencias para decir lo mismo mientras creaba una mayor tensión. En el episodio en que se rompe accidentalmente la estatuilla china que representa a Cupido, la novela muestra cómo la esposa comenta a su marido el hecho y él requiere la presencia del ama de llaves para que se establezca una conversación de la señora de Winter con Danvers, a quien da una torpe explicación. En la película, sin embargo, Hitchcock hace coincidir esa conversación con el momento en que el matrimonio ve una película de su luna de miel. El tenso momento se produce justo cuando el proyector se detiene y la situación contrasta con la imagen de la feliz pareja que acabamos de ver, con los rostros luminosos. Eso consigue que la intensidad suba, y además, sin decir una palabra el espectador aprecia la necesidad de la protagonista por abandonar ese momento y fundirse con el otro personaje, el de los momentos felices vividos fuera de Manderley.

La secuencia sigue con la pareja mirando la proyección. Ella pregunta a su marido si es feliz. El responde con frialdad: “La felicidad es algo que conozco muy poco” (la frase de Daphne du Maurier). Y continúa: “Oh, mira, aquí es cuando puse el disparador automático y dejé la cámara en el trípode, ¿recuerdas?” (frase de Alfred). Está considerada la secuencia más hitchcokniana de la película.

Ver escena de la estatua. (En inglés desgraciadamente).

Como dice Leff en su libro Hitchcock & Selznick: “... la vigilante sombra de Selznick consiguió extraer de Hitchcock un excelente melodrama...” y sobre la tensa relación y disputas con Selznick en su debut norteamericano: “... Hitchcock no pretendió ganar la batalla, sino salvar la guerra”.

Escena en la habitación de Rebeca

El papel de Danvers es otra de las grandes interpretaciones de Rebeca. Todo en esa escena es enfermizo. El atuendo de Danvers, por ejemplo, similar el de un clérigo, refuerza el alto contenido lésbico. Hitchcock refiere con él la oscura perversión del clero, que conoció tan de cerca en su educación católica. En la novela, aunque reflejada de manera sutil para evitar la censura, está clara la relación lésbica entre la señora Danvers y Rebeca. El guión dejó esa sugerencia, pero la oficina del Código de Producción (conocido como Código Hays), se negó con rotundidad a lo que expresó como “las inevitables referencias a una perversión sexual”. Hitchcock tuvo que hacer frente en sus películas americanas al Código Hays, y usó rodeos, tratamientos indirectos, sugerencias, etc. para expresar de manera sutil lo que no podía expresar de modo manifiesto.

El Código Hays fue redactado por un sacerdote jesuita y un católico “radical”, y era dirigido por católicos. Alfred tenía la habilidad de que cuando los censores quitaban todo lo que iba en contra del “Código”, lo que quería expresar seguía estando ahí. En este caso eliminaron todos los diálogos que hicieran intuir una relación impropia entre Rebeca y la señora Danvers; pero Hitchcock había encontrado solución con planos íntimos y muy cargados de tensión, mostrando por ejemplo a la señora Danvers quieta junto a la nueva señora de Winter, acariciando la lencería de Rebeca, apoyada por una frase añadida por Hicthcock (que no aparece en la novela), sobre la ropa interior tejida a mano por unas monjas de clausura, que sobre el papel aparecía muy casta pero en la pantalla es todo lo contrario. Otra invención genial de Hitchcock para burlar la censura.

En esta secuencia Hitchcock fue aumentando y disminuyendo el espacio entre los personajes, con lo que transmitía el efecto de atracción y repulsión que atormenta a la protagonista durante toda la película. Al estar en el tocador, empobrece la luz (que viene desde abajo) y crea sombras precisas, que además obligan a las actrices a actuar con mucho cuidado. El director tuvo que trabajar durante más de una hora y unas quince tomas para conseguir sólo dos válidas.

Selznick aportó aquí una idea magnífica, la de incluir una sola foto de Maxim sobre el tocador. Una sola foto en toda la habitación, que lograba mortificar más a la protagonista sin añadir palabra.

Ver la escena (en español): La habitación de Rebeca.

El vestido de la fiesta.

En la novela, la escritora pretende que la señora Danvers humille ante sus invitados a la señora de Winter al sugerirle que se vista como en el retrato, al tiempo que intenta que su marido la rechace. Hitchcock añade que la cuestión del disfraz sea un elemento fetichista y necrófilo. Fetichista por el amor lésbico de Danvers, que intenta además sustituir el cuerpo muerto de “Rebeca” por el cuerpo vivo de la protagonista; necrófilo por la interrelación entre los vivos y los muertos, que Hichtcock maneja hábilmente con un inmenso plano general del cuadro en el que pasa de las mujeres vivas (que desaparecen del plano) a la aproximación de la mujer muerta del retrato.

Después Hitchcock muestra a la joven esposa dispuesta a lucir su disfraz, primero anda y en un momento se detiene por última vez frente al cuadro, al que mira un par de veces. La imagen logra el efecto de una extraña fusión entre la vida y la muerte, lo real y lo soñado, lo que existe y lo que no.

La confesión

Aunque Selznick quería ser completamente fiel a la novela, no lo podía hacer. En el libro, el desenlace revela que Rebeca fue al médico (en realidad un practicante de abortos) creyendo que está embarazada de Favell, pero éste le comunica que tiene un cáncer en fase terminal; sin embargo, ella oculta este hecho y provoca a su marido hasta que disparó contra Rebeca cuando esta le comunica que el hijo que espera puede ser de otro hombre. El Código de Producción, órgano que controlaba la censura en Hollywood, no podía permitir contrariar la ley Hays, y si alguien cometía un crimen, éste debía recibir su castigo, por mucho que la mujer actuará con crueldad, engañara a su esposo y éste no sintiera culpabilidad alguna. Por lo tanto, el final de la novela era imposible en la película ante la censura; el Código Hays exigía que en esas circunstancias jamás podría existir un final feliz y mucho menos que el esposo se quedara sin castigo..

Una de las escenas más importantes es la de la confesión de Maxim de Winter, y fue un trabajo fundamental en el guión. Hasta la última versión del guión, Hichtcock no dio con la solución, lo del hijo seria utilizado por Rebeca para provocar a su marido, ella tendría una enfermedad muy grave y su muerte sería un accidente. El embarazo aparecería como una mentira, ante la cual Max reacciona de forma violenta y desencadena el desenlace. En esta escena, el director aprovecha para incluir un ingenioso efecto de “seudo flashback” o “flashback a través de los objetos”. Durante el monólogo, Hitchcock añadió un genial movimiento de cámara que seguía los movimientos de la invisible Rebeca., la cámara simula contar la historia moviéndose por toda la habitación centrándose en diversos objetos, en un momento del pasado (que incluye al final los aparejos de barco, de nuevo las referencias al mar): mesilla del té, diván, cenicero con colillas, una caracola, la lámina con el barco.... Eso induce al espectador a completar con su imaginación el relato de Max.

Se resolvió el problema de la censura con una solución que mejora de mucho a la novela; en ella se relata el efecto de un insustancial ataque de celos, mientras que la película aporta una interesante carga moral. Truffaut preguntó a Alfred si Maxim se creía culpable, a lo que el director respondió con un rotundo “No”, que es lo que refleja la película.

El desenlace

Otra de las disputas se produjo con la imagen de las llamas. Selznick quería que el fuego creara en la pantalla una gran R de humo en el cielo, como imagen final; algo que a Hitchcock le parecía un despropósito, y al final consiguió imponer la elegante solución de adentrar la cámara en el dormitorio para mostrar cómo las llamas queman la almohada de Rebeca, con el plano de la inicial de su nombre bordada en la funda. Es otro símbolo del fin, ya que Rebeca se ha mostrado constantemente mediante el recurso de sus iniciales en todos los objetos distribuidos por toda la casa.

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Montaje y Curiosidades

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Montaje.

Una vez que acabó el rodaje, Hitchcock centrado ya en su siguiente proyecto, dejó la película en manos de Selznick, quien pretendió ejercer su autoridad y dar su toque personal. Hizo rodar nuevas tomas con Fontaine, supervisó imágenes no utilizadas por AH y añadió música en casi todas las escenas para dar más énfasis. El resultado fue un metraje de 130 minutos, una de las películas más largas del Hitchcock. Pese a la intervención de Selznick, éste salió derrotado y desmoralizado en cuanto a que la película fue lo que el director quiso, aportando soluciones ingeniosas a los (en muchos casos) disparates del productor desde el punto de vista creativo y cinematográfico.

Curiosidades

De las anécdotas del rodaje existe una documentación detallada gracias a un libro de Leonard J. Leff titulado Hitchcock & Selnick, que trata extensamente el rodaje de las cuatro películas que realizó Hitchcock con la producción de Selznick: Rebeca, Recuerda, Encadenados y “El proceso Paradine”.

Hichtcock decía que Rebeca no era una película de suspense, sino casi un “cuento de hadas”, una especie de “Cenicienta”. La película engloba tres estilos literarios “el cuento de hadas, el cuento de misterio y el tradicional cuento policíaco”.

A pesar de rodarse en Hollywood, Rebeca es una película inglesa por su director, ambientación, protagonistas, vestuario y detalles.

Debemos entender el resultado final de Rebeca como una suma de fuerzas en la que la genialidad de Hitchcock “luchó” contra la imposición a la fidelidad de la novela, las exigencias y aportaciones de Selznick y la imposición de la censura.

En la película hay muchas escenas cortas que sin palabras nos van relatando la situación de los personajes. En Montecarlo, una imagen en el coche nos indica que ella se ha enamorado; ya en Manderley, en la mesa se aprecia el distanciamiento entre los recién casados; en otra secuencia la imagen de la señora de Winter contrasta con la silla vacía de Maxim, que refuerza la idea de soledad de la mujer; que en ocasiones se ve empequeñecida en el plano o enmarcada, lo que crea una mayor sensación de agobio. También Hitchcock usa los contrastes, que nos indican la evolución del personaje. La primera vez que coge el teléfono interior responde que la señora de Winter murió; posteriormente dirá con claridad “La señora de Winter soy yo”. Cuando entra en la biblioteca ha de marcharse porque el fuego está apagado, después aparecerá encendido cuando va a comenzar a reforzar la relación con Max.

Esa es una de las escenas de amor más bella en el cine de Hitchcock, cerrando un primer plano de la pareja para luego retroceder la cámara a un intenso plano general Curiosamente, es muy similar a la despedida de Errol Flynn y Olivia de Havilland en “Murieron con las botas puestas”, que en 1941 rodaría Raoul Walsh. Orson Welles concluyó también su película “Ciudadano Kane” de manera muy parecida al fin de Manderley y un plano de la R quemada, que en ese caso se refería a Rosebud. También se inspiró en Manderley para crear su “Xanadú”.

La historia contrasta también la importancia de la fidelidad y del amor frente a la belleza y la riqueza. La posición social y alabada belleza de Rebeca se contrasta con la posición y sencillez de la nueva esposa, que ha de ser ella misma en un entorno donde todo la arrastra a cambiar.

Rebeca dio nombre en nuestra lengua a una prenda de ropa. El diccionario de la lengua refleja el origen de la palabra:

Rebeca. (Del nombre propio Rebeca, título de un filme de A. Hitchcock, basado en una novela de D. du Maurier, cuya actriz principal usaba prendas de este tipo).

1. f. Chaqueta femenina de punto, sin cuello, abrochada por delante, y cuyo primer botón está, por lo general, a la altura de la garganta.

En una conferencia, Hitchcock habló de la esencia de Rebeca. Dijo que si él hiciera Rebeca en colores, “la presencia de la muerta sería representada por un color, lo cual podría ser explotado incluso comercialmente. Piensen por un momento en un color llamado Rebeca y vendiéndose en todas las tiendas”.

El detalle de que la señora Van Hopper apaga un cigarro sobre su crema facial fue repetido en “Atrapa a un ladrón”, en la que la señora Stevens lo apaga en un huevo frito. Una genial manera de mostrar a la vulgaridad de dos personajes tras una apariencia de falsa distinción.

Cuando Maxim ha identificado el cadáver de Rebeca, el coronel, Frank y Maxim salen del depósito y Hitchcock incluye un plano que muestra los pies de Maxim que parece la de un condenado a muerte acompañado de sus guardianes.

Hichtcock consiguió con Rebeca fama internacional y la película le abrió las puertas de una industria que él modificaría. Fue una de las películas más populares del año, aunque no la de mayor éxito comercial de Selznick. Fue nominada a 11 Oscars: Alfred Hitchcock (director), Robert E. Sherwood, Joan Harrison (guión), Laurence Olivier (actor), Joan Fontaine (actriz), Judith Anderson (actriz de reparto), Lyle R. Wheeler (dirección artística), Hal C. Kern (montaje), Jack Cosgrove, Arthur Johns (efectos visuales), Franz Waxman (banda sonora), Oscar: David O. Selznick (mejor película) y George Barnes (fotografía); y le concedieron dos, a la mejor fotografía en blanco y negro y a la mejor película. Ese año los premios fueron muy repartidos, con películas como “El gran dictador”, “La uvas de la ira”, “El ladrón de Bagdad” o “Historias de Filadelfia”. Entre las nominaciones estuvo la de mejor director; que, a pesar de las muchas nominaciones de sus películas, Hitchcock jamás ganó.

El nombre real de Joan Fontaine es Joan de Beauvoir de Havilland, hermana en la vida real de Olivia de Havilland. Por su papel en “Lo que el Viento se llevó” fue una de las favoritas de Selznick para el papel en Rebeca, pero la propia Olivia se negó a someterse a una prueba sabiendo que su hermana Joan también había sido seleccionada. Ambas eran enemigas y rivales. El enfrentamiento más conocido fue que ambas estuvieron nominadas en 1941 al Oscar a la mejor actriz, ganándolo Fontaine por "Sospecha", también de Hitchcock.

Nacidas en 1916 y 1917, tanto Olivia como Joan (con 90 y 91 años) viven en la actualidad (2008).

La película “Los pájaros” está también inspirada en un relato de Daphne du Maurier

Rebeca es una película sin errores apreciables o conocidos en cuanto a rodaje y montaje; quizá porque a la profesionalidad de Hitchcock se deba unir la supervisión constante de Selznick, tanto durante el rodaje como posteriormente en su labor de repaso de todas las secuencias.

La aparición del director se produce casi al final, cuando Jack Favell llama a Danvers desde una cabina. Aparece caminado con una gabardina clara mientras Favell habla con el policía. En las primeras películas el cameo del director se produce al final; pero con el tiempo las colocaría al principio, ya que la gente estaba más atenta a localizar su aparición que a la propia película.

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Este un escrito de Ramón Alcaraz García,

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tarot

Dorotea Fulde gana el V certamen de Narrativa Canal Literatura.

2008-06-16T18:50:00.000+02:00

Dorotea Fulde gana el V certamen de Narrativa Canal-Literatura con su relato EL NIÑO QUE NO PESABA.

La prensa se ha hecho eco de este evento, digno de mención:

Noticia en la Verdad de Murcia

Momento de los ganadores

(Dorotea recibiendo el premio a manos de Espido Freire)

Pronto, se verá publicado un libro donde, además de su cuento, se han añadido los finalistas de este certamen: como nuestra compañera Felisa Moreno Ortega. Y también serán editados juntos con los mejores del otro certamen paralelo, el Hispano Alemán, del cual Dorotea también fue finalista junto con Mercedes Martín Alfaya. Esta última, campeona indiscutible del año pasado y que pasó la diadema a su compañera del taller con la mejor sonrisa.

La alegría inconmensurable se desbordó por toda la mesa del Desván de la Memoria. ¡Nos llevamos el primer premio!

Y para hacer honor a nuestra flamante ganadora, os dejamos con un enlace a una página Web donde podréis leer algunas de sus obras.

Página de la artista en el Desván

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Desde aquí, quiero felicitar a:

Carlos Garrido Rubio por su Segundo Premio.

Isabel Ali, por su Tercer Premio.

Y al ganador del Premio Especial Experiencias y Encuentros Hispano-Alemanes. Juan de Dios Pineda (Alemania).

Premio del Público. Antonio Lagares, de Cádiz.

Mandarle un saludo especial a uno de los finalistas, y felicitarle por la publicación de su cuento. Julián García Castillo.

Todos lo pasamos realmente bien, y estamos deseando repetir.

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Artículo escrito por Juan Manuel Rodríguez de Sousa.

Material fotográfico: procedente de la Web Canal Literatura.

Poema: Hoy, sin esperanza

2008-06-10T03:09:00.001+02:00

(Dedicado para Ysa y sus pétalos)

Hoy siento las manos

y los dedos

de tierra

donde crece el rencor

y no la hierba,

donde labra la Tristeza

y no el agricultor,

donde se recoge la cosecha

y no se espera nada

ni siquiera de la vieja caja de Pandora

espero la esperanza

Autor: Juan Manuel Rodríguez de Sousa

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Hoy, sin esperanza by Juan Manuel Rodríguez d is licensed under a Creative Commons Reconocimiento-No comercial-Sin obras derivadas 2.5 España License.

Pastora. Nuevo Disco: CIRCUITOS DE LUJO

2008-05-29T15:45:00.002+02:00

"Contra los que piensan que en la música ya está todo hecho, dicho o cantado, Pastora aparece para romper tópicos. "

Con estas palabras, se presenta Pastora. Y no son palabras prorrumpidas a la ligera.

Pastora es un grupo de pop electrónico español. Sus miembros son Dolo Beltrán y los hermanos Caïm y Pauet Riba, hijos del músico Pau Riba, los tres de Barcelona.

Este grupo, ante todo, desentona en el panorama musical español. Si gusta o no gusta es más problema del consumidor -o de la discográfica- PUES PASTORA hace todo lo posible por aunar calidad, porque Calidad de la buena es lo que destila el trabajo de este grupo.

PINCHA AQUÍ PARA VER EL VIDEO CLIP DE "GRANDES DESPEDIDAS"

Muchos de vosotros, solamente le sonarán las palabras: "No me llames Dolores, llámame Lola" Pero no hay que confundir una canción con un disco o, incluso, una carrera musical. En la variedad está el gusto, y eso fue lo que se propusieron los componentes en su primer y segundo trabajo (PASTORA 2003 y LA VIDA MODERNA 2005) . Aunque, y todo hay que decirlo, la personalidad de sus sonidos y voz, la especial percepción del pop, música disco... hacen de esta variedad un cóctel con un fuerte carácter a PASTORA.

PINCHA AQUÍ PARA VER EL VIDEO CLIP DE "CUANTA VIDA"

Son nuevos, son originales, no reniegan de nada: los recomiendo. Ahora, tenemos la oportunidad de escuchar su nuevo álbum: CIRCUITOS DE LUJO.

Y para no desmerecer el título, en la página Web oficial encontraréis vídeo clips gratuitos, biografía...

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Ahora,repasaremos la trayectoria

de Pastora

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LA VIDA MODERNA, disco lanzado en el 2005.

Un CD formado por 13 canciones escritas por Dolo Beltrán y compuestas por Caïm Riba al que acompaña un DVD con 13 composiciones visuales creadas por Pau Riba. “La vida moderna” El primer single es Desolado:

Pincha aquí para ver el videoclip "Desolado"

Otra de sus canciones:

Día Tonto: Pincha aquí para escuchar Día Tonto (Video Clip)

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Su primer álbum

Publicó su primer disco, "Pastora", en 2003. El tema que más sonó fue el de "Lola" (el estribillo es "... no me llames Dolores llámame Lola... la que siempre va sola por Barcelona buscando follón..."). Otros temas de este primer álbum son "Un cuaderno lleno de cuentos", "Lunes", "Mirona", "Mentira", "Tengo"

Mirona:

Tengo:

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Y para qué poner el video de "No me llames Dolores, llámame Lola"

Aquí os dejo la versión KARAOKE para gritar a muerteeee y siempre Lolaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaa

Mi Cuento, NADA, y el poema SE ME MURIÓ de Mercedes Martín, QUEDAN FINALISTAS en LA CASA DE LA JUVENTUD "ALCOBENDAS"

2008-05-25T14:32:00.001+02:00

Ha sido una pequeña alegría que me he llevado. La verdad es que tenía más esperanzas en los poemas que envié, antes que en la modalidad de microrrelatos. Cosas de la vida. El título de la obra es NADA.

Selección de Relatos (pinche aquí para leer mi relato: NADA)

También mencionar que en la modalidad de poesía, Mercedes Martín Alfaya, ha quedado finalista con su poema: SE ME MURIÓ. Unos versos bellísimos que no os podeís perder. Además, Mercedes es una gran escritora y un seguro de alta calidad literaria

Selección de Poemas (pinche para leer el poema: SE ME MURIÓ)

Aprovechar la ocasión para Felicitar a los ganadores desde aquí que han sido:

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En la modalidad de Poesía, ha resultado ganador el poema:
Como el Agua de Puri Velázquez Iglesias
En la modalidad de Relato, el ganador ha sido:
Javier Moreno Sánchez con su relato 125 palabras

Un saludo a toda la organización de la La Casa de la Juventud "Alcobendas"

PROXIMOS ARTÍCULOS: PASTORA, CARAMEL, POEMAS...

POEMA: SEGUNDOS

2008-05-14T23:17:00.001+02:00

Segundos para los que cumplen años

Un segundo es un año

Una gota es un mar

y cada día que pasa

la vida mata,

y tú, cuando ves las nubes

el cielo canta,

se emborracha

apurando,

apurando la vida

de sus gotas estalladas en la mar

en el sólo segundo

de sus gotas alcohólicas tumbadas

en el sólo segundo

como tan reacias a tocar la antagónica juventud

que son los años...

los años.

Segundos by Juan Manuel Rodríguez is licensed under a Creative Commons Reconocimiento-No comercial-Sin obras derivadas 2.5 España License.

CRÍTICA CINEMATOGRÁFICA: AL OTRO LADO

2008-05-09T01:30:00.001+02:00

SINOPSIS: AL OTRO LADO

A través de una serie de encuentros, relaciones e incluso muertes, las frágiles vidas de seis personas se cruzan durante sus viajes emocionales hacia el perdón y la reconciliación en Alemania y Turquía.
Nejat (Baki Davrak) no mira con buenos ojos la relación que su padre Ali (Tuncel Kurtiz) mantiene con la prostituta Yeter (Nursel Köse). Pero todo cambia cuando descubre que ella manda dinero a Turquía para pagar los estudios universitarios de su hija. La inesperada muerte de Yeter distancia al hijo y al padre. Nejat decide irse a Estambul a buscar a Ayten (Nurgül Yesilcay), la hija de Yeter.
Pero Ayten, una activista política que huye de la policía turca, se ha ido a Alemania. Allí conoce a Lotte (Patricia Ziolkowska), que le ofrece su casa, algo que no gusta a su madre Susanne (Hanna Schygulla), una mujer bastante conservadora. La policía detiene a Ayten. Su petición de asilo político es denegada y la deportan a Turquía donde es encarcelada. Lotte se traslada a Turquía en un intento desesperado por liberar a Ayten.

PARA VER FICHA TECNICA Y ARTÍSITCA PINCHAAQUÍ

CRÍTICA CINEMATOGRÁFICA de Juan Manuel Rodríguez de Sousa

Una película que ha pasado desapercibida no sólo para el gran público, sino también para los más cinéfilos espectadores. La prueba es la dificultad para encontrar una crítica en las mejores páginas webs. (ya sé que es poco científico, pero las cosas son así) Cosa curiosa si tenemos en cuenta, que en ciertos países, sí que ha dado cuerda para rato.

pincha aquí para ver información sobre la opinión de la prensa

Es un filme que no pretende muchas cosas, o al menos no tantas como algunos han querido atribuirle: solamente faltaba que le colgaran la medalla por impulsar la integración de Turquía en la UE. Pero a pesar de no tener unas metas muy altas, sí es verdad que da pie a la reflexión personal y a al establecimiento de serios debates políticos y sociales.

Uno de ellos es la polarización de dos mundos culturalmente distintos, pero que han chocado a causa de la desigualdad. Un país en el que sus habitantes deben emigrar para ganarse el pan y la libertad hacia nuevas fronteras. El ejemplo, uno de los más conocidos en Europa.

Porque no es casualidad que hablando de la inmigración de turcos en Europa, se haya escogido a Alemania como destino para mostrar el ligamen que mantienen ambos países. Y es que muchos alemanes ya empezaron a “quejarse” de la sobrecogida de inmigrantes turcos. Es lo normal, aún así, esta película no pretende hablar sobre la “inmigración” sino sobre las antagónicas consecuencias que puede acarrear: multiculturalidad, desarraigo, desconfianza, generosidad, amor… Es una historia paralela de dos países que se encuentran unidos por gente sencilla, pero que marchan a un ritmo discontinuo en la historia del mundo contemporáneo. Uno, con un crecimiento económico inevitable, desordenado, donde la protección social camina a ras del suelo, donde la imagen de modernidad engaña y encubre la escasa libertad sexual e ideológica que se goza; otro, un país moderno, pionero en cubrir las necesidades sociales, desarrollado, con un crecimiento lento y una población envejecida. Eso son únicamente los polos económicos. Con todo, la película intenta ir más allá e involucra al esperador para asistir a una confrontación de seres humanos.

La historia ronda sobre una madre y una hija, un padre y un hijo. Ambos se encuentran separados, una por la distancia kilométrica, otra por dos formas de ser y de pensar. Los hijos, que se pueden considerar los verdaderos protagonistas de la historia, emprenden un viaje de búsqueda casi mutuo. Y aunque al final se pueda extraer un soplo fructífero de la película, ambos viajes se pagarán con un precio muy alto: la vida, y el perdón de una madre.

Los actores no es, ni de lejos, lo más destacable de esta cinta, que en mi opinión solo merecen un aprobado. El viejo Tuncel Kurtiz (Ali Aksu) y Hanna Schygulla (Susanne Staub) son los que, quizás, resuelvan mejor sus escenas. pincha aquí para obtener más información del reparto

En general los planos están bien, cumpliendo su función, sin embargo, no se debe esperar nada del otro mundo. El guión es más interesante, pero creo que se ha desperdiciado muchos momentos que solamente se explican a través del silencio y las imágenes (algo bueno sin duda, pero que también demuestra, en ciertas ocasiones, una cierta escasez de recursos narrativos).

Eso sí, la elegancia al mostrar la “muerte” es algo de agradecer. La narración de la historia tiene momentos muy flacos, de los que hace dudar sobremanera sobre la calidad intrínseca de la película.

No obstante, en general está muy logrado y expresado el bullicio de una historia que podría resultar confusa y que se ha mostrado con la mayor claridad posible. Ese es el mayor mérito del director Fatih Akin (pincha aquí para ver más información)

La fotografía no es interesante, salvo por muy excepcionales tomas (sobre todo paisajísticas)

En fin, una historia que quizás podría haber sido mejor, pero que se ha quedado con algunos errores bastante deleznables; sin embargo, la fuerza narrativa que posee la historia en sí misma, el mensaje social, la claridad en la exposición del tema hacen de este filme un caramelo agridulce de emociones, sonrisas y reflexiones.

Nota:7

LA SINOPSIS, EL TRAILER Y LAS FOTOGRAFÍAS ESTÁN OBTENIDAS DE LA PÁGINA WEB OFICIAL EN ESPAÑOL DE LA PELÍCULA. ENLACE:AL OTRO LADO

TRAILER

CUENTO: EL SÓRDIDO CANTE

2008-04-08T01:54:00.001+02:00

Esta obra ha quedado finalista en el certamen literario CLUB ABUELOS. A la sazón, ha sido editada en un libro junto con los demás finalistas y el ganador. La encargada de la edición y publicación es la editorial LITERANDOS.

El sórdido cante

El día que atropellaron a mi abuela el cálido viento inundaba el ambiente. El aire recorría los resecos, grasientos rostros de la gente, se colaba por entre las ventanas y los seres perezosos se entretenían respirándolo, sabiendo que sus negros pulmones se quemaban con cada suspiro y cada aliento.

Ese fue el verano en que, a mala hora, mi abuela fue atropellada; con el imperdonable y tórrido sol que alargó los terribles minutos de un perturbado sufrimiento.

La camioneta la arrolló, sin siquiera frenar, sin percibir que segundos antes una vieja cruzaba azarosa el paso de peatones. El conductor, quizás mordido por el remordimiento, desabrochó la cremallera de su bolsillo y sacó el teléfono móvil. Llamó a la ambulancia para avisar de un accidente que había ocurrido, como si fuese un elemento ajeno a él. Tan ajeno e igual a su comportamiento, pues no se paró. Disimuló no percatarse, como si hubiera aplastado una sencilla, miserable y desechable bolsa de plástico. Hasta una rata rabiosa le hubiera llamado más la atención. Pero mi abuela, semejante a muchas otras, era a veces tan invisible, tan fantasmal con aquel oscuro vestido de luto, mientras caminaba por el barrio, obnubilada en sus tristes pensamientos. En otros años, sin embargo, se la vio coger fuerte de la mano a su hijo Francisco, orgullosa y embadurnada con un enigmático áurea de mujer fabulosa. Eso me dijeron. Después dejó de sentir, de existir para los demás, incluso dejó de vivir para ella misma. Jamás volvió a ser feliz.

Lejos, se escuchaba la sirena de la ambulancia, cada vez más cercana con su eco sórdido rebotando en los grisáceos muros de los edificios.

Mi abuela quedó tendida en el asfalto ardiente, chillaba de dolor. Su cabellera de plata pegada al suelo negro resaltaba como una estrella bajo el cielo oscuro de una noche estival. Un hilo de rubíes teñía su rostro arrugado, la sangre le resbalaba conducida por los profundos y viejos canales de su frente. No había nadie, era la hora de la siesta y todos dormían plácidos, agradeciendo el sueño en el verano infernal ante los baratos ventiladores. La ambulancia estaba cerca, unos segundos más y podrían intentar reanimarla, salvarla para comenzar el inicio de su última etapa en la tierra de los vivos.

Gritó pero nadie la oyó, nadie excepto las chicharras que entonaban su sórdido cante. Vieron a un ángel pasar entre las calles, al fantasma que nadie osaba mirar y que ahora sin vida parecía importarles a todos. Los médicos corrían, frenéticos y ordenados a un tiempo, pero no consiguieron ni tan siquiera rozarla cuando mi abuela expiró su último aliento. Ahora, muerta en el asfalto, y ante los ojos cegados de los demás, su velo negro e invisible quedó chamuscado por el sol estival. Eran las cuatro y cuarto de la tarde, las chicharras olieron la sangre, cesaron sus gritos. Sucumbió el cante.

Relato escrito por Juan Manuel Rodríguez de Sousa

La editorial ha preferido dividir los relatos finalistas en cuatro tomos para ahorrar costos al lector. Mi relato aparece en el tomo IV. Todos los derechos pertenecen a la editorial y al autor.

Crítica cinematográfica de EXPIACIÓN - Más allá de la pasión-

2008-04-04T21:28:00.002+02:00

Crítica de Expiación (Más allá de un polvo)

Pues más allá de un polvo, no hay mucho más. Nosotros estábamos sentados en la butaca del cine esperando ver un terremoto de imágenes, sentimientos e imaginación narrativa; pero nos llevamos el chasco del año porque más bien creíamos que el terremoto había ocurrido mientras rodaban la película: nada de imaginación narrativa aparece en Expiación, o al menos, no como debería haber aparecido.

De entrada, o mejor dicho, antes de entrar, debemos señalar un error gravísimo: el tráiler. En si mismo, el tráiler es una pequeña obra maestra que yo no dudaría en proponer a los Oscar. Pero señores y señoras, no se confundan. El tráiler, como bien indica el diccionario de Lengua Académica Española debe ser: “Fragmentos de una película que se proyectan antes de su estreno con fines publicitarios”

Bueno, pues esos “fragmentos” más bien son escenas que revientan media película, (yo diría incluso más) cargándose la lectura narrativa del espectador, pues en él se intuyen muchas cosas que después se confirman con la primera media hora. Conclusión: el tráiler es un verdadero Jack el Destripador de la película. Cómo si esta no fuera lo bastante “falsa” para encima engañar al espectador con más chorradas, con una pasión que no aparece en ningún otro momento que no fuera el ya famoso polvo de la biblioteca.

Y esta pasión me recuerda a otro sonado error, el subtitulo en español: “Más allá de la pasión” Para entrar en el juego cinematográfico y defender el porqué de semejante frasecita, diremos que era un plan para esclarecer la “razón de existir” de una relación, cuando solamente ha habido sexo y, como sugiere el subtitulo, pasión. Buen intento, pero fallido.

El comienzo de la película promete, incluso llega a entusiasmar bastante. Pero este caramelito de entrada se deshace en cuestión de minitos. Aún así, ya hay serios golpes que hacen dudar al espectador de la verosimilitud de la obra. La primera es la curiosa fuente. Puede ser por la torpeza del director, o por un intento de dar a la película algún toque surrealista. Todo puede ser. Pero la verdad es que con tanto nadar al fondo y al fondo, más parecía aquello un enorme pozo, piscina, lago, río o mar donde, en cualquier momento, aparecería un enorme cocodrilo para devorar a nuestra bellísima Keira. Pensamos que debieron cortar esa escena, pues decidieron que resultaría demasiado realista para con el resto del filme. Pensemos eso, y no otra cosa.

Porque en Expiación la credibilidad suele andar por los suelos, o al menos, la credibilidad de aquel amor que resulta imposible tragarse, ya que en toda la película no hemos podido observar realmente una historia de amor apasionada entre los protagonistas.

Arribamos ya al desliz vital de la película: la pretensión de forzar un ligue o rollo para aparentar una pasión y/o amor que no existe, una pretensión que sume a los protagonistas en una vulgar y forzada interpretación, y que en muchas de las escenas resultan artificiales y mecánicas. Al final, todo la historia quedará envuelta en una especie de desencadenante televisivo porque, a medida que avanza la cinta, le resta la poca importancia que tenía en sí, dejándola finalmente en una mera anécdota en la que, a pesar de querernos mostrar lo que pueden desatar los celos de una hermana pequeña y las penurias de un jardinero con un futuro prometedor condenado a vivir una guerra forzosa y sin el amor de su vida, a pesar de todo ello, no logramos ver más que cinco minutos de sufrimiento en la pantalla.

Y es que acaba importando muy poco el porvenir de los protagonistas, porque sencillamente, no les tomas aprecio a ninguno. Más de un crítico ha reflexionado sobre la posibilidad de que la película sea una copia barata y desencajada de Largo Domingo De Noviazgo, película que pasó desapercibida para el gran público y que sin embargo no tiene nada que envidiar a Expiación. Aunque es innegable el acierto de esta comparación, resulta un tanto errónea –tampoco mucho- porque Expiación está basada en la novela homónima de Ian McEwan.

Quizás, y en algún efímero momento, nos volvió a conquistar con la posibilidad de mostrar una relación amor-odio, mas volví a querer desengancharme en la caída a la absurdez, al desliz de lo ilógico, cuando parecía que alguien de los personajes abría la boca para casi contarnos un chiste.

Porque los actores, en cierta medida bastante bien interpretados, no han podido suplir los graves defectos de la película. Para empezar Keira no transmite lo que verdaderamente siente el personaje. No se debe culpar a ella, sino al guión. Tampoco ayuda las ridículas poses que no logran convencer a nadie, y que en su intento por mostrar elegancia, simula mejor a una figura desproporcionada de un cuadro Picasiano. Pero vamos, incluso merecería la pena contemplar la espalda arqueada de Keira por última vez… y las caderas danzando cada una para un lado distinto. Algún agudo espectador ha interpretado este virtuosismo (digno rival para Shakira) como la dualidad y la duda psicológica de los distintos caracteres encerrados en un mismo personaje.

Otras de las lacras (lacra es poco) de la película es esa frase: Vuelve a mí, vuelve a mí. Ese continuo recurso lírico, más bien repetitivo, que incluso en vez de acarrar una lágrima sentimentaloide, es más proclive a provocar desmesuradas carcajadas en el espectador; no es broma, estuvimos en la sala y se escucharon unas cuantas. Cómo dijo una compañera: “Es una tontería como un camión. Por una vez puede incluso gustar, pero ya dos veces no, y mucho menos en tono que emplea la actriz para decirlo”. Es uno de los muchos tontos elementos que utiliza el director que, sin duda alguna, no posee los recursos suficientes (e inteligentes) para seguir la historia y representar el acercamiento de la pareja enamorada de una forma un tanto más fogosa: “Vuelve a mí, vuelve a mí”; y por si fuera poco, recuerda al ahogado Jack de Titanic cuando se hunde en el fondo del mar y Rose dice, mejor dicho, suspira: Jack…Jack… ¿será un guiño a una obra maestra?... Posiblemente

Después de tanto horror, usted, el lector de esta crítica, se preguntará: ¿cómo fue posible que no echaran la siesta a mitad de la película? La explicación es compleja, pero desgraciadamente corta.

Sin duda alguna, el magnífico vestuario de Jacqueline Durran adornado con colores vivos y caídas de satén para el deleite personal junto con un acertado, insinuante y atractivo maquillaje a la vista, suplió majestuosamente la mezquindad narrativa del director Joe Wright. Felicitar también a decoradores, que con cierta inteligencia supieron aportar algo de interés y veracidad a la historia, siempre por supuesto junto con un holgado débito a la dirección fotográfica de Seamos McGorvery que eligió, con una gran delicadeza, exteriores cromados de colores primaverales. En fin, unos planos realizados con gusto, pero que no avanzan con la soltura necesaria a causa de una trama absurda, provocando su posterior olvido con cierta facilidad

Otras de sus cualidades: la música. Esta vez a cargo de Dario Marianelli, que con un incesante golpeteo de teclas mecanógrafas nos da la impresión no sólo de estar escribiéndose un libro en la propia película, sino de rememorar el origen literario de la historia. Las restantes composiciones son utilizadas con acierto, destacando por su elegancia y originalidad nada grandilocuente. No es casualidad, que haya sido el único Oscar que se ha llevado la película (tenía 7 nominaciones) a la mejor Banda Sonora.

Todo ello proporciona la magia suficiente para que puedas seguir mirando a la pantalla sin bostezar, dejando este acto para los momentos más "álgidos" de la película

También es destacable la labor de los actores. Aunque como hemos dicho antes, no suplen el estropicio cinematográfico, sí que aportan belleza y talento al conjunto.

James McAvoy se sitúa en el espacio de la corrección, con la actuación más fiel al papel. A pesar de que a veces se torna un poco inexpresivo, y debemos comentar que su personaje, Robbie, y la historia que lo envuelve es la parte más aburrida, absurda y negra de la película. Sin embargo, es destacable su evolución como actor si tenemos en cuenta la actuación en películas como La Joven Jane Austen y El Ultimo Rey de Escocia. En breve se le podrá ver junto a Angeline Jolie y Morgan Freeman en un filme titulado Wanted (se busca).

Briony, sin lugar a dudas, es la perla que brilla en medio de tanta barahúnda. A medida que avanza la trama, uno puede ir averiguando quién es la verdadera protagonista. Todo lo que la rodea son los claros de la historia, como si tuviera un cartelito pegado a su espalda con las palabras escritas: “presentación, nudo y desenlace” lo demás, superfluo. Y es que las tres Briony realizan unas interpretaciones estupendas, que seguramente habrán dado a conocer dos actrices increíblemente talentosas como son Sasoirse Rona y Romola Garai, esta ultima más conocida por papeles como Dirty Dancing 2 o Angel. Los fallos provienen siempre del mismo ente: Joe Wright. Resulta increíble la capacidad de la pequeña Briony para pillar a sus parientes con las manos en la masa justo cuando estos andan en las faenas propias de carácter sexual. Es normal que la niña cogiera un trauma (yo lo hubiera cogido), lo que yo no me explico es por qué no se formó en una carrera para ser detective privado, en vez de dedicarse a la enfermería o la escritura creativa. Seguro que le hubiera ido mucho mejor (sentimentalmente, porque la tía anda forrada con sus novelas).

El culmen del despilfarro en el talento de una actriz lo encontramos cuando nos presentan a una Briony ya vieja, con el mismo corte de pelo con el que debió nacer sólo para no perdernos el detalle de que es la misma Brioni. En fin, ¡qué se le va hacer!

La historia, el guión…lo peor.

En serio, la historia llega convertirse en un auténtico aburrimiento. Y es que parece que el director hubiera tenido en mente un principio y un final y que, sin saber qué hacer, rellenó el intermedio como rellenaría un inexperto Arguiñano el pavo de Nochebuena.

Esa parte “intercisa” brilla por su continua incoherencia y situaciones ridículas” Un ejemplo de vital importancia son los esporádicos contactos que mantienen los dos “enamorados” en una cafetería. ¿De verdad son reales? ¿Es imaginación mía?

Y es precisamente aquí donde cobra vital importancia (más bien vital ridiculez) ese “Vuelve a mí, vuelve a mí” Pues si tanto “Vuelve a mí, vuelve a mí” digo que podrían haber aprovechado la ocasión y esa “pasión” para mostrar al espectador la verdadera historia de amor que nadie en este mundo, excepto los propios creadores, podría creer. Es una oportunidad perdida para que la película se situara en torno al drama con la vivencia de un amor que ya se ha consolidado y sufre en su separación. Pero no, nada de ello se muestra, es más, en su contacto los personajes se muestran fríos y recelosos del amor (sobre todo Robbie) cosa que ahuyenta todavía más la simpatía del espectador hacia los personajes.

Unos personajes poco interesantes, inexpresivos, predecibles y con un guión vacío. Con respecto al guión diré o, mejor, me pregunto ¿estarían en esas sonadas huelgas los guionistas estadounidenses cuando el director decidió ponerse manos a la obra?

Pues eso ya no importa, lo que sí importa es cómo adaptaron la magnifica novela de Ian McEwan al guión. Según la crónica, Joe Wright trabajó intensamente con el guionista Christopher Hampton para adaptar la novela:

“Cuando me mandaron el primer guión, me pareció muy alejado de la novela, que siempre me había parecido magnífica. Así que Christopher y yo volvimos a empezar de cero, intentando ser lo más fieles posible al libro. Disfruté mucho en ese periodo. Estaba entusiasmado y totalmente sumergido en la historia. Sentía que conocía la novela y el guión a fondo, que entendía cada momento, o al menos lo intentaba”.

Sí, la verdad, sólo te quedaste en el intento. Sigue diciendo:

“Una novela es una ilusión, una serie de símbolos en una página que crean una historia en nuestra mente. Un libro tiene tantas versiones como lectores. He hecho la adaptación de la historia que me vino a la cabeza cuando leí la novela”.

Ahhh ¡Claro! Por eso nosotros… al ser tú…

Sin duda el guión resulta arrítmico, un sin sentido continuo, acompañado de una rutina amorosa ridícula. Con rellenos aportados sin inteligencia, como una boda cronometrada que más bien parecía un episodio corto de Benny Hill; o el terrible paseo de una señora mayor por la calle, conduciendo un carrito de bebé para su recreo que carece de total relevancia para la historia. Más parecido a una escena de Mortadelo y Filemón. ¡Sólo faltaba que un camión la atropellara!

Pero por segunda vez, una lucecita nos mantiene los párpados semiabiertos, y esa lucecita es la historia, cuasi paralela, de Lola Quincey. Interpretada por Juno Temple, que la vimos debutar hace ya unos años en Pandaemonium, dirigida por su padre Julian Temple y también ha participado en el magnifico filme Diario De Un Escandalo junto a Judi Dench y Cate Blanchett. En fin, una pequeña historia que nos hizo mantener el interés por la espera de un final que no defrauda, sorprendente y que, al mismo tiempo, muestra la viva imagen de lo que ocurría a muchas jóvenes de la época. También felicitar a la actriz por su excelente interpretación: muy acertada en su rol de listilla y fresca. Lo dicho, una lucecita.

Final…y conclusión.

Podríamos decir que el final es que como un conglomerado de toda la película donde se almacenan la idiotez, brillantez, imbecilidad, originalidad, confusión… Desde luego, si has visto el tráiler, todo te parecerá tan previsible que incluso esa sensación te causará alguna que otra sorpresa, y seguramente también dudas, ¿De verdad todo acaba ahí? ¿de verdad todo se torna tan previsible? ¿es cierto que han malgastado tanto talento y dinero en esto? ¿sólo para terminar así?

El drama se convierte en un acto adornado con una parafernalia desmesurada, tanto, que incluso algunos espectadores hallarán más la risa que la lágrimas, porque señores y señoras, la película resulta a veces tan ridícula que mejor reírse por no llorar.

Quizás, en medio de este caos cinematográfico hayan inventado un nuevo genero donde algunos morirán de aburrimiento, otros morirán a carcajadas, unos pocos morirán de lágrimas y otros (la mayoría) la palmarán de resentimiento y rabia por haber pagado algo (aunque sea el consumo energético) para ver semejante birria. Porque esta película se asemeja a un final de Titanic, con todo pero sin nada, sin barco, sin emoción, sin nada de nada; previsible hasta la saciedad; tanto que cuando uno llega hasta el sofocante final (¡Hurra! Ya hemos llegado al final) nosotros, los espectadores, el público paciente que se ha atrevido a aguantarla nos quedaremos siempre con la pregunta filosófica y con la gran incertidumbre de saber si la expiación la pedía por adelantado el director o la protagonista.

Crítica escrita por Almudena Bueno, Danny Blanes y Silvia Mel.

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Pincha aquí para ver la página oficial de la película en español

Clara así en el silencio

2008-03-30T21:37:00.001+02:00

Clara así en el silencio

Un poema para mi amiga Clara, porque se lo merece, porque solamente ella es Clara.

Clara así en el silencio,

el pétalo en tu pecho

recita el verso

de frío murmullo

en la caliente pantalla

del negro artilugio

que mis ojos despiertan

y los dedos provocan

en sus teclas oscuras,

Oscuras.

Claras son las flores,

entre el azul del cielo

y entre las acerinas torres

de un tendón eléctrico.

La red se esconde

tras el soplo de un sigilo,

la red se teje

nos abriga del olvido

porque tejida está con los recuerdos

y el silencio de los cuentos.

Claras así son las palabras

sobre moribunda plata

de luna vieja,

sobre el espejo,

soldando en largos recuerdos

que la memoria refleja

no solamente en voz callada.

también en el rumor intenso

de un sueño.

Los claros recuerdos así,

en el silencio de los versos.

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Poema Escrito por Juan Manuel Rodríguez de Sousa.

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Clara así en el silencio by Juan Manuel is licensed under a Creative Commons Reconocimiento-No comercial-Sin obras derivadas 2.5 España License.

La primera portada del blog: PICASSO

2008-03-28T22:09:00.002+01:00

La primera portada del blog

La idea de hacer una portada con un collage del gran maestro Picasso llegó en un día navideño bajo los tupidos adornos dorados y rojizos. Un ambiente propicio para el despertar de los colores y la imaginación. Con esta portada se pretendía mostrar de una forma fácil y amena la pintura de un gran maestro. Las felicitaciones que obtuve por esta iniciativa fueron numerosas, y por ello decidí mantenerla durante algunos meses. Pero después de tanto tiempo se me ocurrió, ¿y si cada mes o cada dos meses inaugurara un nuevo collage con otro gran maestro? Es así como surgió esa segunda iniciativa que, con el tiempo, irá mostrando en la portada de mi blog a grandes artistas del mundo de la pintura.

La primera portada está dedicada a cuatro obras de Picasso. Empezando por la izquierda, vemos:

1) Las señoritas de Avignon

2) Femme assí dans une jardin

3) Rêve

4) La cuarta obra no es de Picasso, con ella queríamos hacer un guiño al visitante para que detectara cual de estas no era propia de Picasso. Como nadie lo averiguó, he decidido que en los próximos collages no incluiré una obra “trampa” ya que incluso puede confundir al vistante y al conocimiento del arte, haciendo más mal que bien. Es una obra de Henri Matisse realizada en 1943.

Para los que quieran saber más de Picasso, os dejo con un artículo plagado de buenos enlaces que os enseñan y mostraran su obra.

MÁS PICASSO

Artículo escrito por Juan Manuel Rodríguez de Sousa

CRÍTICA CINEMATOGRÁFICA DE NOEL (El milagro de Noel).

2008-03-27T00:07:00.002+01:00

Sinopsis:

Rose es una ciudadana que no comparte esa alegría que la ciudad destila en Navidad, al contrario. Pese a ser una eficiente editora de libros, su vida personal se ha ido deteriorando con el tiempo; separada y con su madre a su cargo, Rose es una mujer agobiada por las circunstancias y se encuentra sola en Navidad. El oficial de policia Mike Riley tiene planeado pasar el Fin de Año con su prometida Nina. Desafortunadamente, los celos y paranoia de Mike harán que la pareja ponga a prueba el verdadero sentido del amor. Además, a esto se sumará que un hombre cree ver en Mike a su difunta esposa. En esta Navidad estos personajes se encontrarán fortuitamente y cada uno tendrá algo que ver en la felicidad del otro, sus almas encontraran paz, consuelo, amor, igualdad, o simplemente un hombro en el que descansar.

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FICHA

TITULO: El milagro de Noel
TITULO ORIGINAL: Noel
GENERO: Drama
DIRECCION: Chazz Palminteri
GUION: David Hubbard
INTERPRETES: Penélope Cruz, Susan Sarandon, Paul Walker, Alan Arkin, Marcus Thomas, Robin Williams
FOTOGRAFIA: Russell Carpenter
MUSICA: Alan Menken
MONTAJE: Susan Morse, Joseph Gutowski
ORIGEN: Estados Unidos (2004)
DURACION: 96 minutos
CALIFICACION: Apta para mayores de 13 años
WEB:OFICIAL (en inglés)

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Crítica de Juan Manuel Rodríguez de Sousa

La historia y sus personajes

Es una película que narra, de forma paralela, la vida de varias personas en la ciudad de Nueva York. Sus vidas se cruzan en algunos momentos, no son sólo simples guiños al espectador como estamos acostumbrados a ver en otras película, sino que muestran las consecuencias que puede acarrear un solo beso, un abrazo, una palabra.

La ciudad que nunca duerme parece pernoctar menos horas durante las fiestas navideñas, y los neoyorquinos recorren frenéticos de un lado a otro los centros comerciales. Sin embargo, nuestros protagonistas sentirán que este año su Navidad no encaja con el resto de ciudad, ellos irán a otro ritmo, sencillamente, porque no podrán eludir los problemas que les rodean.

La historia de Rose (Susan Sarandon) es la más conmovedora de todas. Una mujer dedicada exclusivamente a su trabajo y a su madre; es un ser solitario, que se desvive por los demás, pero que deja su vida aparcada en un eterno mañana, como si estuviera esperando un milagro del cielo. Y ese milagro ocurre, pero quizás no como ella creía que iba a suceder: Robbin Williams es un enigmático amigo de un paciente que se cura en la habitación contigua donde se encuentra encamada la madre de Rose. Los dos se conocerán y descubrirán que la soledad no debe ser el final de nuestros días en la Tierra, pero para conseguir ese amor debemos romper las barreras que muchos no se atreven por miedo a vivir.

Nina (Penélope Cruz) y Mike (Paul Walter) son pareja desde hace años, y tienen planeada la boda que siempre habían soñado. Pero todo se va al garete cuando Nina se da cuenta de que su novio es más celoso de lo normal, llegando incluso a violentas situaciones que obligan a Nina a dejar a su novio. Mike no parece darse cuenta, pero un milagro aparecerá en su camino bajo la forma de un viejo loco paranoico. Este viejo, llamado Artie, lo interpreta Alan Arkin, (recordar el papel de abuelo en PEQUEÑA MISS SUNSHINE). Artie vive atrapado por un pasado triste y está lleno de remordimientos: cada navidad intenta buscar el perdón de su esposa, pero es en este intento cuando sucede el milagro que estaba buscando: Mike. Este, a su vez, absorberá la experiencia del viejo loco para enfrentarse a su deteriorada relación con Nina.

Todo esta barahúnda de vidas cruzadas se explica con agilidad y no hace dudar, ni en un solo momento, de quién es quién dentro de este puzzle de vidas sencillas que se desarrollan dentro de un mundo cruel, un mundo que satura a sus seres de continuos problemas, envolviéndolos en una burbuja psicológica que les impide hablar y escuchar, o simplemente, les impide esperar algo bueno de la vida que les resta.

Es una película de esperanza, de esperanza para todos nosotros, huérfanos del mundo moderno. Porque la historia que cuenta es una historia de hoy día, y cada uno de nosotros se verá identificado —a su manera—con alguno de los personajes. Ello no hubiera sido posible si la maestría del director: Chazz Palminteri. Su trabajo resulta excelente, y ustedes podrán comprobarlo a lo largo de toda la película. Ha hecho de una complicada y enredada historia, otra muy fácil y sin ninguna complicación. La sencillez con la que ha mostrado a los personajes y las escenas es asombrosa. Sin embargo, algunas escenas de cámara podrían haber estado mejor rodadas, y en alguna ocasión se nota cierta “torpeza”, mas estos fallos son nimios si se comparan con sus logros cinematográficos.

Los actores cumplen en toda regla con el papel asignado, destacando a Susan Sarandon y Alan Arkin; ambos realizan un papel excepcional. Los demás interpretan muy bien, pero no están al nivel de estos dos.

La película, de apenas una hora y media, avanza lentamente. No tiene prisa en mostrar los acontecimientos, pero tampoco se deleita con la impaciencia del espectador. Chazz Palminteri nos la presenta como los buenos vinos: deben saborearse lentamente, sin perder un ápice del aroma que, por alguna razón, pueda escaparse y dejarnos sin explicaciones del porqué de esto u otro. Es una táctica más para facilitar la compresión del espectador que no debe ser un gran “catador de vinos”: el mejor filtro es el director.

Lo peor que he encontrado es el tratamiento del tema “gay”. A veces resulta un poco brusco, aunque después se corrige bastante. Sin embargo, los tópicos siguen estando presentes en el cine (y en la vida real).

Lo mejor de la película es la fuerza expresiva de los personajes. He llorado, y eso ya es mucho, porque casi nunca lloro en las películas; en ese aspecto soy bastante duro. Sin duda, lo mejor es la emoción que despierta.

Se lo recomiendo a todos aquellos que sean capaces de ponerse en el lugar de los demás, entender sus problemas. Si son dados a llorar, deber portar un paquete de pañuelos, no les vendría nada mal, también se lo recomiendo a todos aquellos interesados en los problemas sociales y cotidianos del mundo actual.

Es más fácil decir a quién no debo recomendársela: a los que sólo buscan escenas de acción en las películas, a los que sólo buscan escenas de sexo o chistes absurdos y de poca inteligencia. Tampoco se la recomiendo a los que opinan que el arte que hace llorar, no es arte (opinión totalmente respetable). Se la recomiendo especialmente a las amas de casa, a las mujeres trabajadoras, a los insensibles, a los enfermos… y a muchos más.

CONCLUSIÓN

La película me ha encantado. Es una de las mejores películas que he visto en lo que llevo de año. No es broma, es la verdad. Me llevé una sorpresa muy grata y lo consideré un acierto personal, puesto que nadie me había comentado nada acerca de ella. Fui yo quien me tuve que guiar por mi intuición. Sinceramente, la elegí porque advertí que actuaba Susan Sarandon: soy un gran admirador suyo y me encanta como actúa. También tenía curiosidad por ver las interpretaciones de Penélope Cruz y el abuelo de Pequeña Miss Sunchine.

Me gusta porque es la historia de unas vidas que se apoyan unas a otras, pero estos apoyos no consisten en grandes actos heroicos; simplemente, es dar un beso, un abrazo. Decir: te quiero.

Porque aunque no lo sintamos en lo más profundo de nuestro corazón, si lo deseamos, debemos decir aunque sea una palabra, más aún cuando ese deseo y esa palabra puede ser el principio de la esperanza para aquel que nos está escuchando.

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Nota: 8’9

Crítica de Noel by Rodríguez de Sousa is licensed under a Creative Commons Reconocimiento-Compartir bajo la misma licencia 2.5 España License.

La mujer y el peine de los cabellos dorados.

2008-03-26T20:52:00.002+01:00

Un día, mientras caminaba por una estrecha y oscura calle, Gustavo encontró un peine tirado en el suelo. En él quedaban restos de un cabello rubio, casi dorado; enseguida tuvo deseos de conocer a la dueña de aquel objeto. Se la imaginó como a una sueca, blanca y a la vez bronceada por el sol de Andalucía; toda cubierta por un halo de belleza nórdica, alta, con las piernas muy largas, muy largas.

Siguió unos segundos obnubilado en su imaginación, admirando los hilos de oro en el peine cuando en el umbral de un pequeño portal, que más parecía un boquete en un muro de piedra descubierta, vio una imagen de ensueño: una mujer de espaldas, con una enorme cabellera rubia hasta los pies, emanaba una luz mágica y aterradora al mismo tiempo. No se le veían más que cabellos, y si hubiera estado desnuda habría sido imposible saberlo.

Gustavo era un joven de apenas diecisiete años, débil y temerario a la vez, buen estudiante y amante de las lenguas antiguas. No se hubiera imaginado que tras las centenarias calles del centro histórico malagueño viviría una experiencia tan fantástica. Movido por el deseo y la curiosidad, se dirigió decidido y cautivado hacia aquella figura inquietante. Justo cuando estaba a un palmo de aquella melena, la figura se desvaneció como por arte de magia. Gustavo se quedó petrificado, se convirtió en una inmóvil estatua, desamparado a merced de la amarga malicia escondida detrás de aquel viejo umbral de piedra.

Nadie supo que le ocurrió a Gustavo en ese día, pasaron los meses y su rostro fotografiado colgaba por multitud de farolas, papeleras, escaparates; un enunciado en letras grandes decía así: “Desaparecido”.

Una sombra dorada cruzó una noche la estrecha y oscura calle, llevaba un peine con cabellos rubios en su vieja mano y lo dejó caer justo en el mismo sitio donde un año antes, en una cálida mañana de primavera, Gustavo hubo de recogerlo inocentemente para irse de este mundo, para dejar de existir y habitar entre los vivos.

Cuento escrito por Juan Manuel Rodríguez de Sousa.

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LA MUJER Y EL PEINE DE LOS CABELLOS DORADOS by Juan Manuel is licensed under a Creative Commons Reconocimiento-No comercial-Sin obras derivadas 2.5 España License.

CORTOMETRAJE: LO QUE TÚ QUIERAS OIR

2008-03-25T00:56:00.003+01:00

¿Por qué conformarse con la realidad? Este corto nos muestra la vida cotidiana de un ser humano que necesita un toque de ilusión (o locura) para superar los baches del mundo real. Una magnifica interpretación. Recomendada para todo tipo de público, sobre todo a los sensibleros.

PRODUCIONES CASIOPEA

FÁTIMA BAEZA

PRODUCIDO POR MARÍA ALVAREZ

ESCRITO Y DIRIGIDO POR GUILLERMO ZAPATA

DURACIÓN: 6 minutos.

Breves apuntes sobre la película "El Apartamento", de Billy Wilder

2008-03-25T00:36:00.002+01:00

Billy Wilder decía que sus comedias eran el drama de sus personajes. Su mejor logro en "El Apartamento" es hacernos pasar por comedia lo que en realidad es una historia trágica. Trata de un amor imposible, agravado por una situación humillante para el protagonista y que además ni siquiera tenemos la certeza de que acabe bien, aunque queramos pensar que sí.

El apartamento nace cuando Wilder ve en 1946 la película "Breve encuentro" de David Lean; es la historia de un hombre que tiene una aventura con una mujer casada y se ven en el piso de un amigo de él. Eso le hizo a Wilder plantearse la siguiente pregunta: ¿Y qué ocurre con el tipo que ha dejado su casa y tiene que meterse después en esa cama tibia...? Ese sería el héroe...SEGUIR CON LA LECTURA AQUÍ

Artículo escrito por Ramón Alcaraz.

Podéis leer una crítica de la película en LA BUTACA pincha aquí

CORTOMETRAJE: ALLANAMIENTO DE MORADA

2008-03-24T23:50:00.002+01:00

AUTOR: MATEO GIL

INTERPRETES: EDUARDO NORIEGA, PEPÓN NIETO,

PETRA MARTÍNEZ

Un corto sobre las artimañas de los comerciales que importunan en nuestras casas. Muy recomendable, sin duda, merece la pena verlo.

CORTO DE CINE. ESPAÑA 1998

DURACIÓN: 17 minutos

Instrucciones para acompañar a la suegra a “cualquier sitio” y salir con vida.

2008-03-24T00:58:00.002+01:00

NO APTO PARA SUEGRAS.

Quizás usted, esté familiarizado con el sujeto que voy a describir: la suegra. Para empezar la suegra es la madre de su novia o novio. Su novio o novia, o mujer y marido es aquel individuo con el que usted contrajo matrimonio delante de un obispo. No confundir con la “querida o amante” que es el otro individuo indispensable con el que usted pasa algunas noches y seguramente le gustaría pasar más. Teniendo en cuenta estos preámbulos, diremos que la suegra es un ente que normalmente va vestido a la moda de las revistas del corazón, o por el contrario, va siempre de un negro pulcro que explica su sentido padecimiento ante la muerte del marido. Aún así, le diré, que las suegras son especialmente reconocibles. En las reuniones familiares siempre miran de reojo al yerno o nuera (o sea a usted) siendo esta mirada inconfundible; no necesita más ilustración para saber de quién se trata.

Pero este manual de instrucciones prometía cómo acompañar a una suegra sin más ayuda y compañía que la nuestra. Empecemos. Primero usted debe ir preparado, y esta preparación consta de una formación “clásica”. Durante al menos, una semana, dedíquese por entero a ver los programas de Ana Rosa quintana, Aquí hay tomate, El diario de Patricia, las telenovelas de la primera… Es imprescindible Salsa Rosa y estudiar con detenimiento las recetas de Arguiñano. Deje de comprar su periódico deportivo, para optar por revistas tan prestigiosas como DIEZ MINUTOS, HOLA, LECTURAS o SEMANA. Es importante leer detenidamente la prensa, estar atentos a los consejos de moda, decoración y esteticismo que seguramente su suegra conocerá al dedillo, pero que en la práctica aplicará igual que una brocha desdoblada. Asegúrese de sonreír mucho, con los labios retorcidos hacia arriba, pero sólo durante tres segundos. Cuando ella hable de sus problemas asiente muy seriamente con la barbilla, frunza el cejo, y agite la cabeza como si fuese lo más grave y desconsolador que le haya pasado a alguien en su vida. Ella se lo agradecerá. Siempre debe dejarla pasar primero, uno debe comportarse como un gentilhombre. Intente reírse de todas sus gracias, lo que es lo mismo a reírse de nada. Por eso usted debe estar muy atento en detectar un cambio de noto que revele que está contando un chiste, entonces, usted debe desternillarse. Intente vestir decentemente, a poder ser con la ropa planchada, sin enseñar mucha “carne”, pues esto, perturba fácilmente a las suegras. Ir bien afeitado. Con dinero porque las muy capullas son caras de cojones. Portar aspirinas, ansiolíticos, calmantes… Cuando el fin del acompañamiento esté acaeciendo, intente quedar con ella una segunda vez, insista. Ella creerá que tú la adoras o que quieres ganarte su favor. Para ella es casi lo mismo. Y despídete con un beso, y a ser posible un abrazo. Después, con la mano de lejos, esboza el adiós con la palma, tal y como lo haría un plebeyo a su reina. Todo ello servirá para que su suegra no intente matarle, aunque le odie –eso es inevitable-, no tendrá motivos para hacerlo y por ende, demostrarlo. Incluso si tienes suerte, no hablará de ti.

Escrito por Juan Manuel Rodríguez de Sousa,

Crítica de IRINA PALM (la pajillera)

2008-03-10T23:37:00.002+01:00

Sinopsis de LA BUTACA

Maggie, viuda de 50 años, necesita desesperadamente dinero para pagar el tratamiento médico que necesita su nieto. Después de varios fracasos en su búsqueda de un empleo, Maggie encuentra su oportunidad en un sex shop trabajando bajo el seudónimo de Irina Palm.

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Ficha

Dirección: Sam Garbarski.
Países: Bélgica, Alemania, Luxemburgo, Reino Unido y Francia.
Año: 2007.
Duración: 103 min.
Género: Drama.
Interpretación: Marianne Faithfull (Maggie), Miki Manojlovic (Miki), Kevin Bishop (Tom), Siobhán Hewlett (Sarah), Dorka Gryllus (Luisa), Jenny Agutter (Jane), Corey Burke (Olly), Meg Wynn-Owen (Julia), Susan Hitch (Beth), Flip Webster (Edith).
Guión: Martin Herron y Philippe Blasband; basado en un argumento de Philippe Blasband.
Producción: Sébastien Delloye y Diana Elbaum.
Música: Ghinzu.
Fotografía: Christophe Beaucarne.
Montaje: Ludo Troch.
Diseño de producción: Véronique Sacrez.
Vestuario: Anushia Nieradzik.
Estreno en Bélgica: 18 Abril 2007.
Estreno en España: 14 Diciembre 2007.

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Crítica por Juan Manuel Rodríguez de Sousa

HISTORIA

La narrativa del filme arranca muy bien, los sucesos ocurren rápidos, eludiendo esas cosas insignificantes que suelen aparecer en las películas, pero también poniendo de manifiesto un cierto ratiquismo estético. En definiva, es una buena historia que hace emocionar y reir. Quizás haya un cierto abuso de la idea "Sex Shop" pero en "resumen" está bien, aunque podría habérsele sacado un mayor provecho.

PERSONAJES Y ACTORES

Sin dudarlo, la más carismática es la misma protagonista. Marianne Faithfull hace un trabajo excelente pero quizás adolezca de una falta expresiva bastante abrumadora en algunos segundos, sólo que "ahí" es donde radica su fuerza. Sin embargo, yo creo abusa de ese recurso.

Los demás personajes son totalmente secundarios, el nieto que se muere, la nuera, el hijo, su nueva compañera, el dueño del Sex Shop, los vecinos... Ninguno tiene la oportunidad de rivalizar con la protagonista, -tal vez Miki Manojlovic (el dueño del sex shop) que para mi realiza una interpretación excelente- En general los actores bien, y los personajes mejor.

ORIGINALIDAD

Es evidente que esta historia es original por el hecho de mostrar lo que tanto se ha hablado en la televisión y en la vida real: hacer todo lo que fuese con tal de salvar a la persona a la que amamos. Y esta película es un foco rebelde por lo que muestra. Porque lo muestra y lo explica con pelos y señales. Siempre claro, con elegantes maneras. ¿Guantes de látex?

MINUTOS

La película se hace asombrosamente corta, y la recomiendo para verla traquilito en la casa, después de una jornada agotadora.

LO MEJOR Y LO PEOR

Lo peor es esa especie de raquitismo del que ya he hablado antes, cierta torpeza visual y que a veces se hace cansina de una manera innecesaria.

Lo mejor son las notas de humor que brillan como perlas. Desde luego, es en esos momentos es cuando no me arrepentí de haber escogido esta película. De verdad, hay que reírse.

RECOMENDABLE

A todos los que sean un poco inteligentes y que hayan visto algo de cine "Europeo" en su vida. Ya que a los demás, si están acostumbrados a la dinámica de Hollywood les resultaría muy difícil entender la posibilidad de hacer buenas películas sin efectos especiales o superestrellas americanas. O quizás no.

CONCLUSIÓN

A mí me ha gustado, quizás siempre parecerá que hay una película más interesante para ver. Puede que sea cierto. Pero si un día la echan por televisión, está disponible en videoclubs... no lo dudes, es el momento. Siempre hay una primera vez.

No es una obra maestra, no es imprescindible... pero merece la pena observar a una pajillera profesional en acción ¡Con las manos en la masa!. ¡No veas cómo baja la libido!

Nota: 7’1

No pongo el trailer de la película porque, como muchos otros trailes, cuentan media película, pervierten los chistes; estropean la historia, la emoción...

Página oficial de la película en España

Página oficial (en inglés)

LA HISTORIA INTERMINABLE de Michael Ende

2008-03-08T21:53:00.002+01:00

LA HISTORIA INTERMINABLE

Sinopsis

El Reino de Fantasía está en un serio peligro. ¡Está desapareciendo! Sólo hay un ser que podría ayudarles: un ser humano, un niño llamado Bastián. Pero este niño habita en el mundo real, no en fantasía. ¿Cómo podrá ayudar a sus amigos?

Tendrá que lanzase en la mayor aventura de su vida, ayudado por sus preciados compañeros: Atreyu y Fújur el dragón de la suerte. Todo aquel que lo acompañe, incluido usted, el que está leyendo en este mismo instante, comprenderá que el destino de todos los seres, tanto de fantasía como del mundo real, están unidos y que si fantasía perece también desaparecerá toda la inocencia del mundo, todas las esperanzas, sueños e ilusiones.

Crítica

por Juan Manuel Rodríguez de Sousa

Historia

La historia se divide claramente en dos partes y cada una de ellas es imprescindible para lograr comprender la historia entera.

Podríamos decir que es una obra bien estructurada, que quizás resulte a veces “pesada” o “reiterante”, sobre todo, cuando la sucesión de aventuras parece interminable: no todos los países y criaturas de fantasía despiertan el mismo interés, es cuestión de gustos.

Personajes

Están tratados desde una absoluta inocencia, es decir, parece que mientras lees la obra no se aportan datos sobre estos. Pero esto no es así, ya que son las acciones y el comportamiento ante determinados escenarios los que muestran al personaje. Es decir, no explica, sino muestra. Y eso, es una virtud.

Es innegable que el personaje más trabajado es el mismo Bastián, sobre todo, debemos valorar su trasformación en el mundo de fantasía y el final que aporta a la historia. Pero tampoco se nos puede pasar por alto personajes como Atreyu o Fújur; o la Emperatriz Infantil, el padre del niño… cada uno tiene un cometido que cumplir

Originalidad

La originalidad de LA HISTORIA INTERMINABLE es innegable. Por supuesto, el tratamiento del mundo de fantasía aborrece de muchos tópicos que por otra parte parecen imprescindibles, porque aunque den un tono de torpeza, sí que proporcionan el mundo perfecto de las fantasías humanas. Es decir, Michel Ende en este aspecto no ha podido recrearse en un universo propio y original, sino que tenía que mostrar –siempre desde su particular imaginación- el mundo de fantasia que los propios seres humanos creen. Debía mostrar de alguna manera elementos típicos de este mundo como elfos, princesas, magos, troles... Pero no es aquí donde radica la originalidad que yo he mencionado. Esta parte de la dualidad de dos mundos que se necesitan uno a otro, y la ineludible intromisión de Bastián para salvarlos.

Pero también encontramos muchas más cosas que demuestran el genio del autor: en la “utilidad” del sustrato fantasioso para sobrevivir ante los problemas del mundo real –y tal como ocurre en el libro- , incluso para resolverlos. Pero incluso el libro va más allá: en la necesidad de estos dos mundos como dos plataformas universales que se sostienen en equilibrio y que dependen unas de otras. Pero también demuestra la necesidad del ser humano de pasar un buen rato imaginando a dragones y princesas. ¡Qué no es tan malo!

Estilo

Quizás sea este su mayor defecto. Debo decir que he leído la obra traducida y en este apartado es difícil saber con claridad la calidad estilística. Pero si he podido apreciar algunas carencias: una fluidez falsa conduce a párrafos que desembocan a menudo en la torpeza. También he notado una carencia de lirismo, lo cual no es un defecto ni una virtud, pero que demuestra una “forma de redactar” que dependen de según los gustos de cada cual. En general el estilo está muy por debajo del valor literario en sí que se puede disfrutar en la obra.

Páginas

En mi libro tiene alrededor de 500 páginas, lo que de alguna manera, le confiere la categoría de novela “gruesa”. Es verdad, es un tocho y, precisamente, no se hace corto. Parece que cuando terminas de leerla has leído muchísimo más de 500 páginas, pero es ese preciso momento, a las puertas del final, es cuando hubiera gustado tener un tocho de 10.000 páginas.

Lo peor y lo mejor

-Lo peor: el inicio de la novela, hasta que no te acostumbras al estilo y a la historia, es difícil meterte en ella.

-Lo mejor: todo lo demás. Si consigues penetrar en la historia, no querrás dejar de leer y a la vez, sentirás el temor certero de que no es un “libro interminable” pero sí una historia interminable.

Recomendable

A todos aquellos que disfruten de la fantasía, que estén dispuestos a creer que, sin ella, los seres humanos somos menos seres humanos, y que de alguna manera, es necesaria para sobrevivir en este mundo tan gris, o solamente, para pasar un rato agradable. Tampoco hay que ponerse muy filosóficos.

Por supuesto, yo he sacado mis propias metáforas en este libro, muchas de ellas coinciden con otros lectores, otras no. En definitiva, es un libro para sacarle partido. Yo no voy a desvelar los grandes descubrimientos que he realizado, soy generoso pero no tanto. Ahora, ¡A disfrutar de la novela!

Nota: 8

Más información de la novela en la Wiki

Comprar LA HISTORIA INTERMINABLE en Casa del Libro

El Psicoanalista

2008-03-06T14:33:00.003+01:00

El Psicoanalista (The Analyst) - John Katzenbach

"Feliz 53 cumpleaños, doctor. Bienvenido al primer día de su muerte. Pertenezco a algún momento de su pasado. Usted arruinó mi vida. Quizá no sepa cómo, por qué, pero lo hizo. Llenó todos mis instantes de desastre y tristeza. Arruinó mi vida. Y ahora estoy decidido a arruinar la suya. Al principio pensé que debería matarlo para ajustarle las cuentas. Pero me di cuenta de que eso era demasiado sencillo. Es un objetivo patéticamente fácil, doctor. Acecharlo y matarlo no habría supuesto ningún desafío. Y, dada la facilidad de ese asesinato, no estaba seguro de que me proporcionara la satisfacción necesaria. He decidido que prefiero que se suicide".

Quién dijo que escuchar las penas de los pobres desgraciados e intentar ayudarles a solucionar sus problemas era un trabajo pasivo se equivocaba, ¡qué se lo digan a Ricky!

De esta manera se desata la trama principal de la novela, pero una vez que lees como comienza todo, no podrás dejar de leer hasta saber su final.

Desde el principio todo son novedades una detrás de otra que no te dan descanso para poner en orden las ideas, pero a cambio tenemos una estructuración de la obra perfecta que indica diferentes fases de las que el protagonista pasa para llegar a su meta.
En un principio puede parecer pesado, su tamaño y la ausencia de diálogos pueden motivar el cansancio pero la curiosidad de saber cada detalle fomentará tu rapidez por saber la verdad. Sin duda es un libro para disfrutar tranquilamente mientras investigas en el misterioso mundo de la psicoanálisis y todo los riesgos que conlleva y en eso, nuestro querido Ricky es todo un experto.

Reseña escrita por Antonio Soe